Journée d’études « Art Prolétarien, Art Introuvable ? »


La journée d’études placée sous la direction d’Erika Dupont (IRHiS, UdL), François Robichon (IRHiS, UdL) et Paul Aron (Centre Philixte, UlB) se déroulera au laboratoire IRHiS de l’université de Lille (Site du Pont-de-Bois) le mercredi 20 juin 2018 à partir de 9h30.


Téléchargez l’affiche et le dépliant du programme (design de Samuel Dégardin, doctorant IRHiS, UdL) :




L’université de Lille (laboratoires CECILLE et IRHIS) et l’Université Libre de Bruxelles se proposent d’organiser une journée d’études consacrée à l’art prolétarien de la période 1919-1939.

A la suite du colloque sur l’Art social en France de la Révolution à la Grande Guerre, organisée en juin 2011 par l’INHA, une première rencontre consacrée à l’art prolétarien avait été organisée en 2012 par le Groupe de contact « Relire l’entre-deux-guerres » au Musée des Années 30 de Boulogne-Billancourt.

Alors que les travaux sur l’art de l’entre-deux-guerres se multiplient avec des approches originales sur l’art naïf (exposition Uhde au LAM en 2017), sur les arts coloniaux (colloque prévu en 2018 par l’INHA), l’art prolétarien reste absent tant dans la littérature artistique sur l’entre-deux-guerres que dans les expositions temporaires et collections permanentes.

Une soixantaine d’artistes français peuvent être catalogués comme prolétariens, exposant régulièrement dans des salons et galeries, mais aussi sur des lieux de travail, à l’image des réalisations ouvrières dans les usines pendant le Front populaire.

C’est au cours des années 1930 que se construit en France un « art prolétarien » qui fait suite au développement d’une littérature prolétarienne dont la définition reste indécise. Si les présupposés idéologiques de la notion de « prolétarien » vont être « soviétisés » à la suite de la conférence de Kharkov en 1930, le monde artistique français issu des milieux populaires va pourtant rester distant aussi bien du « réalisme socialiste » que du « populisme » et inventer de nouvelles pratiques artistiques sur le mode collectif.

En élargissant aux pays voisins de la France, comparables par leur situation politique (Angleterre, Belgique, Pays-Bas et Allemagne avant 1933), cette journée d’études confrontera l’avancée des recherches dans les différents pays représentés et l’état de conservation du patrimoine prolétarien (peinture, gravure, sculpture). Elle s’intéressera dans une approche transdisciplinaire aux questions théoriques et idéologiques constitutives d’un « art prolétarien », qu’il soit littéraire ou plastique.

Propositions de communication à transmettre à Erika Dupont à l’adresse avant le 16 février 2018.

La journée se déroulera au laboratoire IRHiS de l’université de Lille – SHS le 20 juin 2018.

Organisateurs de la journée :

Laboratoire IRHiS, Université de Lille – SHS : François Robichon et Erika Dupont

Centre Philixte, Faculté LTC de l’Université libre de Bruxelles : Paul Aron

Avec la contribution du laboratoire CECILLE, Université de Lille – SHS


CFP: European Museums in the Interwar Years (Torino, 7-10 Feb 18)

Museums in Europe in the Interwar Years. The Madrid Conference of 1934:
An International Debate

International Conference


The International Conference « Muséographie, architecture et aménagement de musées d’art, » organised in Madrid in October 1934, was a turning point in the reflection on museum arrangement and display practices in Europe and the United States, a debate that was already central to the work of the newly founded Office International des Musées which promoted it. As the pages of Mouseion journal, the institution bulletin whose publication had started in 1927, the conference proceedings constituted a repertoire of the topics under examination in the most recent museum studies and a handbook for state-of-the-art arrangements also overseas. For the first time, museums and displays pertaining to different fields of knowledge could be compared, from art history, to archaeology, to anthropology. The subjects systematically addressed ranged from artificial lighting, to the survey of the visitors’ reactions and duration of their visit. Moreover, the creation of scientific and restoration laboratories, along with libraries, within museum spaces was highly recommended. A few years after the first world conference of library science (Rome 1929), the close relations between libraries and museum institutions was indeed one of the themes the new museology was focusing on.

