Constitution d’un groupe de travail « Pour une histoire culturelle du marché et des collections d’art en Occident, XIXe-XXIe siècles » ce samedi 29 janvier 2011 à l’Université Paris I-Panthéon-Sorbonne

Présentation

Ce groupe de travail souhaite offrir un lieu de discussion et d’échange à tous les chercheurs intéressés par l’histoire culturelle du marché de l’art et des collections. Il est résolument international, et souhaite contribuer à l’écriture d’une histoire comparée et transnationale des mondes de l’art occidentaux à l’époque contemporaine.

Il s’agit avant tout d’agréger entre elles, et de fédérer en un réseau d’échange d’information, les multiples initiatives qui sont aujourd’hui isolées, et à moyen terme d’élaborer des projets collectifs de recherche et de rencontres sur cette thématique.

L’accent sera porté sur les acteurs artistiques privés, à commencer par les marchands d’art et les collectionneurs (leur rôle économique, social et culturel, les représentations qui leur sont attachées, leurs interactions locales, nationales et internationales).

La réflexion se veut interdisciplinaire, même si la diachronie est privilégiée pour déterminer au sein des évolutions repérables, des moments de transition et de rupture, et comparer ainsi les chronologies nationales.

Organisation

Un premier atelier de travail aura lieu le samedi 29 janvier 2011 à l’Université de Paris 1 Panthéon Sorbonne.

Prélude à des rencontres internationales de plus grande envergure en 2012 et 2013, il aura pour but de dresser un état des lieux et un bilan des recherches en cours et de préciser les problématiques transnationales du groupe.

Nous nous retrouverons à partir de 10 heures, dans l’Amphithéâtre Dupuis du Centre Malher (Centre d’histoire sociale du vingtième siècle, 9, rue Malher – 75004 Paris, métro : Saint-Paul). Pour les étrangers, la visio-conférence sera possible.

Contacts

Cette rencontre est ouverte à tous.

Nous vous invitons à prendre contact avec les organisateurs, afin notamment de transmettre préalablement vos propositions d’intervention, vos annonces de projets et autres informations sur des recherche en cours. Nous vous prions également de faire circuler cette annonce à toute personne susceptible d’être intéressée.

– Julie Verlaine, Université Paris I : julie.verlaine@univ-paris1.fr

– Michel Rapoport, Université Paris-Est Créteil : michel.rapoport@orange.fr

AC/CFP: « The History and Future of Art and Design Museums », International conference, Bonn, Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, 19 – 21 January 2012

Deadline: Feb 28, 2011

Organisers :
The Victoria and Albert Museum, London
Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn
Abteilung Kunstgeschichte | Department of History of Art, Rheinische
Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn

Presentation:
‘Collections and public monuments are the true teachers of a free society. Not only do they teach by practical studies, but more  importantly they inform public taste.’ (Gottfried Semper, 1852)

From 18 November 2011 – 15 April 2012 the Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn, will host the exhibition ART AND DESIGN FOR ALL: THE VICTORIA AND ALBERT MUSEUM. On this occasion the Kunst- und Ausstellungshalle, together with the Victoria and Albert Museum, London, and the Department of Art History, University of Bonn, is organising an international, interdisciplinary conference on the significance, the role, the history and the future of art and design museums.

The Victoria & Albert Museum was from its beginnings in the nineteenth century confronted with the challenges of industrialisation and mechanisation. Using its innovative concept as a starting point, the conference will focus on the question of changing profiles and new concepts for museums of art and design. The collections of the South Kensington Museum, founded in 1857 and rebranded as the Victoria & Albert Museum in 1899, encouraged aesthetic improvement of British manufactured and industrial products. At the same time it provided the museum’s visitors with uplifting and enlightening views and models for imitation. When the new building opened in 1909, the Victoria & Albert was described as a ‘public educational institution’ for the advancement and the support of excellent achievements in the visual and the industrial arts.

But how do we define a museum of art and design today? Do these museums have an identity of their own, and what makes them unique? Or do they merge with art collections? Which innovative concepts can guarantee success today? What are the tasks of museums of art and design, and how can they be best performed?

Based on the foundation of the Victoria and Albert Museum which emerged from London’s Great Exhibition, the conference also aims at examining today’s relationships of art and design museums. What were and are their connections with the market? What is the relationship between art and design museums and schools of design today? In what kind of social, economical and cultural framework do art and design museums operate, and how far-reaching is their impact? How is design perceived in the context of the dissolving/expanding forms of art practice? How do new technologies change design? And finally: How important is product branding today?

