Archives de catégorie : Appels à contribution

Call for papers: Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism

Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism (Plymouth,
22-23 Mar 18)

Plymouth College of Art, March 22 – 23, 2018
Deadline: May 31, 2017

Seeking the Marvellous: Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism

22-23 March 2018, Plymouth

Call for papers – deadline 31 May, 2017

Seeking the Marvellous is a two-day interdisciplinary symposium that will examine the work of Ithell Colquhoun (1906 – 1988) and other women connected both with Surrealism and with Britain. It is organised by Plymouth College of Art in partnership with the Black Mirror research network and will be held in Plymouth on 22 and 23 March 2018.

During her lifetime, Colquhoun was widely respected, both as an artist and an occultist but since her death her oeuvre has been largely lost from public view. Her intellectual and artistic contributions to Surrealism and to British modernism and occultism have seen some scholarly attention, but hardly any extensive investigation.

This symposium seeks to re-examine Colquhoun and her place in art history and in the history of occultism from a variety of perspectives.
We are also interested in papers on other female artists connected with Surrealism in Britain; these might include Eileen Agar, Valentin
Penrose and Leonora Carrington to name but a few. ‘British’ might also include those who lived or worked in Britain as well as those with British nationality. In all cases, consideration should be paid to the polyvalent dialogues enacted between women artists and Surrealism in the British and/or other national contexts.

Our time frame is 1900 – 1980 and we welcome contributions on the visual and performative arts including painting, drawing, sculpture, photography, film, design, fashion, theatre, dance and music. We are especially interested in work which examines the connections between artists and the magical or the occult, and/or in women who were prominent figures during their lifetimes but whose work and reputations have become obscured or occulted since their deaths. We welcome papers from all disciplinary and theoretical backgrounds, including gender and queer theory and postcolonial approaches.

The symposium will be held in Plymouth, close to Cornwall where
Colquhoun lived and worked for much of her life. We hope to include new local documentary material about Colquhoun.

Keynote speakers will include renowned international experts Susan
Aberth and Victoria Ferentinou.

Please send abstracts of not more than 400 words by 31 May 2017 to Judith Noble at jnoble@pca.ac.uk.

Include the following details: name and surname, affiliation, contact
email address, and a short biography, including details of most recent publications.

Conference Organising Committee:https://re2g.hypotheses.org/wp-admin/post-new.php
Associate Professor Judith Noble (Plymouth College of Art)
Dr. Tessel M. Bauduin (University of Amsterdam)
Assistant Professor Victoria Ferentinou (University of Ioannina)
Dr. Kristoffer Noheden (Stockholm University)
Associate Professor Dominic Shepherd (Arts University Bournemouth)
Professor Susan Aberth (Bard College)
Tilly Craig, Conference Assistant

APPEL À COMMUNICATIONS : Bibliographies de critiques d’art francophones

LOGO

Une nouvelle histoire de la critique d’art à la lumière des humanités numériques ? (du milieu du XIXe siècle à l’Entre-deux-guerres)

Colloque organisé par Anne-Sophie Aguilar (Paris 1, HiCSA), Eléonore Challine (ENS Cachan), Christophe Gauthier (Ecole nationale des Chartes), Marie Gispert (Paris 1, HiCSA), Gérald Kembellec (CNAM), Lucie Lachenal (Paris 1, HiCSA), Eléonore Marantz (Paris 1, HiCSA), Catherine Méneux (Paris 1, HiCSA).

Paris, 18 et 19 mai 2017

APPEL À COMMUNICATIONS

 

Compris dans un premier temps comme un simple outil d’une  histoire de la réception des œuvres, les écrits relevant de la critique d’art ont souvent été cités sans tenir compte du contexte de leur énonciation et surtout de l’identité de leurs auteurs. Si les études monographiques de qualité se sont récemment multipliées, on observe que la médiation des connaissances sur la critique d’art continue de passer par des corpus fragmentés et des anthologies. Aujourd’hui, les outils numériques permettent d’aller plus loin, et de proposer des modèles d’organisation et de diffusion du savoir qui envisagent différemment la critique d’art, loin de son statut de simple marginalia de l’œuvre commentée. Partant de ce constat, le programme de recherche Bibliographies de critiques d’art francophones (Labex CAP, HeSam université, Université Paris 1) lancera à la fin de l’année 2016 un site proposant non seulement la bibliographie complète d’auteurs ayant exercé la critique d’art mais donnant également la possibilité de faire des recherches par champ (date, revue, auteur, etc.).

Plus qu’un simple outil documentaire, ce futur site permet de revoir en profondeur la manière d’aborder la critique d’art et les critiques d’art. Non discriminant, puisqu’il ne prévoit pas de typologie ou de classement autre que le support de diffusion du texte (article, ouvrage ou chapitre d’ouvrage), interdisciplinaire, ce site ne vise pas à l’appréciation de la valeur critique du texte – éminemment subjective – au profit d’une vision d’ensemble de la production littéraire des auteurs concernés, quel que soit le champ artistique sur lequel leur regard s’est porté (photographie, cinéma, beaux-arts, architecture, etc.). Il permet ainsi une approche renouvelée à la fois de la production critique de chaque auteur – aucun texte ne prenant le pas sur un autre – et sur la critique d’art en général dont le champ se voit élargi à une grande diversité à la fois d’objets et de supports. Ce sont ces renouvellements, qui sont également des questionnements théoriques, que le colloque se propose d’aborder selon quatre axes.

  1. Faire carrière

Privilégiant les critiques d’art à la critique d’art, le site affirme tout d’abord une approche monographique qui pose un certain nombre de questions. Prendre en compte l’ensemble des écrits d’un auteur ayant exercé la critique en envisageant le temps long permet ainsi de s’interroger sur son positionnement dans un champ, littéraire, artistique, voire commercial pour les arts qui sont aussi des produits de consommation, et sur l’évolution de ce positionnement. Peut-on, à proprement parler, utiliser le terme de « carrière » pour un critique et comment en déterminer les étapes à la fois professionnelles et intellectuelles ? Comment cette « carrière » peut-elle se construire face à la nécessité de rendre compte d’une actualité artistique toujours plus dense ? Peut-on, pour des domaines plus neufs ou plus techniques comme ceux de l’architecture, du cinéma ou de la photographie, véritablement parler de critique d’art professionnel ?

  1. Masse critique

Proposer des bibliographies à finalité exhaustive suppose de prendre en compte l’ensemble des écrits d’un critique dans une approche qui ne soit plus qualitative mais quantitative. La « masse critique » ainsi dégagée suppose une réévaluation des corpus. Dans quelle mesure permet-elle une réflexion sur la place de certains textes, non plus donnés isolés mais réinscrits dans une histoire et dans un corpus, dans une sorte de génétique de la critique qui permettrait de déconstruire certains mythes fondateurs. Comment ces textes ont-il pu faire l’objet de refonte et de réédition et avec quelles conséquences ? Mais cette masse critique peut engager également à une approche statistique ou plus sociologique, posant la question de la constitution d’une expertise et de l’existence d’une « critique moyenne ».

  1. Nouveaux corpus

Au sein de cette « masse critique », certains types de textes ou de supports souvent minorés retrouvent leur place dans la production d’un critique. La confrontation de bibliographies exhaustives permet ainsi de mettre en lumière une nouvelle manière de faire de la critique d’art à cette période et pose la question des supports et formes de publication. Quelles sont les nouvelles formes que prend cette critique d’art, enquêtes ou interviews d’artistes ou de collectionneurs par exemple ? Quel est le rôle joué par les préfaces de plus en plus nombreuses écrites par les critiques d’art dans les catalogues de revues et comment leur étude peut-elle permettre de réfléchir par des cas concrets au fameux système « marchand critique » ? Du côté des supports, on peut s’interroger sur la place prise par les quotidiens dans le champ critique mais aussi sur la manière dont s’articulent, pour l’architecture, le cinéma ou la photographie, écrits dans les revues techniques et écrits dans les revues artistiques.

 

  1. Au-delà de la critique d’art

Interdisciplinaire, la base/le site met également en lumière la polygraphie essentielle des auteurs ayant pratiqué la critique. Souvent touche-à-tout, ils s’intéressent à des domaines très différents, fréquemment dictés par l’actualité, ce que permet de montrer une bibliographie exhaustive. Cependant, une fois ce constat posé, la confrontation entre les textes continue de poser un certain nombre de questions. Existe-t-il encore des champs spécifiques, par exemple pour les arts décoratifs ? Le fait d’écrire sur plusieurs media suppose-t-il une certaine analogie dans la structuration de nouveaux champs ? Comment évolue l’idéal d’unité des arts à la lumière de ces écrits sur l’art et de leurs supports ? Y a-t-il une approche spécifique d’ensembles nouveaux, de pratiques nouvelles, qu’elles soient considérées ou non comme artistiques, par exemple dans le champ politique ?