Although recently already considered in some international studies, the matters dealt with in the Conference, as well as their reception, can be further delved into with a premium on disciplinary circularity. The anastatic edition we are working on and which will be available by the date of the symposium, improved with annotated indices that help its consultation, is intended as a tool for documentation and study of the debate on museums.

At almost a century from the Conference, this symposium proposes a series of considerations on a broad spectrum that relate different disciplinary paths to the critical debate on the identity and purposes of museums, also offering new perspectives on the contemporary world.

The proposals, which could revolve around both single permanent and temporary exhibitions, and diachronic analyses, may concern the following areas:

– Time and museums: contextual museums and new museums between tradition and modern innovation.
– Museums and nations: policies, delegations and stakeholders. The critical debate.
– Museums and the disciplines of knowledge: new narratives, types and forms.
– Museums and spaces: display practices and museum technology.
– The Museum and its visitors: exhibitions, dissemination and reception.
– Behind the scenes: documentation and communication. Archives, libraries, photographic archives, restoration.

Interested applicants are kindly invited to submit an abstract of maximum 2000 characters including spaces, either in Italian or in English, by 20th October 2017 to the following address:

After the Scientific Committee’s selection, the accepted applicants will be notified via email by 30th November 2017.

Conference organised by:
Elena Dellapiana (Politecnico di Torino)
Maria Beatrice Failla (Università degli Studi di Torino)
Franca Varallo (Università degli Studi di Torino)

Scientific committee:
Giampiero Bosoni, Maria Ida Catalano, Silvia Cecchini, Paola D’Alconzo, Michela di Macco, Patrizia Dragoni, Anna Maria Ducci, Antonella Gioli, Valeria Meirano, Susanne Meyer, José Luis De la Nuez Santana, Almudena Perez de Tudela, Cecilia Pennacini, Chiara Piva, Dominique Poulot, Federica Rovati, Maurizio Vivarelli, Francesca Zanella, Stefania Zuliani.

Research group:
Silvia Cammarata, Jennifer Cooke, Costanza Giai, Alessandra Giovannini Luca, Beatrice Zanelli

Call for papers: Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism

Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism (Plymouth,
22-23 Mar 18)

Plymouth College of Art, March 22 – 23, 2018
Deadline: May 31, 2017

Seeking the Marvellous: Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism

22-23 March 2018, Plymouth

Call for papers – deadline 31 May, 2017

Seeking the Marvellous is a two-day interdisciplinary symposium that will examine the work of Ithell Colquhoun (1906 – 1988) and other women connected both with Surrealism and with Britain. It is organised by Plymouth College of Art in partnership with the Black Mirror research network and will be held in Plymouth on 22 and 23 March 2018.

During her lifetime, Colquhoun was widely respected, both as an artist and an occultist but since her death her oeuvre has been largely lost from public view. Her intellectual and artistic contributions to Surrealism and to British modernism and occultism have seen some scholarly attention, but hardly any extensive investigation.

This symposium seeks to re-examine Colquhoun and her place in art history and in the history of occultism from a variety of perspectives.
We are also interested in papers on other female artists connected with Surrealism in Britain; these might include Eileen Agar, Valentin
Penrose and Leonora Carrington to name but a few. ‘British’ might also include those who lived or worked in Britain as well as those with British nationality. In all cases, consideration should be paid to the polyvalent dialogues enacted between women artists and Surrealism in the British and/or other national contexts.