We are aiming at a wide range of contributions for this conference and invite you to submit proposals for papers of no more than 20 minutes from the areas of art history, design history, history of museums (including both historic approaches and recent developments in e.g. Eastern Europe), marketing history etc. to one of the following addresses by 28 February 2011:

Dr Katharina Chrubasik

Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland
Friedrich-Ebert-Allee 4
531213 Bonn
chrubasik@bundeskunsthalle.de
or
Dr Grischka Petri
Universität Bonn
Abteilung Kunstgeschichte
Regina-Pacis-Weg 1
53113 Bonn
grischka.petri@uni-bonn.de

AC/CFP: « Visions of Apocalypse », Cambridge French Graduate Conference 2011, King’s College, Cambridge, 7th-8th May 2011

Visions of the apocalypse necessarily reveal both the horizons and limitations of the thinkable within a given philosophical system, representing the end of humanity’s existence within the religious or scientific paradigms which a community chooses to impose upon itself. These visions are typically anthropocentric, insofar as the end of the world tends to be pictured as the result of human actions (sin, carbon emissions, the proliferation of nuclear weapons). Yet such visions also belittle the human by highlighting the existence of forces – natural or supernatural – which lie beyond humanity’s control, and which cannot be brought into submission. From the fire of the inferno to the chill of cold war, from the four horsemen to the twin towers and beyond, the annual Cambridge Graduate French Conference 2011 – Visions of Apocalypse – aims to draw speakers from a broad range of disciplines (literature, art, film, music, history, politics, ecology, theology, philosophy…) into a discussion of the end of the world as we knew it and know it and the role of French and Francophone culture in the production, reception, and evolution of such visions.

Paper abstracts of up to 250 words should be submitted by Friday 11th February 2011 to camfrenchconf@gmail.com.

Possible topics for papers might include, but are by no means limited to:

– Representations of apocalypse in French and Francophone literature and thought from the Middle Ages to the present day

– Apocalyptic visions in the visual arts (painting, film, theatre, architecture)

– Warfare, destruction and the apocalypse (nuclear holocaust; modern and medieval crusading) Continuer la lecture de AC/CFP: « Visions of Apocalypse », Cambridge French Graduate Conference 2011, King’s College, Cambridge, 7th-8th May 2011

Un audioguide en libre accès pour découvrir le patrimoine Années 30 de la ville de Boulogne-Billancourt

A pied, à bicyclette ou en voiture… Vous voulez visiter Boulogne-Billancourt autrement ? Téléchargez l’audioguide du parcours des Années 30 sur votre lecteur MP3. Les commentaires vous guideront tout au long de votre promenade dans le quartier Château-Les-Princes-Marmottan. Dans ce quartier de la ville, les plus grands architectes du XXe siècle – Le Corbusier, Mallet-Stevens, Patout, Perret… – ont fait leurs premières armes. Maisons, villas et hôtels particuliers reflètent l’architecture audacieuse et novatrice des Années 30.

Téléchargement à effectuer sur le site : www.boulognebillancourt.com

Parution des actes du colloque « De la guerre dans l’art, de l’art dans la guerre: approches plastiques et musicales au XXe siècle » dans la revue Textuel (n° 63) de l’université Paris 7 Diderot

Sommaire:

CARINE TREVISAN

Avant-propos

MARINE BRANLAND ET DAVID MASTIN

Introduction

Mobilisations I – Grande Guerre

MARINE BRANLAND

La gravure en France et en Angleterre pendant la Grande Guerre : un art mineur ?

CLAIRE MAINGON

Le monde des arts et la charité durant la Grande Guerre : vertu, moralité et prosélytisme de la bienfaisance artistique

DAVID MASTIN

Le front domestique musicien : patriotisme et musique dans deux Conservatoires méridionaux, 1914-début des années vingt

Mobilisations II – Autres conflits

LAURA KARP LUGO

Gustave Cochet au combat. Idéologie et engagement d’un artiste pendant la guerre civile espagnole (1936-1939)

LUIS VELASCO PUFLEAU

Musique et antifascisme : Silvestre Revueltas dans le contexte de la guerre civile espagnole

FRÉDÉRIC GAUSSIN

Vies parallèles, destins mêlés : Alfred Cortot (1877-1962), Lazare-Lévy (1882-1964), deux virtuoses sous l’État Français

GERMAIN-ARSÈNE KADI

La littérature et la musique comme arme de propagande : l’exemple de la guerre civile ivoirienne

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Patrimoine: Eglise du Saint-Esprit, architecte Paul Tournon, 1931, 186 avenue Daumesnil, Paris (12e)

Notice rédigée par la Ville de Paris (source: www.paris.fr) :