Les propositions de communication, d’une page maximum, et indiquant les principales sources utilisées, sont à adresser avec un CV avant le 2 novembre 2016 à :

Anne-Sophie Aguilar (anso.ag@free.fr)Eléonore Challine (eleonore.challine@ens-cachan.fr), Christophe Gauthier (christophe.gauthier@enc-sorbonne.fr), Marie Gispert (marie.gispert@wanadoo.fr), Lucie Lachenal (lucielachenal@free.fr), Eléonore Marantz (eleonore.marantz-jaen@univ-paris1.fr) et Catherine Méneux (catherine.meneux@orange.fr).

Les réponses seront communiquées au plus tard le 9 janvier 2017.

APPEL À COMMUNICATION : SURRÉALISME ET ARTS PREMIERS

SURRÉALISME ET ARTS PREMIERS

 

logo_centre_allemand

Workshop au Centre allemand d’histoire de l’art, Paris, 10 octobre 2016. Avec le soutien de l’Agence Nationale de la Recherche au titre du programme d’investissements d’avenir du laboratoire d’excellence  Labex Arts-H2H (ANR-10-LABX-80-01). Conception: Julia Drost, Fabrice Flahutez et Martin Schieder

Quand, en mai 1936, la galerie Charles Ratton présente l’ »Exposition surréaliste d’objets », cette exposition cherche à démontrer la capacité du surréalisme de transfigurer le réel, sans pour autant le métamorphoser. Les objets exposés – objets mathématiques, objets trouvés et interprétés, objets d’Amérique ou d’Océanie – sont tous des objets qui n’ont reçu aucune modification, aucune transformation et sont, quand même, élevés au rang du merveilleux surréaliste. Comme le dira André Breton dans le « Dictionnaire abrégé du Surréalisme » en 1938 : ce sont les poètes qui en font un « objet usuel promu à la dignité d’objet d’art par le simple choix de l’artiste ». De nombreuses études et la récente exposition « Le surréalisme et l’objet » du Musée national d’art moderne, Centre Pompidou en 2013, ont depuis souligné le paradoxe inhérent entre le domaine du rêve et de l’imaginaire d’un côté et la réalité matérielle de l’autre.

Dans le cadre d’un workshop, nous nous proposons de nous intéresser tout particulièrement à l’objet « sauvage ». Celui-ci, qu’il vienne d’Océanie, d’Afrique ou d’Amérique du Nord, prend une place importante non seulement dans le surréalisme, mais aussi dans les collections des poètes et des artistes. Au-delà de leur magie, ces objets possèdent une valeur d’échange concrète. Roland Tual, le premier gérant de la galerie Surréaliste qui ouvre ses portes en 1926, est en contact avec les marchands berlinois des arts premiers Hildebrand Gurlitt et Karl et Josef Nierendorf pour le commerce des objets océaniens et africains.
Paul Eluard est toujours à la recherche d’objets qu’il peut revendre à des marchands parisiens tel Charles Ratton. La correspondance avec Gala témoigne du fait que le collectionneur vise la revente des objets dès son premier achat. André Breton, considère également ces objets, en dehors de toute qualité esthétique, comme éléments d’une activité de courtage, dont il vit.
Notre workshop propose d’étudier ces aspects moins connus de la fascination pour les arts premiers. Les surréalistes contribuent à transformer les régimes de valeur de ces objets entre leurs qualités imaginaires surréalistes et leur réception occidentale. L’analyse des collections des poètes et artistes surréalistes, nous aidera à mieux comprendre comment la vie et l’art sont, de cette façon, étroitement liés. Par exemple, quelle est la place d’un marchand comme Julius Carlebach dans l’économie autant complexe que subtile de la vente d’œuvres de surréalistes et d’objets extra-occidentaux ? Comment la discipline de l’ethnologie évolue-t-elle au regard du surréalisme? La disposition muséale des collections ethnologiques représente-t-elle des sources d’inspiration pour les collections des surréalistes ? Quels types de rapport entretien le surréalisme avec les arts d’ailleurs ?
La journée d’études s’adresse notamment aux jeunes chercheurs. Elle s’inscrit dans le cadre d’un programme de recherché intitulé « Le surréalisme au regard des galeries, des collectionneurs et des médiateurs, 1924-1959 » et fait suite aux journées d’études intitulées « Le monde au temps des surréalistes » (7 et 8 novembre 2014) et « Le Surréalisme dans l’Europe de l’entre-deux-guerres » (11 et 12 mars 2016) qui se sont déroulées au Centre allemand d’histoire de l’art à Paris.

Un appel à candidature est lancé jusqu’au 15 juin 2016. Les intéressés devront envoyer une courte présentation de leur projet (maximum une page) en langue anglaise, allemande ou française, ainsi qu’un bref cv.

Julia Drost, Centre allemand d’histoire de l’art, Paris
(jdrost@dfk-paris.org)
Fabrice Flahutez, Université Paris Ouest Nanterre La Défense
(fflahutez@u-paris10.fr)
Martin Schieder, Universität Leipzig (schieder@uni-leipzig.de)

APPEL À CONTRIBUTION / CALL FOR PAPERS : Avant et après ? Continuité ou rupture ? L’art belge au temps de la Grande Guerre

fg

Bruxelles, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

24 et 25 novembre 2016

Date limite : 16 janvier 2016

Les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique organisent un colloque scientifique international consacré à la place de l’art moderne belge dans le contexte européen. Dans le souci d’une confrontation des générations, nous viserons autant l’avant-garde que les positions plus traditionnelles ou singulières.

Dans l’historiographie artistique européenne, la Première Guerre Mondiale est traditionnellement décrite comme un moment de rupture ayant stimulé l’essor de l’avant-garde. Le colloque se propose de confronter cette assertion devenue classique à la situation culturelle spécifique de l’art belge à l’aube du vingtième siècle. Une simple dichotomie AVANT/ APRÈS permettra de structurer systématiquement le domaine d’étude et d’aborder la question du PENDANT. L’année 1916 paraît une année charnière à plusieurs égards et servira comme point de repère. L’essentiel de l’étude est consacré aux artistes relativement jeunes qui ont démarré leur carrière artistique vers 1910 et qui ont développé une œuvre personnelle vers 1920.

L’expérience de la Première Guerre Mondiale, notamment de l’exil (ou plus largement d’une migration artistique) et de l’isolement redistribuait d’une certaine façon les cartes dans le milieu artistique, mais s’inscrivait aussi dans une évolution à long terme qu’il convient de garder à l’esprit. Cependant l’isolement n’était qu’un côté de l’exil et de l’occupation qui de l’autre est une période particulièrement riche en transferts culturels. On pourra notamment évoquer le sujet d’une interculturalité forcée. Des axes d’étude intéressants sont notamment la circulation des œuvres d’art et la diffusion des idées artistiques novatrices. L’étude du rôle historique des salons, des jurys, des galeries, des associations, des revues d’une part et la signification de l’administration et des mesures de guerre spécifiques d’autre part devraient permettre de brosser un tableau nuancé du contexte dans lequel les activités artistiques se sont déroulées. La position des artistes en exil (Pays-Bas, Grande-Bretagne, Suisse, Italie, …) et le rôle du gouvernement (occupant) méritent une attention toute particulière.

Du point de vue artistique, nous nous intéresserons à la recherche d’un monde et d’un homme nouveau et à la confrontation de l’art belge aux mouvements novateurs comme le cubisme, futurisme, dadaïsme, expressionnisme, constructivisme… Les questions que nous souhaitons notamment poser sont: quelles étaient les conditions de la création artistique en temps de guerre, d’exil et d’occupation ? quel était l’impact de l’environnement (à l’étranger, sous l’occupation) sur la création artistique ? quel était l’impact des évènements historiques sur cette création ? comment ces influences sont-elles visibles dans les œuvres d’art ? peut-on détecter une évolution dans la facture des artistes et laquelle ? de quelle manière les idiomes picturaux changent-ils ? et de quelle manière les évènements et échanges influencent-ils le discours théorique ? quels effets avaient les différentes migrations pendant la guerre sur la scène artistique belge de l’après-guerre ?

