Publication: Toby Garfitt, Jean Grenier, un écrivain et un maître, contribution à l’histoire intellectuelle du vingtième siècle, aux Éditions La Part Commune

Présentation par l’éditeur:

« Jean Grenier, dont on connaît le rôle d’inspirateur et de mentor qu’il a joué auprès d’Albert Camus, était philosophe de métier. Mais cet esprit subtil et curieux, ennemi de toute pensée totalitaire (Essai sur l’esprit d’orthodoxie) s’intéressait également aux traditions orientales (L’Esprit du Tao) et aux Beaux-Arts (L’Esprit de la peinture contemporaine, L’Art et ses problèmes – il finit d’ailleurs sa carrière comme professeur d’Esthétique à la Sorbonne); il publia deux romans; et ses méditations lyriques sur des sujets comme l’instant et le vide, sont des classiques du genre (Les Iles, Inspirations méditerranéennes). Dans les années 30 Grenier faisait partie de l’équipe de la NRF de Jean Paulhan. Cette biographie exploite des archives inédites pour faire revivre non seulement un homme remarquable et une œuvre très riche, mais toute une époque.

Je considère Jean Grenier comme un maître de l’écriture méditante (ou méditative), dans la postérité de Descartes, mais aussi de Guérin. Jean STAROBINSKI, lettre inedite

Votre œuvre est comme une rose de Jéricho dont les pétales et le pistil sont en substance de Provence. Tour de guet aussi toute solaire devant la mer où tournent les clefs du bonheur. René CHAR, lettre a Jean Grenier

Toby Garfitt enseigne la littérature française et francophone à l’université d’Oxford. Après une thèse consacrée à Jean Grenier, ses publications concernent notamment François Mauriac, Albert Camus, Julien Green, Patrice de La Tour du Pin, Sylvie Germain, et Andrei Makine. »

Plus d’infos: www.lapartcommune.com

AC/CFP: L’historiographie française de l’art, de l’affaire Dreyfus à la Quatrième République : nouvelles perspectives

Colloque international, Paris, INHA, salle Vasari, 21, 22 et 23 novembre 2011

Organisateurs : Anne Lafont (INHA), Neil McWilliam (Duke University), Eric Michaud (EHESS), Michela Passini (INHA).

Comité scientifique : Kathryn L. Brush (University of Western Ontario), Rossella Froissart (Université de Provence Aix-Marseille 1), Hubertus Kohle (Université de Munich), Anne Lafont (INHA), Michel Leymarie (Université de Lille 3), Neil McWilliam (Duke University), Eric Michaud (EHESS), Michela Passini (INHA).

L’axe histoire de l’histoire de l’art de l’INHA, en collaboration avec Neil McWilliam et Eric Michaud, a entamé en 2007 un programme de recherches sur les enjeux nationaux dans les discours sur l’art en France, durant le premier XXe siècle. A ce titre, deux journées d’études ont été organisées : la première (en novembre 2008) a traité de la question nationale dans l’historiographie belge, britannique, italienne, russe, slovaque, roumaine et allemande. La seconde (en novembre 2009) a rendu compte de la perception de l’art français à l’étranger en étudiant, entre autres, sa réception dans les revues espagnoles et italiennes, l’organisation d’expositions d’art français en Pologne et en Suède ou bien encore l’impact de la traduction d’ouvrages d’historiens de l’art français comme L’art du XVIIIe siècle des frères Goncourt, qui parut en allemand en 1921.

D’entrée, il nous avait semblé opportun d’entamer ce programme sur l’historiographie des arts visuels et la question nationale sur un plan européen, donnant ainsi plus de relief à la situation française. Nous souhaitons à présent poursuivre ce travail sur les enjeux nationaux par un colloque international consacré cette fois au discours proprement hexagonal sur l’art. Autrement dit, il nous semble indispensable de confronter ce qui semble être le motif idéologique dominant dans la littérature artistique de la Troisième République – le nationalisme – aux autres enjeux intellectuels, culturels, idéologiques ou politiques travaillant l’histoire de l’art de cette période. Réunir, autour de ce demi-siècle, des chercheurs s’interrogeant sur les fondements explicites ou implicites de notre discipline devrait s’avérer d’autant plus fructueux que cette époque est précisément celle d’une consolidation de l’histoire de l’art. Celle-ci se professionnalise, élabore de nouvelles méthodes, se forge un outillage et redéfinit des domaines de recherche tandis que, progressivement, les musées, l’université, mais aussi le marché de l’art s’affirment comme les lieux de production privilégiés de ces discours et de ces savoirs sur l’art.

