Programme du séminaire « Écrire l’art XIXe-XXe siècles » animé par Ivanne Rialland et Julie Verlaine à Paris-Sorbonne et Paris I, année 2011-2012

Écrire l’art XIXe-XXe siècles

Programme 2011-2012

L’année sera consacrée à la présentation de travaux en cours de jeunes chercheurs ou de chercheurs plus confirmés, l’accent étant chaque fois mis sur la dimension méthodologique du travail. Notre souhait est de favoriser par là le dialogue entre les diverses disciplines abordant le discours sur l’art — histoire de l’art, histoire, études littéraires, sociologie… — et d’inciter à une confrontation de leurs méthodes et de leurs outils.

Les jeunes chercheurs, doctorants et post-doctorants, sont particulièrement les bienvenus dans ce groupe, qui se veut un lieu d’accueil et d’échange favorisant la discussion et l’élaboration commune d’hypothèses de travail.

Ivanne Rialland (« Littérature française XIXe-XXIe siècles », Université Paris-Sorbonne)

Julie Verlaine (« Centre d’histoire sociale du XXe siècle », Université Paris I)

Les séances auront lieu à la Maison de la recherche (28 rue Serpente – 75006 Paris), de 17 à 19 heures, salle S001 ou S002 (salles mitoyennes – s’adresser à l’accueil).

Entrée libre dans la limite des places disponibles.

vendredi 14 octobre 2011 (salle S001)

Isabelle d’Orsetti, « L’ekphrasis dans Mémoires de Dirk Raspe de Drieu la Rochelle ».

vendredi 18 novembre 2011 (salle S002) 

Ingrid Streble, « La BD collectionne le Louvre »

vendredi 13 janvier 2012 (salle S002)

Fanny Bacot, « L’image de l’artiste Rose+Croix dans les écrits de Joséphin Péladan (1858-1918) : une construction littéraire et artistique »

vendredi 17 février 2012 (salle S001)

Pierre Pinchon, « La pratique de l’écriture artistique chez Dolent à travers ses deux plus importants ouvrages : Amoureux d’art (1888) et Monstres (1896) »

vendredi 16 mars 2012 (salle S001) 

Nathalie Froloff, « Comment (d)écrire la photographie ? »

vendredi 13 avril 2012 (salle S001)

Élisa Sclaunick, « Étudier l’écriture de Joan Miro dans l’oeuvre de Jacques Dupin »

vendredi 18 mai 2012 (salle S002) 

Céline de Potter, « Paul Fierens, itinéraire d’un critique d’art belge à Paris durant l’entre-deux-guerres »

vendredi 15 juin 2012 (salle à déterminer)

Ivanne Rialland et Julie Verlaine, « Hubert Juin, auteur dans la collection “Le musée de poche”. Engagement politique et écrit sur l’art »

Plus d’infos ou contact: Ivanne Rialland: ivanne.rialland@free.fr et Julie Verlaine: julieverlaine@yahoo.fr

AC/CFP: « Regards catholiques sur les capitales, XIXe et XXe siècles : Bruxelles, Paris, Québec, Rome/Catholic perspectives of capitals, 19th and 20th century: Brussels, Paris, Quebec and Rome », Université Libre de Bruxelles, 23 mars 2012. Deadline: 15 novembre 2011.

Le colloque international « regards catholiques sur les capitales, XIXe et XXe siècles : Bruxelles, Paris, Québec, Rome » entend reprendre la question complexe du rapport des catholiques à la ville par le bout des capitales nationales. Comment se fait-il que, même dans des pays profondément catholiques et influencés par un clergé puissant, les capitales nationales aient été perçues par certaines élites comme des havres du libéralisme et des lieux privilégiés de tolérance religieuse tandis que pour d’autres elles symbolisaient toutes les subversions ? Il s’agit d’objectiver cette tension à partir de l’étude de différents contextes historiques régionaux en Belgique, en France, au Québec et en Italie. Le colloque se tiendra à l’Université Libre de Bruxelles (ULB), le 23 mars 2012. Les propositions de communication devront être envoyées avant le 15 novembre 2011 à : cecile.vanderpelen@ulb.ac.be.