D’éventuelles questions intéressantes susceptibles d’être évoquées au colloque s’articuleront donc autour de quatre axes principaux – les trajectoires individuelles, les réseaux, les institutions, les politiques/ stratégies artistiques et culturelles – et sont d’un côté, sur le plan historique, par exemple :

– la circulation des œuvres d’art en Belgique et à l’étranger,
– les artistes belges en exil,
– les ‘carrières brisées’,
– les artistes et historiens d’art allemands ‘occupants’,
– les expositions et artistes en Belgique,
– le rôle des musées en Belgique,
– le marché de l’art en temps de guerre,
– la politique artistique de l’occupant,
– la politique artistique du gouvernement belge en exil,
– la contribution des activistes,
– l’engagement sociétal des artistes,
– les interactions de la communauté artistique belge avec la vie culturelle et artistique britannique, néerlandaise ou allemande ;
d’autre part, sur le plan artistique, p.ex.
– la diffusion des idées artistiques novatrices et des nouveaux courants,
– l’identité culturelle des artistes,
– le conflit des générations,
– l’impact matériel de l’exil et de l’occupation sur la création artistique,
– le rôle des groupes et fédérations d’artistes belges,
– le rôle des revues et journaux d’avant-garde,
– les discours théoriques,
– les mouvements artistiques
– …

Les propositions de communications d’une longueur maximale de 500 mots, sont à faire parvenir au plus tard pour le 20 janvier 2016, accompagnées d’une brève notice biobibliographique, à symposium14-18@[at]fine-arts-museum.be. Les communications et les résumés sont acceptés en français, néerlandais ou anglais.

————————————————————————————————————
Organisé par les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles dans le cadre du Centenaire de la Grande Guerre et avec le soutien de VisitBrussels et le Gouvernement de la Région Bruxelles-Capitale.

Organisation : Inga Rossi-Schrimpf (MRBAB/ KMSKB)
Comité scientifique : Véronique Cardon (MRBAB/ KMSKB); Christina Kott (Université Panthéon-Assas Paris 2/Institut d’histoire du temps présent IHTP); Hubert Roland (Université Catholique de Louvain/ FNRS) ; Inga Rossi-Schrimpf (MRBAB/ KMSKB); Lara Schrijver (Universiteit Antwerpen); Axel Tixhon (Facultés Universitaires de Namur); Rudi Van Doorslaer (CEGESOMA/ Universiteit Gent); Michèle Van Kalck (MRBAB/ KMSKB) ; Francisca Vandepitte (MRBAB/ KMSKB); Caterina Verdickt (Universiteit Antwerpen).

Appel à contribution/Call for papers : Negotiating Art: Dealers and Museums

London, The National Gallery, April 1 – 02, 2016
Deadline: Sep 18, 2015

Call for papers
Negotiating Art: Dealers and Museums

IMMINENT DEADLINE for submissions: 18 September 2015!
Financial assistance with travel may be available!

This two-day conference on the relations between art dealers and museums, organised by the National Gallery in collaboration with the University of Manchester and the University of Liverpool, will be held  at the National Gallery, London.

This joint conference, which has its origins in the acquisition of the Thos. Agnew & Sons archive by the National Gallery, aims to explore the relationship between art dealers and museums, in the UK and worldwide, and across a wide chronological period. Although there will be a focus on the London and British art market in the late 19th century, we wish to include papers that span the period 1855-2015 and across a range of geographical areas, in order to establish connections and assess contrasts between places and periods.

Many fundamental topics are implicated by the subject of this conference. For example, the relationship between consumption and culture; the creation, separation and ethical remits of professional specialisms; the nature and role of art institutions; and the multifaceted – and conflicting – roles of art collecting. We have singled out four key themes, which we envisage will comprise discrete conference sessions, and we invite paper proposals that engage with some aspect of them:

– Mechanics of the relationship: How did the relationships between dealers and art museums work? Were these business relationships, advisory roles, or both? Which sources can we use to establish such relationships? Can quantitative evidence like pricing be used to illuminate these relationships further? Can any shifts in these dynamics be identified or measured over a geographical or chronological range?

– Biographies: Who were/are the main dealers associated with art museums? Can the personal and institutional biographies of specific dealers, agents, curators and other associated players assist in the reconstruction of the dealer-museum relationship, either in the historical or contemporary domains?

– Collaboration and conflict: How close was/is the relationship between various dealers and art museums? To what extent can these relationships be construed as successful or otherwise? Are there examples of conflict, such as failed deals, arguments over pricing or the breakdown of relationships? How were successful cases, such as acquisitions mediated by dealers, negotiated? What happens when dealers are in competition with each other? And what happens when museums are in competition with each other?

– Works: How can case studies of single artworks or groups of pieces help us to understand better the model of dealer-museum interaction? How do the previous histories of works, their provenance, and the manner of their acquisition (e.g. private treaty or auction sale) affect their afterlife in the museum?

How to submit

Papers should be a maximum of 20 minutes in length, and preference will be given to proposals which stimulate dialogue and engage with broader topics. Please send enquiries and proposals of no more than 300 words, indicating which session your paper relates to, by 18 September 2015, to research.centre@ng-london.org.uk (marked for the attention of Alan Crookham).

Papers will be selected by 18 October 2015. Some financial assistance with travel expenses for speakers may be available.

Appel à contribution : Museum global? Multiple Perspectives on Art, 1904–1950

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, January 21 – 22, 2016
Deadline: Sep 27, 2015

Museum global? Multiple Perspectives on Art, 1904–1950

[Deutsche Fassung unten]

Currently, profound societal upheavals require a repositioning of the concept of « Modern Art. » As a museum, the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen is responding to the effects of globalization and digitalization by devoting itself to the pressing theme of « globalism » and the challenges associated with it.

With the project « museum global? » (2015–2017), the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen interrogates the grand narratives of Western modernism and its underlying canon. Through a research project conferences followed by exhibitions, and with a point of departure in our own collection, strongly grounded in the epoch of classical modernism, and hence in the art of Europe and North America, « museum global? » focuses on the period between 1904 and 1950. The oldest works in the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen date from the early 20th century. A historical prelude is supplied by Henri Matisse’s small format painting Le goûter (Le golfe de Saint-Tropez) (1904). The collection’s core is formed by an ensemble of works by Paul Klee, an artist who was defamed as « degenerate » by the National Socialists and dismissed in 1933 from his teaching position at the Düsseldorf Art Academy. In 1961, the acquisition of the Klee collection by the federal state of North Rhine-Westphalia, a move intended as a kind of political atonement, led to the museum’s foundation as a public institution.

The aim of the research project « museum global? » is from a contemporary perspective a critical interrogation of our own collection and the re-illumination of its history with reference to the period from 1904 to 1950. In search of diverse voices and for other narratives of modernity exemplary artworks from non-European regions become evident and will be analyzed, along with their contexts of production, with the intention of contributing to a revision of earlier perspectives.
Special attention is devoted to the continuous transformation and
development of the use of language and of terms such as « international, » « global, » « universal, » « cosmopolitan, » and « worldwide, » and of « classical modernism,” “rural modernism, » « local modernism, » or “Tropical modernism” and their changing meanings. The project will culminate in autumn of 2017 in a concluding exhibition that will simultaneously present the collection from a newly-won perspective while showcasing exemplary positions and phenomena from the focus period of 1904–1950.

A preparatory, academic conference will be held on January 21–22, 2016 at the Kunstsammlung (in German and English with simultaneous translation). This event is designed to bring together scholars who concentrate on regional phenomena and artistic and intellectual tendencies that are situated beyond, parallel, or in opposition to the so-called « modern » art scene in central Europe and North America. The introductory panel will be devoted to a revision of the modernist canon and its historiography. The main emphasis of the conference will be selected case studies that exemplify international exchanges via artists and artworks during the above-named time period.

We are hereby issuing an invitation to potential participants to give
30 minute talks based on research related to the following aspects:

– Questioning the narrative of modernist art history, in particular of
Paris as a center of artistic activity during the first half of the  20th century;
– attempts to open up perspectives onto contemporanean artistic   phenomena worldwide;
– examinations of hitherto little-discussed artistic practices and local
art historiography worldwide;
– considerations of local artists and artist’s groups situated beyond
the art scenes of Europe and North America;
– transcontinental artistic networks and collaborations;
– influential intellectual tendencies, ideas, discoveries, concepts,
and   fashions that interconnect different regions;
– art world protagonists and intermediators that have shaped dialogue and networks worldwide, thereby mediating between cultures and  regions;
– current theoretical positions that, aware of the results of  postcolonial studies, reflect critically on concepts such as  « exoticism, » « primitivism, » or « Orientalism »;
– considerations of the relevant political, societal, and historical   conditions, including specific historical examples, i.e. concerning   mobility and travel of artists during the period as well as of trade   routes and the circumstances of exile;
– interdisciplinary examinations of intersections between the visual
and applied arts, literature/poetry, music, theater, dance, photography,  and film.

Please submit abstracts of your contribution (300–500 words, in German or English) and a brief biography by September 27, 2015 to museumglobal@kunstsammlung.de. Travel costs for lecturers will be
covered by the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Honoraria will be offered as well.