« Un peu d’histoire…

Un phare chrétien dans un quartier dépourvu d’églises

La population du quartier situé entre le bois de Vincennes, les quais de Bercy et la place de la Nation, connaît un fort accroissement après la Première Guerre mondiale. N’ayant à sa disposition que deux petites églises éloignées l’une de l’autre -l’Immaculée Conception et Notre-Dame de Bercy-, la construction d’un nouveau lieu de culte devient vite une nécessité. Dès l’achat du terrain en 1926, le diocèse confie le projet à Paul Tournon (1881-1964), membre de plusieurs associations d’artistes catholiques. La première pierre est posée par Monseigneur Crépin le 2 juin 1928, mais le manque d’argent reporte l’achèvement du gros œuvre en 1933.

L’implantation de l’église dans le tissu urbain en détermine largement le plan : construite entre des immeubles mitoyens sur deux parcelles de terrain situées l’une, rue Cannebière, l’autre légèrement en contrebas avenue Daumesnil, elle amène l’architecte à composer son plan suivant deux axes différents réunis par un narthex en forme de rotonde. Du côté de l’avenue Daumesnil l’étroitesse du terrain et un manque de visibilité dans ce quartier faiblement pourvu en repères monumentaux, conduisent Paul Tournon à concevoir un haut clocher, phare destiné à «appeler les âmes à la source de la lumière, de la fécondité et de l’ordre ». Son caractère imposant est renforcé par la verticalité du faisceau de contreforts encadrant la loggia de bénédiction. La façade de la rue Cannebière offre quant à elle un exemple remarquable d’intégration urbaine par son alignement sur les immeubles mitoyens. Elle est ornée de sculptures réalisées entre 1941 et 1942 qui représentent les Saisons (bas-reliefs) et les Métiers, ces derniers étant taillés dans le béton frais par Sarrabezolles ou moulés dans le ciment.

Une vitrine des Chantiers du Cardinal

Le cardinal Verdier, conscient de l’importance des besoins du diocèse de Paris en matière d’équipement religieux, lance en 1932 un emprunt destiné à financer un vaste programme de construction d’églises. L’église du Saint-Esprit est la septième et la plus importante des réalisations de ces Chantiers du Cardinal. Les objectifs de l’archevêché -apostolat social, lutte contre le chômage dans un contexte de crise économique- se doublent dans le cas du Saint-Esprit d’un «apostolat artistique», les différents arts et tout particulièrement l’art mural y trouvant un champ d’expression privilégié.

L’architecture

Une Sainte-Sophie de béton et de ciment

L’importance des volumes de l’édifice conditionne le choix de la structure et des matériaux. L’ossature est en béton armé revêtu de briques appareillées à l’extérieur et d’un remplissage en meulière pour les parties cachées. Le béton est en revanche laissé brut de décoffrage à l’intérieur où la partie centrale est séparée des bas-côtés par des arcades supportant une galerie de passage aux allures d’aqueducs romains. L’église est coiffée d’une grande coupole centrale en ciment encadrée de quatre demi-coupoles, chacune d’elles étant contrebutée par trois petites coupoles. Ce dispositif s’inspire de la basilique Sainte-Sophie de Constantinople, modèle de l’architecte qui évoque en ces termes la conception de son ouvrage : «Lorsqu’on me fit savoir que l’église projetée serait sous le vocable du Saint-Esprit, j’eus l’impression immédiate de la vaste coupole, image humaine de l’univers, avec l’Esprit-Saint au zénith».

Décors intérieurs et œuvres

Un décor comme manifeste du renouveau de l’art sacré

L’efficacité du message architectural est renforcée par le décor à la fois sobre et somptueux : le vide sous les coupoles laisse se développer les peintures pour lesquelles Paul Tournon établit un programme iconographique rigoureux. Il fait appel à quelques personnalités fortes et à divers groupements d’artistes catholiques parmi lesquels les Ateliers d’Art sacré. Les artistes ont pour consigne de peindre à fresque en donnant la même hauteur aux figures et d’employer les mêmes colorations pour les fonds (le rouge devant être la tonalité dominante).

Depuis le porche, le visiteur découvre successivement l’histoire de la Création, les figures allégoriques des Forces matérielles et spirituelles (fresques en camaïeu d’Hélène et Nicolas Untersteller, dans la rotonde), le Péché originel et son rachat par l’avènement du Christ (décor à la caséine par Elisabeth Branly, baptistère). La Pentecôte, exécutée par Maurice Denis et ses élèves dans la chapelle de la Vierge, est au cœur d’un ensemble décoratif conçu comme une « Bible du peuple » : une  trentaine de compositions à fresque relatent l’histoire de l’évangélisation du monde, du IIe au XXe siècles. Ces fresques sont ponctuées par les stations du Chemin de croix peintes à l’huile sur toile marouflée par Georges Desvallières, créateur avec Maurice Denis des Ateliers d’Art Sacré en 1919. Sur la coupole et ses pendentifs, un décor en mosaïque représente la Trinité et les quatre évangélistes.