Présentation détaillée:

Jugées irrémédiablement corrompues et décadentes, les villes ont été la cible précoce des catholiques conservateurs. Aux XIXe et XXe siècles, des métropoles comme Montréal, Paris, Bruxelles, Londres, New York et Milan ont été accusées de servir de refuges à des individus louches et impies, ou encore d’asiles à des révolutionnaires en exil, en contraste avec les villages des campagnes où auraient été jalousement préservées les traditions anciennes. Plusieurs historiens ont su dégager les formes et arguments de ce courant ruraliste et réactionnaire, tout en reconnaissant, à côté, un courant urbain et progressiste toujours vivace au sein même de la pensée catholique

Le colloque Regards catholiques sur les capitales entend reprendre la question complexe du rapport des catholiques à la ville par le bout des capitales nationales. Comment se fait-il que, même dans des pays profondément catholiques et influencés par un clergé puissant, les capitales nationales aient été perçues par certaines élites comme des havres du libéralisme et des lieux privilégiés de tolérance religieuse tandis que, pour d’autres, elles symbolisaient toutes les subversions ? Il s’agit d’objectiver cette tension.

Pourquoi, par exemple, Montréal – avec son cosmopolitisme et son dynamisme économique – a-t-elle été dominée par une pensée ultramontaine, puis pétainiste, alors que Québec – ville isolée et austère – fut un centre provincial de la pensée libérale? Ce qui est vrai du Canada français l’est également d’autres pays et nations. Cependant ce clivage général ne trace pas des frontières géographiques, idéologiques et politiques identiques selon que l’on se situe au Canada, en Belgique, en France ou en Italie. En Belgique, Bruxelles a longtemps constitué un bastion libéral fortement municipaliste. La ville a dès lors été une véritable « terre de mission » pour les catholiques. En France, les chefs-lieux situés en province sont l’objet de luttes plus vives qu’à Paris, laquelle n’est pas forcément perçue comme le centre rayonnant d’un pays catholique mais peut inspirer de vrais « croisades » pastorales et urbanistique. Dans le même temps, la capitale et surtout sa banlieue peuvent apparaître comme le lieu de toutes les audaces apostoliques, de toutes les expérimentations. En Italie, Rome se dresse devant le Vatican dans un face-à-face original. Zola tenta ainsi d’opposer trois villes, Lourdes, Rome et Paris, dans un roman où le héros, Pierre Froment, passe de la foi à la science, de la charité à la justice, de la mystique et de l’amour divin stérile au travail et à l’amour humain fécond.

Quelles sont les dynamiques qui ont historiquement déterminé le rapport particulier des catholiques aux capitales nationales? Quelles tensions ont innervé les rapports entre le bas clergé et le haut clergé? Quelles alliances et quels conflits ont existé entre les gouvernements, les municipalités et l’Église ? Quelle évolution observe-t-on du XIXe au XXe siècle? Quelles lectures du monde urbain et quels imaginaires des villes les catholiques ont-ils proposés? Quelles stratégies de conquêtes ont-ils formulées, conscients que l’avenir du catholicisme se jouait aussi ici au centre? Voilà quelques-unes des questions auxquelles le colloque Regards catholiques sur les capitales voudrait répondre en invitant des spécialistes provenant de diverses disciplines (science politique, littérature, sociologie, histoire).

Le colloque se tiendra à l’Université Libre de Bruxelles (ULB), le 23 mars 2012.

Modalités de soumission:

Les propositions de communication (250 mots), accompagnées d’une notice biographique, devront être envoyées à l’adresse électronique suivante : cecile.vanderpelen@ulb.ac.be avant le 15 novembre 2011

Comité scientifique :

Serge Jaumain (Université libre de Bruxelles)

Jean-Philippe Warren (Concordia University)

Frédéric Gugelot (Université de Reims)

Gilles Pécout (ENS)

Matteo Sanfilippo (Università della Tuscia)

Cécile Vanderpelen-Diagre (Université libre de Bruxelles).

AC/CFP: “ ‘Wonderful Things’ – Surrealism and Egypt », Dada/Surrealism journal’s special issue, University of Iowa. Deadline: October 16th, 2011

“ ‘Wonderful Things’ – Surrealism and Egypt » Dada/Surrealism special journal issue

In November 1922 Howard Carter opened the tomb of Tutankhamun in Egypt’s Valley of the Kings, the greatest archaeological discovery of the 20th century. This discovery triggered an enormous Egyptomanic craze in Europe and America, evident across architecture, the arts and popular culture.