Given the large number of thematic foci for the period, for which research efforts have barely begun in the global context, this conference attempts explicitly to stimulate exchanges between scholars. For this purpose, and on our initiative, the research interest « global modern art museum » has been set up at academia.edu, and will hopefully serve as a common platform.

Please signal your interest in conference participation at http://goo.gl/forms/k2OmojfIpg. Starting in October of 2015, you will receive information concerning the conference program.

This research project of the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen – in whose framework the conference is being organized – is sponsored by the Kulturstiftung des Bundes/German Federal Cultural Foundation.

museum global? Multiple Perspektiven auf Kunst, 1904–1950

Starke Umbrüche verlangen eine Neupositionierung des Konzepts „Kunst der Moderne“. Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen reagiert als Museum auf die Auswirkungen von Globalisierung und Digitalisierung und widmet sich dem aktuellen Thema des „Globalen“ und den damit verbundenen Herausforderungen.

Mit dem Projekt „museum global?“ (2015–2017) hinterfragt die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen die großen Erzählungen der westlichen Moderne und den zugrundeliegenden Kanon. Ausgehend von der eigenen Sammlung, die in besonders starkem Maße auf der Epoche der Klassischen Moderne und somit auf der Kunst Europas und Nordamerikas basiert, wird sich „museum global?“ in Forschungen, Ausstellungen und Konferenzen auf den Zeitraum 1904 bis 1950 konzentrieren. Aus dem frühen 20.
Jahrhundert stammen die ältesten Werke in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Den historischen Auftakt macht das kleinformatige Gemälde Le goûter (Le golfe de Saint-Tropez) (1904) von Henri Matisse.
Den Grundstock der Sammlung bildet ein Konvolut von Werken des von den Nationalsozialisten als entartet diffamierten und 1933 aus der Düsseldorfer Kunstakademie entlassenen Künstlers Paul Klee. Der Erwerb der Klee-Sammlung durch das Land Nordrhein-Westfalen, durchaus als politische Wiedergutmachung intendiert, führte 1961 zur Gründung des Museums als öffentliche Institution.

Das Forschungsprojekt „museum global?“ zielt darauf ab, die eigene Sammlung und ihre Geschichte aus heutiger Perspektive kritisch zu hinterfragen und im Hinblick auf den Zeitraum 1904–1950 neu zu beleuchten. Auf der Suche nach Vielstimmigkeit und anderen Erzählungen der Moderne treten Beispiele für die Kunst außereuropäischer Regionen und deren Kontexte in den Fokus, um dazu beizutragen, die bisherige Sicht zu korrigieren. Besondere Aufmerksamkeit wird hierbei auf die kontinuierliche Veränderung und Entwicklung von Sprache und Begriffen, wie „international“, „global“, „universal“, „kosmopolitisch“ oder „weltweit“, „klassische Moderne“, „rurale Moderne“, „lokale Moderne“ oder „Tropical modernism” sowie auf deren Bedeutung gelegt. Das Projekt mündet im Herbst 2017 in eine abschließende Ausstellung, die sowohl die Sammlung aus einer neu gewonnenen Perspektive als auch charakteristische Positionen und Phänomene aus dem genannten Zeitraum 1904–1950 präsentieren wird.

Eine vorbereitende, wissenschaftliche Konferenz wird am 21./22. Januar 2016 in den Räumen der Kunstsammlung stattfinden (in deutscher und englischer Sprache, mit Simultanübersetzung). Sie soll dazu dienen, Wissenschaftler zusammenzubringen, die sich weltweit auf regional verortete Phänomene und auf Künstler oder Geistesströmungen jenseits, parallel oder in Gegenreaktion zu den sogenannten „modernen“ Kunstszenen in Mitteleuropa und Nordamerika konzentrieren. Das einführende Panel ist der Revision des Moderne-Kanons und der Kunstgeschichtsschreibung gewidmet. Im Fokus der Konferenz steht durch ausgewählte Fallbeispiele der Austausch über internationale Künstler und Kunstwerke aus dem genannten Zeitraum.

Deshalb laden wir zu 30-minütigen Beiträgen ein, die auf Forschungsergebnissen zu folgenden Aspekten basieren:
– Hinterfragen der Erzählung der modernen Kunstgeschichte, insbesondere von Paris als Zentrum des Kunstgeschehens in der ersten Hälfte des 20.  Jahrhunderts
– Öffnen des Blickes für weltweit zeitgleich stattfindende künstlerische  Erscheinungen
– Bislang wenig diskutierte künstlerische Praktiken und weltweit lokale  Kunstgeschichtsschreibungen
– Lokale Künstler oder Künstlergruppierungen, jenseits der Kunstszenen  in Europa und Nordamerika
– Kontinent übergreifende Künstlervernetzungen und -kooperationen
– Prägende, Regionen übergreifende Geistesströmungen, Ideen und  Erfindungen, Konzepte oder Modeerscheinungen
– Akteure der Kunstwelt und Intermediatoren, die weltweite Dialoge und  Netzwerke bildeten und so zwischen den Kulturen und Regionen  vermittelten
– Aktuelle theoretische Positionen, die sich den Ergebnissen der  Postkolonialen Studien bewusst aus heutiger Perspektive widmen und  kritisch über Begriffe wie „Exotismus », „Primitivismus » und  „Orientalismus » reflektieren
– Berücksichtigung der jeweiligen politischen, gesellschaftlichen und
historischen Umstände, konkrete historische Beispiele z.B. über die
damalige Mobilität der Künstler und Umstände der Reisen,   Handelsrouten, Exil
– Interdisziplinäre Schnittstellen zwischen bildender und angewandter Kunst, Literatur/Poesie, Musik, Theater, Tanz, Fotografie und Film.

Bitte reichen Sie eine Kurzfassung Ihres Beitrag (300–500 Wörter in deutscher oder englischer Sprache) und eine kurze Biografie bis zum 27. September 2015 über museumglobal@kunstsammlung.de ein. Die Reisekosten der Vortragenden können durch die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen übernommen werden. Ein Honorar wird ebenfalls gezahlt.

Das Forschungsprojekt der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, in dessen Rahmen die Konferenz veranstaltet wird, wird von der Kulturstiftung des Bundes gefördert.

KUNSTSAMMLUNG NORDRHEIN-WESTFALEN
K20 GRABBEPLATZ – K21 STÄNDEHAUS – F3 SCHMELA HAUS
Grabbeplatz 5 – D-40213 Düsseldorf
Tel. (+49) (0)211-8381-142 – Fax (+49) (0)211-8381-201
museumglobal@kunstsammlung.de
www.kunstsammlung.de

AC/CFP: « Utopia and Dystopia in the French Landscapes and Cityscapes of the 1930s/Utopie et dystopie dans les paysages ruraux et urbains de la peinture française des années 1930 », Helsinki, 29-31 août 2014. Date limite de soumission : 30 janvier 2014

FOURTH INTERNATIONAL CONFERENCE of THE EAM (EUROPEAN AVANT-GARDE AND MODERNISM, ART AND LITERATURE CONFERENCE)

HELSINKI, Finland, August 29-31, 2014

(english version below)

Suivant le thème de la conférence de l’EAM cette année, nous cherchons des contributions écrites sur des thèmes utopiques, ou, au contraire, dystopique dans la peinture française de paysage  ruraux ou de paysage urbain des années 1930. Période troublée de l’histoire, les années 1930 sont marquées par un pessimisme accompagné d’une crise de confiance envers la Troisième République.  Dans le domaine esthétique, un sentiment de stagnation, ou une crise de critères est également notable.  Contrairement a l’expérimentation observationnelle que nous voyons dans les paysages d’artistes tels que Cézanne, dans le domaine de la peinture, nous voyons l’évolution d’une langue allégorique, des terrains vagues qui fonctionnent comme le site d’une projection psychologique, dont deux orientations temporales sont clairement marquées. La première est utopique, visant, un peu désespérément, et non sans un grand effort, des scènes idylliques, comme celles de Puvis de Chavannes ou Poussin. La seconde, au contraire, est plus dystopique, présentant des ruines, des terrains vides, ou des paysages apocalyptiques sur lesquels les récits pessimistes sur le présent ou l’avenir sont projetés.  Accueillant des papiers sur toutes les tendances artistiques (avant-garde ou non) de cette période, ce panneau interrogera la façon dont  les anxiétés ou fantasmes concernant les relations entre les classes, l’industrialisation du paysage, ou l’identité nationale ou impérialiste s’articulent dans la production artistique.

La quatrième conférence internationale de l’EAM,  Le Réseau européen de recherche sur l’avant-garde et le modernisme, se tient cette année à Helsinki, du 29 au 31 août  2014. Merci d’envoyer un extrait de 200 mots avant le 30 janvier 2014, en utilisant le formulaire de soumission en ligne. Les participants seront informés de leur sélection avant le 30 février 2014. Les papiers finaux doivent être en anglais.  Toutes les questions relatives à ce panneau peuvent être adressées à Emilie Anne-Yvonne Luse, étudiante doctorante à Duke University, à l’adresse email suivante: EAL35@Duke.edu.