Our time frame is 1900 – 1980 and we welcome contributions on the visual and performative arts including painting, drawing, sculpture, photography, film, design, fashion, theatre, dance and music. We are especially interested in work which examines the connections between artists and the magical or the occult, and/or in women who were prominent figures during their lifetimes but whose work and reputations have become obscured or occulted since their deaths. We welcome papers from all disciplinary and theoretical backgrounds, including gender and queer theory and postcolonial approaches.

The symposium will be held in Plymouth, close to Cornwall where
Colquhoun lived and worked for much of her life. We hope to include new local documentary material about Colquhoun.

Keynote speakers will include renowned international experts Susan
Aberth and Victoria Ferentinou.

Please send abstracts of not more than 400 words by 31 May 2017 to Judith Noble at

Include the following details: name and surname, affiliation, contact
email address, and a short biography, including details of most recent publications.

Conference Organising Committee:
Associate Professor Judith Noble (Plymouth College of Art)
Dr. Tessel M. Bauduin (University of Amsterdam)
Assistant Professor Victoria Ferentinou (University of Ioannina)
Dr. Kristoffer Noheden (Stockholm University)
Associate Professor Dominic Shepherd (Arts University Bournemouth)
Professor Susan Aberth (Bard College)
Tilly Craig, Conference Assistant

CONFERENCE: Max Beckmann. Welttheater (Potsdam, 29 Mar 17)

 Max Beckmann. Welttheater (Potsdam, 29 Mar 17)

Museum Barberini, Potsdam, 29.03.2017
Registration deadline: Mar 29, 2017

Symposium zur Ausstellung

« Max Beckmann. Welttheater »

Max Beckmann, Apachentanz, 1938, Öl auf Leinwand, 171,50 x 151 cm, Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen / Foto: Lars Lohrisch, © VG Bild-Kunst, Bonn 2017

29. März 2017, 10–18 Uhr
Museum Barberini, Alter Markt, Humboldtstr. 5–6, 14467 Potsdam

Viele Gemälde Max Beckmanns (1884–1950) zeigen die Welt des Theaters,
Zirkus und Varietés. Im Rollenspiel sah er ein Modell menschlicher
Grunderfahrungen. Er nahm die Position des Zuschauers ein und
inszenierte das Bild als Bühne. Das Zurschaustellen trieb ihn an.

Das Symposium findet statt in Kooperation mit der Kunsthalle Bremen. Es
bereitet die Ausstellung vor, die vom 30. September 2017 bis zum 4.
Februar 2018 in der Kunsthalle Bremen und vom 24. Februar bis zum 10.
Juni 2018 im Museum Barberini in Potsdam zu sehen ist.


10.00 Uhr Begrüßung
Ortrud Westheider, Museum Barberini
Christoph Grunenberg, Kunsthalle Bremen

10.15 Uhr Vom Theatrum mundi zur Schaubude. Beckmanns Idee des
Eva Fischer-Hausdorf, Kunsthalle Bremen

11.15 Uhr Max Beckmanns Malerei als Zurschaustellung
Ortrud Westheider, Museum Barberini

12.15 Uhr Mittagspause

14.00 Uhr Clowns, Tiere und Artisten. Beckmanns Passion für den Zirkus
im Spiegel seiner Skizzenbücher
Christiane Zeiller, Max Beckmann Archiv, München

15.00 Uhr Max Beckmanns Triptychen als Bühnen-Bilder
Lynette Roth, Busch- Reisinger Museum, Harvard Art Museums, Cambridge

16.00 Uhr Kaffeepause

16.30 Uhr Zwischen Katastrophenerfahrung und Weltanschauung. Zum
Welttheater in der Literatur
Irene Pieper, Universität Hildesheim

17.30 Uhr Parodie, Experiment und Selbstbehauptung. Die Dramen Max

Sebastian Karnatz, Bayerische Verwaltung der staatlichen Schlösser,
Gärten und Seen, München

18.30 Uhr Empfang

Unkostenbeitrag € 10,– / Freier Eintritt für Studierende
Online-Tickets sind unter buchbar. Tickets sind zudem am Tag des Symposiums an der Museumskasse erhältlich.