This special issue of Dada/Surrealism (http://ir.uiowa.edu/dadasur/) will mark the 90th anniversary of the discovery of Tutankhamun’s tomb by evaluating Egypt’s significant and diverse impact on surrealism.

 This influence can be traced throughout surrealism’s diverse artistic productions and manifestations, as Martine Antle notes: “among all the countries of the Middle East, Egypt remained the country of predilection for surrealism throughout the vanguard period” (2006). Sphinxes, pyramids, eyes of Horus and other Egyptian figures and symbols play significant roles in the artworks and writings of Lee Miller, Man Ray, Georges Bataille, Robert Desnos, Leonora Carrington, Roland Penrose, Jane Graverol, Joyce Mansour, Marcel Duchamp, Alberto Giacometti and Gordon Onslow Ford. Desert landscapes and hieroglyphic inscriptions are a recurrent theme in works by Leonor Fini, Kay Sage, Max Ernst, Joseph Cornell, Salvador Dalí, René Magritte, André Breton, Victor Brauner and many other surrealists’ works.

Egypt’s significance for surrealism is also evident in Breton’s display of Egyptian ornaments on the famous mur of his studio. Surrealist reading included books such as Antoine-Joseph Pernety’s Les fables égyptiennes et grecques (1758), Ludwig Achim von Arnim’s Isabelle d’Égypte (1812), Émile Soldi-Colbert de Beaulieu’s La langue sacrée – La cosmoglypie (1902), and Arthur Rimbaud’s Lettres de Jean-Arthur Rimbaud: Égypte, Arabie, Éthiopie (1899). Surrealists were highly interested in R. Falconnier’s Egyptian tarot and his writings on it. A recurring focus for surrealists and their associates was the obelisk at the Place de la Concord. Described by Bataille as “without a doubt the purest image of the head and the heavens”, it was a significant meeting place for Acéphale, and a repeated focus in Brassaï’s photographs and Benjamin Péret’s writings. In turn, surrealism developed in Egypt through the Egyptian Georges Henein, who joined the movement in 1936 and whose establishment of the movement Art et liberté in 1937, together with Ramsès Younane, Fouad Kamel and Kamel el-Telmessany, marks the first beginning of surrealism in Egypt. Art et liberté regarded surrealism as the “means to create a new mythology reconciling reality and legend.”

Egypt marks a nodal point for a range of surrealist investigations into myth, colonial identity, cultural hybridity, and for the movement’s dialogues with science and pseudo-science including ethnography, psychoanalysis, physics, cosmology, and natural history. Surrealist adaptations, appropriations of and exchanges with Egypt and its signs, symbols and philosophies open significant questions about surrealist aesthetic representations and political critiques of the ‘orient’, the ‘exotic’, colonialism and ancient civilizations.

This special issue invites essays that explore the significance of the multiple relations, points of contact, dialogues, engagements and exchanges between surrealism and Egypt.

Please send a 250-word abstract, tentative title and brief CV to the guest editors Patricia Allmer at p.allmer@mmu.ac.uk and Donna Roberts at dmrobe@googlemail.com by October 16th, 2011. Completed essays will be due February 13th 2011, and should be between 6000-8000 words. For queries please contact Patricia Allmer and Donna Roberts at the email addresses above. For further information on Dada/Surrealism please visit http://ir.uiowa.edu/dadasur/.

Source: http://arthist.net/archive/1704

AC/CFP: « Un air de prolétaire… », revue Aden, n° 11. Deadline: 31 mars 2012

La revue Aden. Paul Nizan et les années trente continue son exploration des années 1930 et particulièrement des voix méconnues ou inconnues de la période, et ce, dans une perspective internationale.

Elle consacrera la majeure partie de son n° 11 (sortie en octobre 2012) à la figure du prolétaire.

Depuis la réactivation du terme, par Marx notamment, à la fin du XIXème siècle, le prolétariat est devenu un thème central du discours de toute la pensée socialiste et révolutionnaire. Mais que recouvre-t-il à ce moment de l’histoire ?

 » Un air de prolétaire…  » : l’’intitulé, volontairement polyphonique et un brin humoristique indique dans quel esprit est envisagée cette thématique.