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Première séance du TIGRE ce vendredi 22 octobre 2010 à la Bibliothèque Kandinsky à Paris !!! ATTENTION SEANCE REPORTEE AU 18 FEVRIER 2011 !!!

Le nouveau TIGRE de cette année s’ouvrira exceptionnellement à la Bibliothèque Kandinsky, au Centre Pompidou, qui accueille le séminaire  pour la séance du vendredi 22 octobre, 17h30-20h00.

Nous inaugurerons la troisième année du séminaire sur les réseaux des  revues en Europe par une séance spéciale. Le séminaire a l’honneur  d’accueillir trois chercheurs, Laurence DANGUY (UNIL et Université de Constance), Vanja STRUKELJ et Francesca ZANELLA (Università degli Studi di Parma), qui connaissent bien ce domaine.

La séance s’intitule «Circulations de modèles entre l’aire germanique et l’Italie au début du XXe siècle : ouvrir un champ de recherche».

N.B. L’accès à la séance nécessite une carte de lecteur de la Bibliothèque Kandinsky. Celles et ceux qui n’en ont pas sont priés de s’adresser, dès réception de ce courrier, à   didier.schulmann@centrepompidou.fr.

Evanghélia Stead, Université de Versailles / evanghelia.stead@uvsq.fr

Programme du septième séminaire interuniversitaire du «TIGRE», ENS-Ulm, 2010-2011, animé par Evanghélia Stead

L’Europe des revues : les réseaux (1880-1920) modèles graphiques, typographiques, esthétiques en association avec les textes, les hommes et les idées

Sauf indication contraire, le samedi matin à l’ENS-Ulm, 10h-13h au premier, 11h-13h au second semestre

pour les élèves de l’ENS : S1 + S2, Libre (possibilité de validation d’un 1,5 ECTS /semestre)

Au second semestre (à compter du 5 février), les séances accueilleront aussi les étudiants du séminaire M1-M2 que je tiendrai parallèlement à l’Université de Versailles sur le même sujet.

Contact : evanghelia.stead@uvsq.fr

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Expo: « Henry Moore, l’atelier (sculptures et dessins) » du 15 octobre 2010 au 27 février 2011 au Musée Rodin à Paris

Présentation de l’exposition par le musée:

« Cette exposition consacrée au sculpteur anglais Henry Moore (1898-1986) sera la première grande rétrospective organisée à Paris depuis plus de trente ans, et l’occasion de renouer les liens établis dès 1956 entre le sculpteur anglais et le musée Rodin, notamment lors des expositions internationales organisées dans les jardins de l’hôtel Biron puis à l’occasion des deux expositions qui lui ont été consacrées en 1961 et 1971.

Pour évoquer l’atmosphère extraordinaire de l’atelier de Moore à Perry Green, en Angleterre, devenu aujourd’hui la Fondation Henry Moore, le musée Rodin présentera à l’automne 2010 plus de cent cinquante sculptures, deux pièces monumentales, une cinquantaine de dessins et trois albums de croquis, ainsi que des ossements, coquillages, morceaux de bois, et débris de toutes natures que l’artiste ramassait au cours de ses promenades et parmi lesquels il travaillait.

Cet ensemble retrace la carrière de l’artiste de 1930 au début des années 1980. Dialogues entre le sculpteur et l’objet trouvé, les premières œuvres aux formes abstraites cohabitent à partir de 1939 avec des figures couchées, références explicites au corps humain que l’on peut percevoir comme autant de paysages. Les découpes asymétriques de la figure humaine, les espaces vides creusés dans la masse caractérisent alors ses rondes-bosses. Comme l’écrit l’historien d’art Dominique Bozo, ‘transformations, détournements, interprétations anthropomorphiques, confrontations de formes naturelles seront les fondements ultérieurs de son travail’. Ce n’est qu’à la fin de sa vie que Moore entreprend une série de pièces colossales, parmi lesquelles Locking Piece et The Arch, qui seront exposées dans la cour de l’hôtel Biron.