Following the theme of this year’s EAM conference –“utopia ”– this panel seeks contributions on Utopian and Dystopian themes in landscape and cityscape painting of 1930s France. A troubled period of French history, the 1930s were marked by a political pessimism regarding the feasibility of the Third Republic, and in the aesthetic realm, a sense of crisis. In painting, this period saw a turn to the imagined or fictionalized landscape or cityscape.  In contrast to the observational experiments and simplifications which had marked the work of Cezanne, the landscapes of the 1930s operate in an allegorical language, functioning as the site of a psychological projection in which two parallel tendencies can be detected, each with their relationship to the past clearly stated. The first is Utopic, oriented somewhat desperately towards the idyllic canvases of Puvis de Chavannes and Poussin, while the second is dystopic, presenting a ruined, empty, or apocalyptic terrain onto which the pessimistic narratives about the present or future are projected.  Welcoming papers on all artistic tendencies, this panel seeks to relate these features to political sympathies and the cultural politics of this period, with special attention to the way in which these paintings articulate anxieties or fantasies regarding class relations, industrialization, or national and imperialistic identity.

Please send an abstract of 200 words by January 30th through the online submission form. Formatting guidelines for the abstract are here. Participants will be informed about the acceptance of the papers by February 30, 2014. Conference information and a list of open panels can be found here. Please send inquiries to panel chair, Emilie Anne-Yvonne Luse, PhD Student, Duke University, Eal35@Duke.edu.

 

AC/CFP: « Faire la révolution ? », revue « Aden. Paul Nizan et les années trente », n° 13, octobre 2014. Deadline: 31 mars 2014.

La revue Aden. Paul Nizan et les années trente lance comme chaque année à la même période son appel à contribution pour son numéro à paraître dans un an et demi. Elle continue ainsi son exploration des années 1930 et particulièrement des voix méconnues ou inconnues de la période, et ce, dans une perspective internationale.

Elle consacrera la majeure partie de son n° 13 (sortie en octobre 2014) à la problématique suivante : « Faire la révolution ? ».

Les perspectives révolutionnaires ne manquent pas, en ce début du vingtième siècle, et vont être largement débattues dans cette période foisonnante des années 1930.

Faire la révolution ? Quelle révolution ? La révolution prolétarienne, communiste telle qu’elle est brandie par les différents courants issus du bolchevisme (stalinien, trotskyste, gramscien…) ? La révolution anarchiste ou marxiste libertaire ? La révolution socialiste telle qu’elle est entendue par la IIème Internationale ?

Les articles s’intéresseront à l’une ou à l’autre de ces révolutions ou à plusieurs d’entre elles, en les traitant exclusivement au travers du parcours, des écrits d’une ou de figure(s) intellectuelle(s) et/ou militante(s) ou au travers de la ligne éditoriale d’un ou de périodiques.

Ils pourront aussi se pencher sur les révolutions à droite de l’échiquier politique (personnaliste, spiritualiste, fasciste, nationale…) dans le cadre d’un traitement comparé aux révolutions portées par les gauches.

Précisons en outre de ne pas perdre de vue l’interrogation contenue dans notre problématique, qui non seulement interroge le terme même de révolution mais également ses conditions, sa conjoncture, ses possibilités.

Enfin, indiquons que nous aimerions qu’une partie de ce dossier soit consacrée aux héritages de cette problématique dans les années postérieures, et particulièrement entre 1945 et 1968. En prenant bien en considération que la démonstration d’une filiation avec les années 1930 doit obligatoirement constituer le postulat de l’article.

Suivant le principe qui nous anime et dont tous nos numéros à partir du cinquième peuvent témoigner, nous souhaitons traiter de toutes les sensibilités de la gauche, et ce, dans une perspective internationale.

Notons qu’on privilégiera pour ce numéro les approches historique, littéraire et sociologique.

Chaque article doit comporter 20.000 signes minimum et 35.000 signes maximum. Il doit être rendu sans aucune marge et mise en page, en format Word ou RTF exclusivement, en police Times New Roman impérativement et en caractère 12, les notes devant être en bas de page et dans la même police. Il doit, enfin, être d’une tenue irréprochable tant dans le style que dans la problématique mise en place. Tout article ne respectant pas ces conditions ne sera pas considéré.

L’article doit parvenir en fichier-joint à Anne Mathieu (matan@infonie.fr), Directrice de la publication, pour la fin mars 2014, délai à respecter scrupuleusement.

Il est conseillé de faire préalablement une proposition de sujet, auprès de la rédaction, par l’intermédiaire de cette même personne (matan@infonie.fr).

La revue Aden est co-éditée par Encrage éditions et distribuée par Les Belles Lettres. Prochain numéro (n° 12) à paraître en octobre 2013 : « La plume contre le fascisme (1930-1935). Rédaction de la revue Aden à partir de ce n° 12 : Directrice de publication, Anne Mathieu ; Adjoint à la Rédaction : Gilles Vergnon ; Conseillers de la Rédaction : Maurice Arpin, Guy Palayret ; Responsable de la rubrique « Textes et Témoignages retrouvés » : Pierre-Frédéric Charpentier ; Responsable de la rubrique « Comptes rendus » : Fabrice Szabo (avec la collaboration de Pierrick Lafleur) ; Photos : Xavier Nerrière ; Illustrations : Jean-René Kerézéon. Comité de Lecture (Rédaction de la revue +) : Patrice Allain, Yves Ansel, Jacques Deguy, Gilles Kersaudy, Pascal Ory, François Ouellet, Romain Piana, Bernard Pudal, Anne Renoult, Marleen Rensen, Àngels Santa.

Plus d’infos: http://www.paul-nizan.fr/

AC/CFP: « Les Peintres et la Première Guerre mondiale : commandes, productions, collections, vers une histoire comparative », Université Paris Ouest-Nanterre – Musée de l’Armée, 4-6 décembre 2014. Deadline: 15 janvier 2014

Colloque international organisé par le CREA-EA 370, la BDIC et le Musée de l’Armée

Scroll down for English version

En Grande-Bretagne, en France, et en Allemagne, pendant la Première Guerre mondiale et les années de l’immédiat après-guerre, des milliers d’œuvres d’art ont vu le jour, par lesquelles les artistes ont cherché à représenter le conflit. Les unes s’attachent à la figuration des combats sur les différents fronts, à la vie dans les tranchées, aux destructions humaines et matérielles, à la dévastation du paysage, les autres se concentrent sur l’arrière, le « front domestique » et les réorganisations de la société ; certaines, enfin, optent pour une approche plus elliptique, voire allégorique du conflit et de ses conséquences.Tableaux, dessins, gravures réalisés par des artistes de toutes tendances, renommés ou moins connus, engagés volontaires, mobilisés, missionnés aux armées, ou non-combattants : les conditions de production de ces œuvres varient; celles de leur diffusion et de leur réception, au cours du conflit, des années d’après-guerre, et du siècle qui suit, également.

En Grande-Bretagne, les représentations de la Grande Guerre par les peintres constituent un champ bien étudié qui, outre des chapitres de monographies consacrées à des artistes individuels ayant vécu le conflit, a donné lieu à des travaux  où sont examinées les conditions de leur émergence, notamment dans le cadre de programmes officiels de commandes (Harries & Harries, Malvern, Viney). De nombreux peintres ont en effet été recrutés comme « war artists » dans des programmes gouvernementaux qui se sont poursuivis dans l’après-guerre, et ont débouché sur la constitution de collections publiques d’envergure. Ainsi, l’Imperial War Museum, créé en 1917, et qui ouvre ses portes au public en 1920, deviendra-t-il un organe majeur de diffusion de ces œuvres ; œuvres auxquelles certains artistes, comme Paul Nash, ou Christopher Nevinson, doivent en partie leur célébrité.

Les missions d’artistes aux armées ont existé aussi en France et en Allemagne, fonctionnant selon des modalités différentes, et spécifiques à chaque pays. La Bibliothèque-Musée de la Guerre (actuelle BDIC) et le Musée de l’Armée sont dépositaires d’un nombre important de toiles, estampes et dessins acquis par l’Etat français ou reçus en don à l’armistice, réalisés par des artistes missionnés (comme Denis, Vallotton, Bonnard ou Vuillard) ou mobilisés (Léger, Dunoyer de Segonzac, Friesz, entre autres). Nombre d’œuvres demeurent encore dans des collections privées.