De l’air que l’on fredonne à l’air du temps, en passant par l’allure réelle ou fictive d’un personnage, comment est représentée cette figure du prolétaire ? Comment est-elle investie par l’imaginaire collectif ou individuel ? De quelles autres images est-elle proche ou distincte ? Plus conceptuellement, que désigne la notion de prolétaire dans le champ idéologique et politique des années 30 ?

Ces questions, non exhaustives, engagent toute une réflexion visant à mieux cerner les enjeux d’un terme et d’une représentation, déjà largement connotés, à ce moment historique des années 30. Elles chercheront des réponses au travers d’articles s’appuyant sur les champs aussi bien littéraires qu’historiques, philosophiques que sociologiques.

Suivant le principe qui nous anime et dont nos cinq derniers numéros peuvent témoigner, nous souhaitons traiter de toutes les sensibilités de la gauche.

Enfin, nous aimerions qu’une partie de ce dossier soit consacrée aux héritages des différentes représentations et notions  » années 30  » du prolétaire dans les époques postérieures.

***

Chaque article doit comporter 20.000 signes minimum et 35.000 signes maximum.

Il doit être rendu sans aucune marge et mise en page, en format Word ou RTF exclusivement, en police Times New Roman impérativement et en caractère 12, les notes devant être en bas de page et dans la même police.

Il doit, enfin, être d’une tenue irréprochable tant dans le style que dans la problématique mise en place.

Tout article ne respectant pas ces conditions ne sera pas considéré.

L’article doit parvenir en fichier-joint à Anne Mathieu (matan@infonie.fr), Directrice de la publication, pour la fin mars 2011, délai à respecter scrupuleusement.

Il est conseillé de faire préalablement une proposition de sujet, auprès de cette même personne (matan@infonie.fr) et de Guy Palayret (guy.palayret@wanadoo.fr), Rédacteur en chef.

Télécharger l’appel à contribution au format pdf: Appel – contribution Aden 11

AC/CFP: Colloque « Pouvoirs du titre. Genèse et enjeux de l’intitulation artistique à l’époque contemporaine (XIXe-XXIe siècles) », 11-12 mai 2012 à Bruxelles et 11-12 mars 2013 à Clermont-Ferrand. Deadline: 24 octobre 2011.

Pour consulter l’appel à communication au format pdf, cliquez ici.