Le sculpteur a également beaucoup dessiné. L’exposition présentera de nombreuses études préparatoires pour des sculptures, des croquis d’os, de coquillages, de figures. Les célèbres dessins illustrant la vie des gens dans les abris pendant la Seconde Guerre mondiale viendront compléter cette sélection. »

Plus d’infos: http://www.musee-rodin.fr/expomoore.html

Programme de travail du groupe « Ecrire l’art » 2010/2011 : Écrire la peinture (XIXe-XXe siècles)

Du 22 octobre 2010 au 27 mai 2011, Maison de la recherche – 28 rue Serpente – 75006 Paris

Le nouveau nom pris par le groupe de travail « La critique d’art des écrivains » est à la fois la marque du travail accompli depuis les presque quatre années d’existence du groupe et le point de départ d’un nouveau programme de recherche. Ce groupe souhaité en 2006 interdisciplinaire l’est effectivement devenu, et l’effacement de la référence première aux « écrivains » salue l’ouverture de la réflexion à l’ensemble des discours sur l’art et à l’ensemble des disciplines les étudiant. Cette ouverture sera marquée en juin 2011 par l’organisation du colloque « Écrire la sculpture (xixe-xxe siècles) » et par le lancement à la rentrée 2010 d’un programme de recherche portant sur l’édition d’art. En tâchant de varier les échelles d’analyse, nous nous efforcerons de déterminer les spécificités de l’édition l’art, en interrogeant les frontières des catégories éditoriales existantes (livre d’art ou sur l’art, beau livre d’art…), les fonctions du livre d’art, en prêtant attention aux discours qui s’y élaborent, mais aussi à la réalité matérielle du livre (techniques d’impression, de production…) et aux contraintes socio-économiques qui pèsent sur sa production.Ce programme de recherche est une ligne directrice qui n’est pas exclusive : il s’agit toujours de nous interroger sur la variété des discours produits sur l’art, en espérant, par la comparaison, interroger leur spécificité, selon leur auteur (écrivain, journaliste, historien, artiste, galeriste), leur époque, leur support. Par la formulation adoptée, « Écrire l’art », nous souhaitons également mettre en avant la dimension constitutive du discours sur l’art, en explorant la façon dont celui-ci crée les valeurs artistiques, les impose, les répand, définissant l’art autant qu’il tâche de l’exprimer. Ces grands axes de recherche impliquent à la fois le recours à l’analyse des textes, qu’elle soit stylistique, rhétorique, voire narratologique, à la réflexion esthétique, aux outils sociologiques, à l’histoire culturelle et à l’histoire de l’art.

Les jeunes chercheurs, doctorants et post-doctorants, sont particulièrement les bienvenus dans ce groupe, qui se veut un lieu d’accueil et d’échange favorisant la discussion et l’élaboration commune d’hypothèses de travail.

Ivanne Rialland (« Littératures françaises du xxe siècle », Université Paris IV-Sorbonne)

Julie Verlaine (« Centre d’histoire sociale du vingtième siècle », Université Paris

Les séances auront lieu de 18 à 20h, salle S001, à la Maison de la recherche (28 rue Serpente – 75006 Paris):

vendredi 22 octobre : Aude Jeannerod, « Les écrits sur l’art de Huysmans »

vendredi 26 novembre : Daphné Pulliat, « Publier un livre d’art aujourd’hui, l’exemple de Pascal Quignard »

vendredi 17 décembre : Sophie Lemaître, « Le “livre sur les peintres” de 1918 : pratiques surréalistes du livre sur l’art »

vendredi 28 janvier : Benoît Tane, « L’illustration romanesque au xviiie siècle »

vendredi 25 février : Camile Pageard, « Les livres d’André Malraux et d’Albert Skira : la reproduction photographique d’art entre réification, valeur fétiche et communion médiatisée »

vendredi 25 mars : Sophie Bobet, « La lithographie au XIXe siècle » (sous réserve)

vendredi 29 avril : Ivanne Rialland et Julie Verlaine, « La collection “Le musée de poche” »

vendredi 27 mai : Ingrid Streble, « La BD collectionne le Louvre »

Contacts

Ivanne Rialland : ivanne.rialland*free.fr

Julie Verlaine : julieverlaine*yahoo.fr

Url de référence :

http://litterature20.paris-sorbonne.fr/ext-1-la-critique-d-art-des-ecrivains.html

Publication: Intellectuels, écrivains et journalistes aux côtes de la République espagnole (1936-1939) [2e vol.] et Paul Nizan et les années trente, revue Aden

Intellectuels, écrivains et journalistes aux côtes de la République espagnole (1936-1939) [2e vol.]