En Allemagne, la peinture est mise à contribution pour vanter les mérites de la culture allemande, avec l’organisation, entre autres manifestations culturelles, d’expositions dans les pays neutres. Les représentations du front par des peintres de guerre officiels ont fait l’objet d’une redécouverte au musée d’Oldenbourg en 2008 (catal. Bernd Küster). Plus étudiées sont les dénonciations de l’horreur des tranchées par les expressionnistes (Beckmann et Dix notamment) ou la critique des valeurs de l’État portée par le projet artistique Dada mené depuis Zurich. Abordée principalement dans le cadre de monographies d’artistes, la peinture allemande de la Première Guerre a fait également l’objet de plusieurs ouvrages généraux (Gerster et Helbling, Gölss, Jürgens-Kirchhoff). Nombre d’œuvres se trouvent dans les différents musées de la guerre ou de l’armée, notamment au Musée bavarois de l’Armée à Ingolstadt, d’autres, dans les musées d’art et dans des collections privées.

La participation ou non des grands noms de la peinture moderne, et, tout particulièrement, des artistes liés aux mouvements d’avant-garde, à la représentation du conflit, à titre privé ou dans le cadre de commandes, puis l’accès aux œuvres qu’ils ont produites sur ce thème ont joué un rôle majeur dans l’interprétation contemporaine des rapports des peintres à la guerre. Dès lors, le constat fait par Philippe Dagen d’un « silence », en France, de ces artistes, au sujet de la Grande Guerre s’explique-t-il surtout par l’inadéquation des ressources picturales au sujet, la nature irreprésentable de cette guerre, la fragmentation des avant-gardes, ou faut-il s’interroger davantage sur les commandes, les conditions de la réception et de la constitution des collections publiques dans les différents pays, et sur le statut accordé aux avant-gardes dans chacun d’entre eux?

Ce colloque international, consacré aux représentations de la Première Guerre mondiale par les peintres qui l’ont vécue, s’intéressera aux œuvres réalisées et aux conditions de leur production, de leur diffusion et de leur réception. Centré sur la France, la Grande-Bretagne et l’Allemagne, il sera ouvert à la possibilité de comparaisons plus larges, avec d’autres pays engagés dans le conflit (l’Italie, la Russie, la Belgique, l’Autriche, les Etats-Unis, le Canada ou l’Australie, par exemple). Le contexte institutionnel de la production et de la diffusion des œuvres en constituera une voie d’approche privilégiée, mais non la seule, en lien avec d’autres thématiques.

Les propositions de communication pourront être faites, notamment, mais de manière non exclusive, sur les thèmes suivants :

• Usages et finalités des représentations de la guerre par les artistes – usages privés / usages publics ; réalisations spontanées / œuvres de commandes ; documentation, commentaire, censure et propagande; pacifisme ; attentes collectives ; témoignage et construction du souvenir
• Transcrire l’expérience de l’extrême
• Regard porté par l’artiste sur son travail ; journaux et écrits d’artistes
• Contraintes matérielles, contraintes politiques, et temporalité de la création
• Approche comparative des divers programmes de commandes et missions d’artistes aux armées, rôle de l’Etat
• Rapports à la tradition, aux mouvements et aux affiliations ; la possibilité d’une peinture d’histoire moderne ?
• Vecteurs de diffusion – les galeries, la diffusion par le livre et la presse, les collections publiques…; les politiques de constitution des collections

Les propositions de communications, en français ou en anglais et d’une longueur d’environ 300 mots, sont à faire parvenir avant le 15 janvier 2014, accompagnées d’une brève notice bio-bibliographique, à :

Anne-Pascale Bruneau-Rumsey, mailto:anne-pascale.bruneau@u-paris10.fr et Séverine Letalleur-Sommer mailto:severineletalleur@gmail.com. La décision du comité scientifique sera communiquée le 28 février 2014.

Les communications et les discussions auront lieu en français et en anglais.

Il est prévu de publier un volume collectif regroupant une sélection des communications après examen par le comité scientifique.

Comité d’organisation :
Anne-Pascale Bruneau-Rumsey MCF Etudes anglophones, Nanterre, CREA–EA370
Séverine Letalleur-Sommer, MCF Etudes anglophones, Nanterre, CREA–EA370
Dominique Bouchery, Resp. secteur germanique, BDIC
Benjamin Gilles, Resp. périodiques & documents électroniques, BDIC
François Lagrange, Chef de la division de la recherche historique et de
l’action pédagogique du Musée de l’Armée

Comité scientifique :
Annette Becker, Pr. Histoire, Paris Ouest-Nanterre, HAR–EA4414
Anne-Pascale Bruneau-Rumsey, MCF Etudes anglophones, Paris Ouest-Nanterre, CREA–EA370
Cornelius Crowley, Pr. Etudes anglophones, Paris Ouest-Nanterre, Directeur du CREA–EA370
David Guillet, Directeur adjoint du Musée de l’Armée
Juliane Haubold-Stolle, Deutsches Historisches Museum, Berlin
Ségolène Le Men, Pr. Histoire de l’Art, Paris Ouest-Nanterre, HAR–EA4414
Marielle Silhouette, Pr. Etudes théâtrales, Paris Ouest-Nanterre, HAR, CEREG–EA4223
Valérie Tesnière, Directrice de la BDIC, Directrice d’études à l’EHESS

PAINTERS AND THE GREAT WAR: COMMISSIONS, PRODUCTION AND COLLECTIONS – TOWARDS A COMPARATIVE HISTORY

An international conference organized by the CREA research centre (Université Paris Ouest-Nanterre), the BDIC (Bibliothèque de documentation internationale contemporaine) and the Musée de l’Armée, Paris

In Great Britain, France and Germany, during the First World War and the years immediately following it, thousands of artworks were created
as artists attempted to represent the conflict.  Some works concentrated on the representation of combat on different fronts, on life in the trenches, on human and material destruction and the devastation of the landscape, while others looked to the home front and changes in the organization of society, and still others opted for a more elliptical or even allegorical approach to the conflict and its consequences. Paintings, drawings and engravings were executed by artists of all tendencies, some well-known, some less so, some volunteers, some conscripts, some on official assignment with the army, and some non-combatants.  As the conditions in which the works were produced varied, so did the conditions of their diffusion and reception, during the conflict, in the years that followed and over the course of the century that has elapsed since then.

In Great Britain, significant scholarly attention has been paid to painters’ representations of the Great War.  This has given rise not only to chapters within monographs devoted to artists who experienced the conflict, but also to studies which have examined the conditions under which these representations were created, notably in the context of official commissions (Harries & Harries, Malvern, Viney). Numerous painters were recruited as war artists under government schemes that continued into the post-war period and led to the constitution of significant public collections.  The Imperial War Museum, which was established in 1917 and opened to the public in 1920, became a major organ of diffusion of these works – works to which some artists, such as Paul Nash and Christopher Nevinson, partly owe their fame.

War artist programmes also existed in France and Germany, organized in different ways, specific to the national context.  In France, the Bibliothèque de documentation internationale contemporaine or BDIC (formerly the Bibliothèque-Musée de la Guerre) and the Musée de l’Armée have significant holdings of paintings, prints and drawings that were acquired by the French state or donated at the Armistice; some were executed by artists on official assignment, such as Denis, Vallotton, Bonnard and Vuillard, and others by conscripts, including Léger, Dunoyer de Segonzac and Friesz.  Many works remain in private collections.

In Germany, painting was utilized to glorify national culture, and exhibitions were among the cultural activities organized to that end in neutral countries.  Official war artists’ paintings of the Front were the subject of new attention in an exhibition held at the State Museum in Oldenburg in 2008 (catalogue ed. Bernd Küster); more extensively studied are Expressionist painters’ denunciations of the horrors of the trenches, notably the work of Beckmann and Dix, and the critique of State values carried out by Zurich-based Dada artists.  German art of the First World War has been principally studied within monographs, but has also been the object of several overviews (Gerster and Helbling, Gölss, Jürgens-Kirchhoff).  Numerous works are held by military museums, notably the Bavarian Army Museum in Ingolstadt; others are in art museums and private collections.

Contemporary interpretations of painters’ relation to the War have drawn, to a significant extent, on the participation (or non-participation) of major painters – in particular those linked to avant-garde movements – in the representation of the conflict, whether in a private capacity or in order to carry out commissions; also significant has been the question of access to the works produced.  Philippe Dagen has argued that in France these artists remained “silent” on the subject of the First World War.  Can this silence be explained by painting’s not disposing of methods adequate to the subject, by the unrepresentable nature of the Great War, and by the fragmentation of avant-garde movements, or should analysis attend rather to such questions as public commissions, the conditions of reception and ways in which public collections were created in the different countries, and to the differing status of the avant-garde in each?