L’œuvre  n’acquiert sa pleine identité que par la magie du nom qui lui est donné. De quel ascendant le titre est-il détenteur dans la création artistique ? On cherchera à répondre à cette question à travers, d’une part, une réflexion menée à partir de René Magritte et du Surréalisme et, d’autre part, une exploration plus transversale qui privilégie le croisement entre les corpus, les méthodes et les interprétations en interrogeant des historiens de l’art, des artistes, des historiens de la littérature, et des musicologues.
Qu’est-ce que nommer une œuvre ? Comment définir un titre surréaliste ? En quoi les titres de Magritte inaugurent-ils un nouveau processus d’intitulation ? En quoi le fait de donner un titre modifie le geste créateur, selon quel processus ? Jusqu’à quel point les mots conduisent-ils à transformer les formes ? Comment Magritte joue-t-il de la tension entre similitude, ressemblance ou dissociation entre les mots et les images ?
Le cas de René Magritte est emblématique de la présence insistante de l’univers textuel à l’intérieur même de l’univers visuel qui permet d’interroger avec un regard nouveau la relation du titre à l’écriture. Une telle perspective trouve naturellement sa place dans une approche qui renouvelle la connaissance des œuvres artistiques à la lumière des notes autographes d’artistes, d’écrivains et de musiciens en déplaçant l’analyse de l’œuvre vers sa genèse, de la forme définitive vers le processus. L’intitulation embrasse l’ensemble du parcours créatif, depuis les premiers moments de la genèse jusqu’à la réception de l’œuvre.
L’ouverture récente du Musée Magritte permet de réévaluer l’importance des écrits de Magritte (lettre, tract, interview, aphorisme, scénario, écriture collective, etc.) et des documents de travail (agenda, carnets d’atelier, carnet de voyage, album de croquis, portfolio, liasse de brouillon, etc.) dans la genèse de ses œuvres et des titres qui leur sont associés. Magritte n’envisage-t-il pas le genre de la correspondance comme des archives de la création propice à l’élaboration des titres par un jeu d’échange de lettres avec des écrivains ? Aux missives accompagnées de croquis et d’esquisses de travaux en cours répondent des titres suggérés par ses correspondants. Mais Magritte s’empare aussi de l’écriture des intitulés qu’il modifie fréquemment. Quels sont les enjeux de métamorphoses telles que L’Expérience du Miracle en Découverte ou bien L’Esprit de la géométrie en Maternité ?
Il s’agit d’envisager une réévaluation des rapports de Magritte au Surréalisme (des comparaisons avec Max Ernst, Joan Miró, Roberto Matta seront bienvenues) par le biais du phénomène d’intitulation dans une perspective diachronique du mouvement qui s’étend des peintres symbolistes aux pratiques les plus contemporaines de la production artistique. Penser le lien de Magritte au processus d’écriture implique une enquête des pratiques collectives du titrage notamment avec ses amis écrivains et poètes (Louis Scutenaire, Marcel Lecomte, Paul Nougé, Paul Colinet, E.L.T. Mesens). Mais l’univers livresque est aussi pour l’artiste une bibliothèque d’images mentales où se croisent Stevenson, Conrad, Jules Verne, Verhaeren, Maeterlinck, Lautréamont, Mallarmé.
Le fonds du musée devrait aussi être l’occasion de repenser la relation que Magritte entretient à une véritable réflexion sur l’intitulation. Avec dérision, Marcel Duchamp considère que le titre est « une couleur invisible », tandis que Jean Dubuffet en fait un acte central de la création : « la fonction de l’artiste consiste, autant qu’à créer des images, à les nommer ». Magritte, lui, pointe les enjeux théoriques de la nomination : « Le titre entretient avec les figures peintes le même rapport que ces figures entre elles. Les figures sont réunies dans un ordre qui évoque le mystère. Le titre est réuni à l’image peinte selon le même ordre ». Mais il nous met en garde : « Les titres de tableaux ne correspondent pas aux noms des objets dont il est question dans l’image peinte ou le poème. Appeler Arbre l’image d’un arbre est une erreur, une « confusion sur la personne », puisque l’image d’un arbre n’est pas assurément un arbre. L’image est séparée de ce qu’elle montre ».
Cette approche sera prolongée par une mise en perspective comparatiste entre les arts. Il s’agira de donner une profondeur de champ à la question des relations entre écriture, peinture et musique par les « traces » de la création des titres.  Cette dimension interdisciplinaire, qui sera développée lors de la deuxième phase du colloque à Clermont-Ferrand, a pour projet d’établir une cartographie du phénomène de l’intitulation.
Les artistes, les écrivains et les musiciens s’emparent des mots et du langage pour donner un nom à leur travail c’est-à-dire pour l’expliciter ou, au contraire, pour souligner sa valeur énigmatique et parfois pour en faire la substance même de l’œuvre. Ce phénomène touche pratiquement tous les domaines de la création plastique de notre temps mais s’avère particulièrement lisible dans certains mouvements de création avec des singularités et des conséquences parfois très contrastées, comme dans l’Art brut, dans l’Art conceptuel ou dans la musique (Erik Satie par exemple) ou encore dans une tendance assez large des arts plastiques qui font de l’écriture et du signe l’enjeu d’un questionnement strictement plastique. Cette présence insistante de l’univers textuel à l’intérieur même de l’univers plastique et musical permet d’interroger avec un regard nouveau la relation du titre à l’écrit.
Cette présence du texte à travers le titre se joue aussi dans ce qui pourrait apparaître comme une absence au XXe siècle qui voit apparaître la forme singulière du « sans titre ». On peut tenter de comprendre comment cette forme accompagne le processus d’abstraction, comme une manière de se débarrasser de la figure ou d’un possible de l’interprétation mais aussi comment, dans l’art d’aujourd’hui, elle perdure. La présence de titre ou son absence peuvent constituer la marque à des champs d’appartenance, une manière de se situer dans le champ historique notamment dans le cadre de la post-modernité.
A cette forme d’absence de titre est venue s’ajouter, celle des titres sériels, de numérotations, d’inventaire ou encore d’archivage qui ne font pas texte au sens premier mais qui font sens. Le titre comme temps comptable inscrit l’œuvre dans une durée, dans une temporalité.
Ces formes contemporaines du titre ne sont pas une absence de titre mais ses nouvelles formes qui vont changer les points de vue sur l’œuvre et sur ce texte singulier.
Dans la continuité d’autres journées d’études et colloques, récents ou à venir, comme La fabrique du titre (2007-2008), Les lettres d’artistes ou l’art des correspondances (Namur, Musée Rops, 27-28 octobre 2011), le présent colloque se propose de poursuivre le questionnement en conviant des spécialistes issus de différentes disciplines et des acteurs institutionnels à confronter leurs points de vue et leurs approches sur cet objet problématique.
Chaque proposition de communication comprendra les éléments suivants :
• Nom et prénom
• Affiliation institutionnelle
• Bio-­‐bibliographie (au maximum 700 caractères, espaces compris)
• Adresse postale, téléphone et adresse électronique
• Titre proposé de la communication
• Résumé, de 500 à 800 mots maximum, qui précise le sujet, les objectifs de la communication et la méthodologie employée
• Bibliographie sélective et sources utilisées y compris les archives.
Les dossiers devront être envoyés pour le 24 octobre 2011 au plus tard en fichiers joints (format WORD) aux adresses suivantes :
• lbrognie@ulb.ac.be
• marianne.jakobi@free.fr
• mlepage@esacm.fr
Plus d’infos: www.pictoriana.be