Un projet inachevé

Le programme iconographique initial s’articulait autour de trois thèmes centraux: l’Eglise souffrante, l’Eglise militante et l’Eglise triomphante mais le décor est resté inachevé faute d’argent. Tournon avait prévu la réalisation de vitraux dans le bas-côté droit, de chapiteaux en béton symbolisant les grands ordres religieux, ainsi que la gravure de gisants sur les dalles de l’allée centrale. Il envisageait en outre de couvrir les piliers d’un revêtement de pierre et non de laisser le béton brut de décoffrage.

Malgré ce décalage avec le projet initial, la grande visibilité de la structure constructive mise au service du message théologique, le caractère didactique et unitaire du décor, l’association du respect des traditions formelles et techniques à l’emploi de matériaux et de procédés de construction modernes, font de cet édifice l’un des plus importants ensembles de l’art chrétien de l’entre-deux-guerres. »

Église du Saint-Esprit Paris 12e arrondissement

Peintures murales par une quarantaine d’artistes dont Maurice Denis, Georges Desvallières, Henri Marret, Jean Dupas, Pauline Peugniez.

[Cliché Daniel Lebée, SDIG.]


COLL: « Art in French Fiction since 1900 », University of Notthingham, 11-12 avril 2011

In the wake of a number of recent critical studies of the nineteenth-century art novel (including a special issue of French Studies, published in 2007), the University of Nottingham will be organising a conference to examine the various forms and manifestations of visual art in French fiction since 1900. How do writers of fiction respond to the visual arts in their work? To what extent do twentieth-century novels about art borrow from nineteenth-century precedents (such as the ‘big three’ – Le Chef-d’œuvre inconnu, Manette Salomon, and L’Œuvre), and to what extent do they move beyond these narratives of artistic creation and failure, and beyond the central trope of artist and model, to investigate art in new ways?  Why are writers attracted to the visual, and to what extent are visual images and prose narratives natural bedfellows? Alongside these questions, the conference will also interrogate the boundaries between art fiction and art criticism, and consider the ways in which fictions of art might help us to understand the visual domain.

PROGRAMME

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AC/CFP: Art History Association 17th Annual Symposium (San Jose, 16 Apr 2011)

San Jose State University, April 16, 2011
Deadline: Jan 31, 2011

The Art History Association at San Jose State University encourages graduate students to submit papers for the 17th Annual Art History Symposium commencing on April 16, 2011. Submissions must be received by January 31, 2011. Please see the below description for prompt:

Social art historians analyze art works within the broad social and cultural context in which they were produced. This branch of art history is multifaceted and has contributed some of the freshest  approaches to the study of art over the past decades. For instance, T.J. Clark and Linda Nochlin have made groundbreaking contributions, thereby altering the way we understand art and reinvigorating the discipline. Where is the social art history heading? How ought art history to understand “context” today? How is the social aspect of art linked to recent formations in globalization, identity, subjectivity, space, mediatization and museography? The Art History Association at San José State University seeks papers that concern art in its historical context for this graduate student symposium.

For contact information, documents and submission information visit our website at:http://arth.sjsu.edu/aha/index/AHAHomepage.html

Source : H-ArtHist, Dec 9, 2010.

Deux nouvelles sections consacrées à l’orfèvrerie Christofle et au design industriel, depuis le 22 juin 2010, au Musée des Années 30 à Boulogne-Billancourt

La Ville de Boulogne-Billancourt engage le musée des Années Trente, en 2010, dans une démarche dynamique d’enrichissement de ses collections avec l’ouverture depuis le 22 juin de deux nouvelles sections au sein du musée :

Une section consacrée à l’art de l’orfèvrerie au 4e étage du musée, en collaboration avec la maison Christofle. Plus d’une centaine de pièces exceptionnelles permettent d’aborder des thématiques originales consacrées à l’orfèvrerie des années 1910 à 1950. Actuellement, le public peut découvrir les recherches de nouvelles formes réalisées dans les années 1920-1930 (Lignes et lumières), les pièces d’orfèvrerie commandées pour les plus grands Paquebots, une sélection de modèles de couverts créés entre 1914 et 1915, et enfin des conceptions originales Art déco conçu pour l’Exposition internationale des arts décoratifs de 1925.