This international conference takes as its subject the representations of the First World War by painters who experienced it.  It will consider the works produced, and the conditions of their production, diffusion and reception.  The principal focus will be on France, Great Britain and Germany, but the conference will also be open to broader comparisons with other countries engaged in the conflict, including Italy, Russia, Belgium, Austria, the United States, Canada and Australia.  Particular attention will be given to the institutional context of works’ production and diffusion, in connection with other themes and approaches.

Proposals for papers will be welcome on topics including, but not limited to, the following:

• The uses and ends of artists’ representations of the War; private and public uses ; spontaneous productions versus works produced to commission; documenting, comment, censorship, propaganda; pacifism; public expectations; testimony and the construction of memory
• Representing extreme experiences
• The artist’s relationship to his/her work: journals and artists’ writings
• Material and political constraints ; the time and timing of creation
• Comparative approaches to the different programmes of commissions and war artists schemes; the role of the State
• The relation to tradition, to art movements, to affiliations; the question of the possibility of modern history painting
• Means of diffusion: galleries, books, the Press, public collections ; collecting policies.

Abstracts in English or French (around 300 words) should be sent with a short biographical note to Anne-Pascale Bruneau-Rumsey
mailto:anne-pascale.bruneau@u-paris10.fr and Séverine Letalleur-Sommer
mailto:severineletalleur@gmail.com before January 15, 2014.
Notification of acceptance by the scientific committee will be sent by February 28, 2014.

Papers and discussion will be held in French and English.

A volume of selected papers from the conference is planned for publication following examination by the scientific committee.

Organizing committee:
Anne-Pascale Bruneau-Rumsey, Senior Lecturer in English, Paris
Ouest-Nanterre, CREA–EA370
Séverine Letalleur-Sommer, Senior Lecturer in English, Paris
Ouest-Nanterre, CREA–EA370
Dominique Bouchery, Curator of German Collections, BDIC
Benjamin Gilles, Head of Periodicals and Digital Collections, BDIC
François Lagrange, Head of historical research and educational
programmes, Musée de l’Armée

Scientific committee:
Annette Becker, Professor of History, Paris Ouest-Nanterre, HAR–EA4414
Anne-Pascale Bruneau-Rumsey, Senior Lecturer in English, Paris
Ouest-Nanterre, CREA–EA370
Cornelius Crowley, Professor of English, Paris Ouest-Nanterre, Director
of CREA–EA370
David Guillet, Deputy Director of the Musée de l’Armée
Juliane Haubold-Stolle, Deutsches Historisches Museum, Berlin
Ségolène Le Men, Professor of Art History, Paris Ouest-Nanterre,
HAR–EA4414
Marielle Silhouette, Professor of Theatre Studies, Paris
Ouest-Nanterre, HAR, CEREG–EA4223
Valérie Tesnière, Director of the BDIC, Professor, EHESS

Source: H-ArtHist, Jun 27, 2013.

AC/CFP: « Beyond boundaries. Artists and art critics from Central and Eastern Europe in the West », RIHA Journal Special Issue. Deadline: Nov 30, 2013.

RIHA Journal (http://www.riha-journal.org) invites submissions for its Special Issue:

« Beyond boundaries.Artists and art critics from Central and Eastern Europe in the West »

The aim of the Special Issue is to present artists and art critics from Central and Eastern Europe who gained a special position in the Western Art World and played an important role in the development of art and art criticism. Many of them, well-known in the West (i.e., France, Germany, Great Britain), stayed almost unknown in their homelands although their output was imposing. The Special Issue is not confined to one particular period or one country. Papers may deal with figures active through all the centuries (from the Middle Ages to contemporary times).

Guiding questions:
1. Mechanics of success
2. Relations with local/national artistic milieu
3. Reception and evaluation by the local/national artistic milieu
4. Fate (from fame to oblivion)

We welcome papers in English, French and Polish. Suitable submissions will be sent to two expert peer reviewers for blind peer review.

Texts should not exceed 50,000 characters (incl. footnotes and spaces) and include no more than 15 images. For the format of bibliographic references please consult the RIHA Journal styleguide at
http://www.riha-journal.org/about/for-authors/style-guide. No particular electronic formatting is required. Please keep the formatting of your manuscript as simple as possible.

Submission deadline: 30 November 2013.

Envisaged date of publication of the Special Issue: October 2014.

The Special Issue will be edited by the Institute of Art, Polish Academy of Sciences (ISPAN), Warsaw.

Please send your submissions to:

Prof. Dr hab. Anna Wierzbicka and Dr Dariusz Konstantynów
Institute of Art, Polish Academy of Sciences (ISPAN)
Warsaw
mailto:riha-journal@ispan.pl

Source : H-ArtHist, Jun 13, 2013.

AC/CFP: « Cultural mediators in Europe 1750-1950 », Leuven, 5-7 June 2014. Deadline: Oct 1, 2013.

The research groups “Translation and intercultural transfer” and “Cultural History since 1750” of the KU Leuven organise an international colloquium on “Cultural mediators in Europe 1750-1950”, June 5-7 2014 in Leuven, Belgium.

This conference wants to advance understanding of the complex yet largely unknown cultural transfer activities that helped shaping international, national and urban cultures during the last two  centuries in Europe. A privileged way to gain insight in these transfer activities is to focus on the agents, i.e. the cultural mediators who embody them.

We want to focus specifically on those cultural mediators who develop a broad range of partly overlapping transfer activities through different cultural fields (literature, painting, music, theatre…), different languages and geo-cultural frontiers.
•    They are multilingual writers and publishers, multilingual literary and art critics who promote specific artistic subsets as typically national, international or regional; they are art dealers who organize (inter)national art exhibitions; they are self-translators or translators who translate, adapt, plagiarise, summarize, censor, manipulate, … works of other language communities. Recent studies illustrate how mediators freely combine several of these transfer techniques even within one and the same work.
•    They are active in a variety of more or less institutionalised intercultural and inter-artistic networks (editing boards of magazines and periodicals, salons, literary and artistic associations, art and music academies, artists’ workshops, reading circles etc.) which promote or oppose their transfer activities.
•    They are real migrants, persons with hybrid identities, who develop transfer activities in several geo-cultural spaces, which considerably sharpens their intercultural and international consciousness.

These complex but crucially important transfer roles are rarely acknowledged as such or studied in any depth because they transcend traditional disciplinary divides (translation studies, literary studies, history…) and their binary concepts (source-target, national-international, cultural-intercultural…). The study of cultural mediators and their transfer activities is therefore preferably
•    interdisciplinary and collective, bringing together methods from translation sociology, descriptive translation studies, transfer studies, cultural history…
•    process- and actor-oriented, in order to discover the complex intersections of which cultural products are the surface result;
•    start from the assumption that translation has to be studied in relation to other transfer techniques and that “le débat académique opposant transferts, comparaisons et croisements se résout de lui-même dans la recherche empirique” (Charle 2010:16).

In short, “we need histories that describe the meshing and shifting of different spatial references, narratives in which historical agency is emphasized, and interpretations acknowledging that the changing patterns of spatialization are processes fraught with tension” (Middell & Naumann 2010 :161).

The colloquium is open to the totality of these historiographical and translational questions, preferably tackled by means of case studies analysing e.g.:
•    How and why mediators’ transfer activities created new forms of writing and translating and new actor roles, challenging the very distinctions between translation, self-translation, multilingual writing, adaptation … How and why did they introduce or oppose  new artistic practices? Did they undertake inter-artistic or field-transgressing activities? Did they assume different attitudes/strategies towards discursive and artistic mediating activities?
•    Which networks –  informal or institutionalized, urban or (inter)national, intra-cultural or intercultural – organized, supported or controlled these transfer activities?  « Les premières manifestations d’un transfert ne sont pas des œuvres, souvent diffusées et traduites à une époque très tardive, mais des individus échangeant des informations ou des représentations et se constituant progressivement en réseaux. » (Espagne & Werner 1987: 984).
•    What was the function and effect of these transfer activities on the consolidation or disintegration of multiple cultural identities? Special attention should be paid to multiple interactions, implying multiple directions and effects which a conceptualization in terms of ‘source’ vs. ‘target’ cannot fully grasp.
•    Which diachronic evolutions can be distinguished in mediating activities? Did a shift from heterogeneous to more homogeneous cultures possibly change the form, the content and the effects of discursive transfer techniques and of mediation as a whole?
•    How do these insights lead to a new historiography of cultural practices and cultural transfer?
•    Which theoretical and methodological frameworks are most helpful to study discursive, artistic and institutional mediating activities? And which methodological implications does the study of intercultural and international transfer practices have on the basic assumptions of cultural history, translation studies and literary studies?

Proposals of 300 words approximately (English or French) and a short CV should be submitted to the organizers (reine.meylaerts@arts.kuleuven.be) before October 1st 2013.
Notification of acceptance will be given by November 15, 2013. Papers and discussions will be held in English and French.