AC/CFP: CFP: « Great historical narratives in Europe’s national museums », Paris, 25 – 26 novembre 2011. Deadline: 23 septembre 2011

Conference organised by Pr. Dominique Poulot, Université de Paris I Panthéon-Sorbonne in collaboration with Eunamus – European National Museums: Identity Politics, the Uses of the Past and the European Citizen.
http://www.eunamus.eu/

Proposals and papers may be given in English or French

25 to 26th of November 2011, Paris.

To what extent can national museums be considered as authors of great historical narratives ? National museums have since their inception been key to establishing narratives of the political, military, territorial, social and economic construction of the nation. In disciplinary terms, the archaeological museum is central to forging national origins in a more or less far off past. The nation’s genius, may be read in the different narratives that art history constructs, whilst folk and rural culture, as considered by ethnology construct notions of authenticity of the people.

This conference aims to consider the major ideological programmes implemented by museums and how these are visualized and translated into museographical terms – from explicative texts to the disposition of objects, scenographic installations, multimedia presentations etc. Can one identify a « national tale » (roman national), as the idea of a stereotypical version of the nation’s past, in the ambiguous relationship between narrative and the complex and not necessarily coherent range of objects that can make up a museum’s collections. Looking at traditional as well as revised versions of national narratives, particular attention will be given to the representation of conflict, to shared and opposing tales – but also to silences and absence. Issues of provenance related to repatriation claims may also be considered.

Why are certain themes and types of collections preponderant at different moments throughout the nation’s history? The interdependence of narratives, in relation to past versions or to those established by other nations should also be stressed. In order to address these questions, approaches that take into account the social, political, religious and cultural issues that subtend the elaboration of national scenarios will be privileged.

Please send proposals to eunamus3@gmail.com, or Felicity.Bodenstein@univ-paris1.fr by the 23rd of September.

Source: H-ArtHist, Sep 8, 2011. <. »>http://arthist.net/archive/1812>.

Réédition des ‘Fables de Jean de La Fontaine’ de Ladislas Starewitch par Acacias Films, Paris, 2011

Présentation par le producteur:

Les Fables de Jean de La Fontaine

Ladislas STAREWITCH

(Rééd. France, 2010) – Durée 1h10

Sortie le 9 février 2011

Film d’animation composé de six courts métrages dont le scénario est inspiré de cinq fables de Jean de La Fontaine réinterprétées par Ladislas Starewitch :

Le Lion et le moucheron (1932)

Le Rat de ville et le rat des champs (1926)

Les Grenouilles qui demandent un roi (1922)

La Cigale et la fourmi (1927)

Le Lion devenu vieux (1932)

En complément un documentaire, Comment naît et s’anime une ciné-marionnette (1932), de trois minutes, présente Starewitch et sa fille Irène expliquant leur travail.

Plus d’informations: www.acaciasfilms.com

AC/CFP: « Les Anti-modernes ? Courants conservateurs dans l’art français 1900-1925 » / « Anti-Modernists? Conservative Currents in French Art 1900-1925 », Paris, INHA, 27 mars 2012

Deadline: Nov 1, 2011

Organisateurs: Neil McWilliam, Duke University, & Laura Karp Lugo, INHA.