Une section design industriel avec la présentation de la collection Olivier Frénoy. La généreuse mise en dépôt de ce collectionneur permet au M-A30 de proposer à ses visiteurs des oeuvres inédites, renouvelées chaque année, dans une scénographie ludique et didactique axée sur des critères chronologique, technologique et ergonomique. Avec la présentation d’une centaine d’oeuvres au 4e étage, le M-A30 devient l’un des rares musées en France, sinon le seul, à exposer le design industriel.

Plus d’infos: www.boulognebillancourt.com

Expo: « Kandinsky at the Bauhaus, 1922–1933 » de décembre 2010 à février 2011 au Guggenheim Museum à New York

Présentation de l’exposition par le musée:

« In 1922 Vasily Kandinsky (b. 1866, Moscow; d. 1944, Neuilly-sur-Seine, France) accepted a teaching position at the Bauhaus, the state-sponsored Weimar school of art and applied design founded in 1919 by architect Walter Gropius. The school’s curriculum was based on the principle that the crafts were equal to the traditional arts and was organized according to a medieval-style guild system of training under the tutelage of masters. Kandinsky conducted the Wall Painting Workshop and Preliminary Course and taught at all three of the school’s sequential locations in Weimar, Dessau, and Berlin until 1933, when the Bauhaus was closed due to pressure from the National Socialist (Nazi) government.

Geometric shapes came to play a dominant role in Kandinsky’s pictorial vocabulary at the Bauhaus; the artist, who was interested in uncovering a universal aesthetic language, increased his use of overlapping, flat planes and clearly delineated forms. This change was due, in part, to his familiarity with the Suprematist work of Kazimir Malevich and the art of the Constructivists. Kandinsky’s turn toward geometric forms was also likely a testament to the influence of industry and developments in technology.

Drawn from the museum’s permanent collection, this intimate presentation features paintings and works on paper from a prolific period of Kandinsky’s career. The exhibition is curated by Tracey Bashkoff, Curator of Collections and Exhibitions, and Megan Fontanella, Assistant Curator. »

Plus d’infos: www.guggenheim.org

AC/CFP: « Encuentros : Artistic Exchange between the U.S. and Latin America, XIXth-XXth century » (Washington DC, Oct 2011)

Washington, D.C, Smithsonian American Art Museum, October 6-07, 2011
Deadline: Jan 15, 2011

CALL FOR PAPERS

Encuentros : Artistic Exchange between the U.S. and Latin America

October 6–7, 2011

Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C.

Paper submissions from senior and emerging scholars are invited for this two-day symposium, which will examine artistic exchange between Latin America and the United States from the nineteenth century to the present. The symposium will consider how artists and artworks have crossed the border separating the United States and Latin America (defined as Mexico, Central and South America, and the Caribbean), creating new artistic dialogues and influencing each other’s work in meaningful ways.

The histories of U.S. and Latin American art have until recently been viewed as largely independent of each other. Transnational narratives have instead privileged exchange with Europe. But as recent exhibitions and scholarship indicate, today there is a growing desire to dissolve the rigid borders that separate the history of art of the United States from that of Latin America.

This symposium seeks to bring together original, innovative scholarship that crosses several time periods, geographies, and approaches. Papers are solicited that couch artistic interchange between north and south within its historical moment or political conditions, examining the role of individuals, institutions, publications, and exhibitions in the exchange and promotion of art and ideas. Proposals that consider the special relationship between Latino artists from the United States and their distant or recent Latin American cultures of origin (and vice
versa) are also welcome. We invite papers that engage with all media of visual art, including craft, architecture, and the moving image, and take into consideration issues of class, race, gender, patronage, art markets, and popular culture. Proposals may consider various modes of artistic engagement including the exchange of ideas and techniques, artistic collaboration, appropriation, and counteraction.

« Encuentros : Artistic Exchange between the U.S. and Latin America » is being organized by the Smithsonian American Art Museum as part of a five-part series on American art in a global context with funding from the Terra Foundation for American Art.

To submit a paper, please send a two-page, double-spaced abstract (300-500 words) and a short C.V. to Amelia Goerlitz, Research and Scholars Center, Smithsonian American Art Museum, P.O. Box 37012 MRC 970, Washington D.C. 20013-7012. Proposals may also be submitted via e-mail to AmericanArtSymposium@si.edu.

Proposals must be received by January 15, 2011. Confirmed speakers will be required to submit the text of their 20-minute symposium presentations by September 1, 2011. The symposium will be available for viewing in a simultaneous and, later, an archived webcast.

Source de l’information: H-ArtHist, Nov 30, 2010.
<http://www.arthist.net/archive/573>.