N°9 de la revue Aden

Paul Nizan et les années trente

(octobre 2010)

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Articles sur…

Max Aub

Langston Hughes

Ruth Rewald

Simone Weil

Jean Guéhenno

W.H. Auden

María Teresa León

Giustizia e Libertà

Jef Last

Jean Alloucherie

Ludwig Renn, Tristan Tzara, Rafael Alberti etc. dans les revues Commune et El Mono Azul

La guerre d’Espagne dans la littérature belge francophone contemporaine

par Gérard Malgat, Amzat Boukari Yabara, Mathilde Lévêque, Alexandre Massipe, Guy Sat, Anthony Shuttleworth (trad. Jean Guiloineau), Pere Solà, Sara Miglietti, Marleen Rensen, Michel Lefebvre, Anne Mathieu, André Benit

dans la rubrique

« Textes et Témoignages retrouvés »

Jean Zyromski, Jean-Maurice Herrmann, Pierre Brossolette, Jacques Audiberti, « Les franquistes à Puigcerda », Commune, Renaud de Jouvenel, Comité d’Accueil aux Intellectuels Espagnols, L’Humanité, Stéphane Manier,Yves Moreau, Samuel Ornitz, La Révolution prolétarienne

Rubrique réalisée  par
Anne Mathieu & Anne Renoult

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Exposition « Miró: the Dutch interiors » du 5 octobre 2010 au 7 janvier 2011 au Metropolitan Museum of Art à New-York

Présentation de l’exposition par le musée:

« During a two-week trip to the Netherlands in spring 1928, the Barcelona-born modern painter Joan Miró (1893–1983) purchased picture postcard souvenirs from the museums he visited. The color reproductions of two 17th-century Dutch genre paintings particularly caught his attention and served as the inspiration for a series of original paintings he created that summer. The traveling exhibition Miró: the Dutch interiors, which opens at the Rijksmuseum Amsterdam and will be on view at The Metropolitan Museum of Art beginning October 5, features Miró’s three « Dutch Interiors » and the two old master paintings on which they are based. The New York venue will also show an additional painting by Miró in the Metropolitan’s collection — The Potato — that resulted from the same trip. This juxtaposition of early 20th-century avant-garde art with paintings from the Dutch golden age marks the first time that these canvases by Miró are displayed alongside the Dutch scenes that inspired them.

The exhibition brings together three paintings by Miró: Dutch interior I (The Museum of Modern Art, New York), Dutch interior II (Peggy Guggenheim Collection, Venice) and Dutch interior III (The Metropolitan Museum of Art, New York), that were directly influenced by two 17th-century works in Amsterdam’s Rijksmuseum. The Dutch paintings, The lute player (1661) and Children teaching a cat to dance (1660-79) by Hendrick Sorgh and Jan Steen respectively, both feature a musician, an audience of one or more people, and a cat and a dog. When reinterpreted by Miró, the scenes undergo a complete metamorphosis.

When Steen’s humorous genre scene was transformed into the eccentric and imaginative Dutch interior II, Miró enlarged and focused on the animate figures—both human and animal—while de-emphasizing the inanimate objects. The cat is at the swirling center of Miró’s composition, and the noise and chaos of the dancing lesson are communicated through motion and rhythm.

Although there is a long history of artists who sought inspiration in the work of other artists, this encounter between the Dutch golden age and the avant-garde movement of the early 20th century is both unexpected and rare. Through a selection of preparatory drawings that will also be displayed, viewers will see how Miró moved from representational sources to his own language of nearly pure abstraction. »

Plus d’infos: www.metmuseum.org