AC/CFP: « in:flux 1845-1945: A Century in Motion », University of Birmingham, 27th June 2013. Deadline: May 17, 2013.

Interdisciplinary postgraduate conference – call for papers

Keynote speaker – Dr Matthew Rubery, Queen Mary University of London

How did the rapid period of industrialisation in the nineteenth and twentieth centuries help to shape societies and lifestyles in the West? What types of social changes, movements and developments characterise this time period? This interdisciplinary postgraduate conference, in affiliation with the Centre for the Study of Cultural Modernity and hosted by the College of Arts and Law, seeks to explore the various ways in which this century was one of ‘motion’, in every sense of the word. The conference title seeks to encapsulate both the uncertainty and upheaval of this period as well as the physical and cultural movements that occurred at this time. We invite papers addressing these themes from postgraduate researchers and early-career academics working on this period from a variety of backgrounds.

Topics could include, but are not limited to:

Cultural or social movements
•    political movements
•    the Women’s Movement
•    arts movements (musical, artistic, literary)
•    religious and philosophical
•    popular cultural trends (food, fashion, advertising)

Physical movements
•    mass movement of people (mobilisation of soldiers, migration from towns to cities)
•    transatlantic and inter-continental travel (including emigration and immigration)
•    leisure and tourism
•    transport
•    changing landscapes

Development and progress
•    media (cinema, audio technology and radio, print media)
•    scientific and medical advances
•    technology
•    economic growth and/or recession
•    development of nationhood

These headings are suggestions only; we welcome proposals exploring crossovers between these topics, or addressing them from interdisciplinary perspectives. Abstracts of 250-300 words for 20 minute papers along with a short biographical note of no more than 50 words should be sent to pgculturalmodernity@contacts.bham.ac.uk by the 17th May 2013. We welcome any questions that you may have; please do not hesitate to contact us at the above address.

For more information about the Centre for the Study of Cultural Modernity please visit their website:
http://www.birmingham.ac.uk/research/activity/culturalmodernity/index.aspx
www.facebook.com/pgculturalmod
http://pgculturalmodernity.wordpress.com

Source: H-ArtHist, Apr 15, 2013.

AC/CFP: « Regionalisms and Modernisms in Dialogue », Southeastern College Art Conference, Greensboro, NC, 30 October – 2 November 2013. Deadline: April 20, 2013.

Call for Papers for the panel: Reciprocal Exchanges: Regionalisms and Modernisms in Dialogue (As part of The Southeastern College Art Conference 2013 Annual Conference, Greensboro, NC)

Recently, art historians have zealously endeavored to decenter or re-center formulations of modernisms (or Modernisms) away from the  dominant urban centers of Paris, Berlin, London, and New York and toward artistic activities in more peripheral locations. Though exploring the native milieux of various modern artists has illuminated the significance of regional academic traditions and aesthetic preferences, as well as historical contingencies of place and geography, these studies have often privileged analysis of these peripheral circumstances over creating dialogue with the narratives of modernism that still prevail within much of art history.  In contrast, this session will explore how considerations of ‘periphery’ inform those of ‘center,’ and vice versa, asserting that neither alone may sufficiently address the influences and outputs in these projects of scholarly recentering. Possible paper topics may include secessionist challenges to regional academies in Europe, educational opportunities or exhibitions complementing or extending those of hegemonic institutions, geographically decentered iterations of modernist movements in dialogue with their metropolitan counterparts, or individual artists who moved between regions as their careers progressed. Preference will be given to projects that address art created or displayed between 1850 and 1950 and embrace interdisciplinary methodologies.

Session chairs: Shannon Connelly, Rutgers University, and Mary Manning, Rutgers University.

Contact: connelly.shannon@gmail.com

Information about The Southeastern College Art Conference (SECAC), abstract guidelines and submission procedures is available at:
https://secac.memberclicks.net/assets/documents/secac/conference/secac_2013_call_for_papers.pdf

Please use SECAC’s online form and submit your abstract and CV no later than midnight on April 20, 2013.

Source: H-ArtHist, Apr 1, 2013.

AC/CFP: « The European artistic avant-garde c. 1910-1930: formations, networks and trans-national strategies », Sodertorn University, Stockholm,11-13 September 2013. Deadline: April 15th, 2013.

A three-day interdisciplinary symposium will be hosted by Art History at Sodertorn University,11-13 September 2013. Its focus will be the European avant-gardes of c. 1910-1 30, with a certain focus on those of the Nordic Countries and Central and East ern Europe,and their relation to the Parisian avant-garde.

The cultural energies released in central Europe by the collapse of the Soviet Union in 1989 have, over the succeeding two decades, driven the recovery and exploration of the profound and complex histories of avant-garde activi ties and artistic modernisms across this continent. Moreover, the recent development of archival resources towards new, open access has facilitated the potential production of new knowledge and renewed questioning of modernist art history. As a result, many features of the art-historical land scape of the first third of the twentieth century are changing. Perhaps fore most among these changes is the recognition that the paradigm of Paris-both as capital of modernism and headquarters of the artistic avant-garde-that was until recently taken as unquestioned in its influence during this period, has yielded to an awareness of differences between nation al-cultural discourses of modernism, and between the artistic groupings of cities across Europe that sprang up, in the years either side of the first world war.

What is now urgently needed is an exploration of theoretical tools for the study of the early avant-garde and its transnational strategies, as well as a mapping of the research within the field that is now developing in different parts of Europe. This symposium is intended as a starting-point for such (a) collective project (s).

Keynote speakers: Professor David Cottington (Kingston University,London) Professor Piotr Piotrowski (Adam Mickiewicz University,Poznan)

Venues: Sodertorn University and Moderna Museet, Stockholm .

Proposals for papers are invited on any of the following themes:

-the ‘nodes’ of the avant-garde network that emerged in Europe, including the Nordic countries, Central and Eastern Europe, on their relation to the Parisian avant-garde and their transnational strategies, as well as on the inter-relations between artistic and other (e.g. literary) avant-gardes in the period.

– the role of Cubism, both in motivating and shaping the dynamic of these relations and, as a lingua franca of modernism, in articulating (via the dialects it generated) the modernisms to which these relations gave rise, and

– a consideration of the present spectrum of methodologies and theories of the study of the early European avant-garde and cultural transfer.

Proposals should include the paper’s title of paper, name, address and e-mail of contributor; a summary of the contribution; and a short biography, includ ing main publication and area of expertise. Finally, contributors should write briefly about their visions and intentions for future research. Hotel and travel expenses are offered to contributors. Proposals can be sent through the form at the conference website: www.sh.se/euroavantgarde2013.

More info : Dr. Annika Ohrner annika.ohrner@telia.com

AC/CFP: « Art and gender: women creators in Latin America », Artelogie Journal. Deadline: Feb 28, 2013.

CFP: Art and gender: women creators in Latin America

Deadline: Feb 28, 2013

Org: Ana Paula Cavalcanti Simioni (professor, IEB/USP-Brazil), Maira Ishtar de Luca (PhD student, Efisal/CRAL-EHESS), Deborah Dorotinsky (researcher, IIE-UNAM, Mexico)

For this edition of Artelogie we intend to explore on the one hand the possible intersection between artistic creation (production) and gender relations, and on the other, the relationship that gender studies have with those of territoriality. We aim to establish a dialogue between scholars working in and on Latin America.

Since the publication of Linda Nochlin’s well known essay « Why have there been no great women artists? » (1971), we can assert that women’s scarce presence in the History of Art became a prolific topic of research, capable of generating a methodological renewal of the discipline.

This edition of Arteologie dedicated to Women producers, mostly in the visual arts (painting, sculpture, design, architecture, decoration, fashion, etc.) but not exclusively, can become a privileged opportunity to bring together researchers in Latin America and elsewhere already involved in the topic.

We propose here to have studies on art and on gender converge with postcolonial theories. The latter as decisive contributions to the political critique of the universal subject, predominant actors of traditional art historical narratives, usually centered in the myth of the artist as genius, solitary transgressor that supposes a male subject, preferably white and western. (Griselda Pollock, Tamar Garb). Feminist studies have put forth assertive critiques to the sexist purposes that impregnate the categories on which judgment, selection and values within canonical art historical discourse is founded.

Abstracts (1 page) must be sent by e-mail before 28/02/2013 to: ana.simioni@hotmail.com ; deborah.dorotinsky@gmail.com ; mairaishtar@gmail.com. The editorial committee will make a selection before 30/03/2013. In case your abstract is selected, completed article must be sent by 30/06/2013.

Texts are welcomed in French, Spanish, Portuguese and English.

Full CFP in French, Spanish and Portuguese in http://cral.in2p3.fr/artelogie/spip.php?article188

Source: H-ArtHist, Feb 4, 2013.