L’exposition « Émile Bernard : Au-delà de Pont-Aven », qui aura lieu à la galerie de l’INHA entre janvier et avril 2012, est l’occasion d’ouvrir un débat sur la place des courants conservateurs et « anti-modernes » dans le paysage artistique français des premières décennies du XXe siècle. Longtemps préoccupée par l’évolution de l’avant-garde dans les ateliers de Montmartre et les galeries commerciales de la rue Lafitte et de la rue Vignon, l’histoire de l’art français commence depuis quelques années à reconnaître la complexité du champ artistique de la période, qui déborde largement l’antithèse schématique opposant novateurs et « pompiers ». Émile Bernard lui-même illustre bien cette complexité. Après un début précoce et audacieux à Pont-Aven, il affiche des opinions artistiques de plus en plus hostiles à l’expérimentation picturale et après 1895 voue sa carrière à un art qui s’inspire de la grande tradition de l’art européen. Bernard est loin d’être unique, et rassemble un petit groupe d’artistes et de critiques sympathisants autour de sa revue La Rénovation esthétique, fer de lance des valeurs traditionnelles, qui fut publiée entre 1905 et 1910.

La journée d’études se propose de rassembler des historiens de l’art qui ont commencé à regarder au-delà de l’hégémonie moderniste et à réinterpréter le terrain artistique des années entourant la Première Guerre mondiale. Il s’agit d’ouvrir le champ pour préciser les enjeux plastiques, critiques et idéologiques qui ont marqué la résistance au modernisme dans de nombreux domaines de l’art – de la peinture aux arts décoratifs, de l’architecture à l’aménagement des jardins. Cette journée d’étude soulèvera des questions sur les rapports entre anti-modernisme et anti-modernité politique, entre tradition dans les arts et identité nationale, entre archaïsme artistique et renouveau catholique. Elle fournira une occasion de mieux connaître les conséquences de ce qu’en 1909 Louis Dimier proclama « le grand retour à l’ordre auquel nous assistons dans le domaine des arts et de l’imagination ». Les intervenants de la journée seront également invités à participer à un séminaire le 29 mars dans l’après-midi.

Nous invitons la soumission de propositions de communications, en français ou en anglais, de 30 minutes, qui soulèvent des questions susceptibles de faire avancer le débat sur les courants antimodernes au début du XXe siècle. Veuillez envoyer un résumé de 250 mots avec un CV de deux pages à laura.karp-lugo@inha.fr avant le 1er novembre 2011. Le programme définitif sera annoncé le 15 décembre 2011.

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The exhibition “Emile Bernard: Beyond Pont-Aven,” to be held in the INHA’s gallery between January and April 2012, offers the opportunity to initiate a debate on the place of conservative and “anti-modernist” currents in French art during the early decades of the twentieth century. Long dominated by a fixation with the avant-garde, French art history has begun in recent years to recognize the complexity of an artistic field whose elements defy reductive contrasts between progressives and “Pompiers” – a complexity graphically illustrated by the evolution of Emile Bernard himself. Repudiating his early experimentation at Pont-Aven, Bernard increasingly gravitated towards identifying himself with the European grand tradition and was harshly critical of innovative currents in contemporary art. His trajectory is far from unique, though – in common with similar figures at the turn of the century – it has generally been discounted in analyses of developments in early twentieth-century French art.

This study day sets out to bring together art historians who have begun to look beyond the modernist paradigm in order to reinterpret the cultural landscape around the First World War. The event is intended to open up the field and explore the formal, critical and ideological stakes that characterize the resistance to modernism in several fields – from painting to decorative art, from architecture to garden design.

The study day will focus on the relationships between aesthetic and political anti-modernism, between tradition in the arts and national identity, and between artistic archaism and Catholic renewal.

We invite the submission of proposals for contributions in English or French. Papers will be 30 minutes long. Participants will be invited to contribute to a follow-up seminar on the afternoon of March 29. Please send outline proposals of no more than 250 words to laura.karp-lugo@inha.fr before November 1, 2011. The final program will be announced on December 15, 2011.

Source: H-ArtHist, Sep 6, 2011. <http://arthist.net/archive/1797>.