JEAN MARTIN (1911–1996). De l’atelier à la scène

25 JUIN > 9 OCTOBRE 2016


Fils d’ouvriers, le Lyonnais Jean Martin (1911-1996) développe en autodidacte une pratique assidue du dessin et de la peinture, jusqu’à sa rencontre déterminante, dans les années 1920, avec le peintre Lucien Féchant et le sculpteur Georges Salendre.

Présent pour la première fois au Salon d’Automne en 1933, au Salon du Sud-Est à partir de 1934, puis au Salon des indépendants à Paris à partir de 1935, il expose en 1938 à la galerie Billiet-Vorms à Paris, aux côtés de Georges Rohner ou de Jean Lasne, avec le groupe Nouvelle Génération, ultime manifestation des « Forces Nouvelles », créées autour du critique d’art Henri Héraut en 1935. Durant l’Occupation, Jean Martin expose régulièrement à la galerie Folklore de son ami Marcel Michaud à Lyon ainsi qu’à la galerie Jouvène à Marseille, puis, de 1945 à 1947, à la galerie de Katia Granoff à Paris. Il participe en outre, en 1940, avec Marc Barbezat, à la naissance de la revue d’avant-garde L’Arbalète, dont il dessine la première de couverture.

En 1946, il s’installe à Paris et travaille pour le théâtre et la télévision. Au début des années cinquante, il s’oriente définitivement vers la tradition médiévale, travaille à la tempera et crée des images empreintes d’idéal roman et byzantin, proches d’une inspiration surréaliste ou symboliste. Il ouvre rue Saint-Sulpice, la galerie A.T.C. (Art et Tradition Chrétienne), où il promeut peintres, sculpteurs, potiers, dinandiers et tisserands et joue un rôle important dans le renouveau de l’art sacré en France à l’heure de la Reconstruction.

Avec cette exposition organisée à l’initiative de l’association « Mémoire du peintre Jean Martin », les donations consenties à La Piscine par la famille en 2011 et 2013 seront mises en exergue et replacées au sein du parcours artistique d’un peintre original, attaché à la question de l’objet et du décor.

En 2011, furent données trois grandes toiles emblématiques du style réaliste et expressionniste de Martin durant l’entre-deux-guerres, marqué par le XVIe siècle allemand, mais aussi par l’expressionisme contemporain belge. Dans les œuvres de cette période, traversées par une évidente inquiétude et une grande sensibilité aux difficultés et aux drames de la vie, les silhouettes des personnages, très étirées, et souvent comme dégingandées ou démantibulées à la manière de mannequins, évoquent pour Katia Granoff certaines figures du Greco ou de Picasso. Parmi elles, L’Exilé qui, dans une composition dont l’ambition politique touche à l’évidence au sacré, représente un jeune déserteur allemand persécuté par le régime nazi et recueilli à Lyon par Martin.

Deux ans plus tard c’est un ensemble significatif de dessins préparatoires, maquettes, photographies et documents qui a intégré les collections roubaisiennes et permet d’évoquer la contribution du peintre dans le domaine du décor et du costume. Auteur de 1947 à 1954 de nombreux décors, masques et postiches, costumes et statues pour le théâtre, notamment pour les compagnies de Pierre Blanchar, Raymond Hermantier, Jean-Marie Serreau et Louis Jouvet (pour lequel il collabore avec Christian Bérard), Jean Martin est nommé en 1949 directeur artistique, avec Raymond Hermantier et François Chatelard, du VIe Centenaire du rattachement du Dauphiné à la France et dessine masques, costumes et géants pour le défilé organisé à Valence. Il conçoit enfin en 1970 et 1971, pour « La Chronique des Siècles » de France 2, décors et costumes.

Commissariat général : Alice Massé, Conservatrice adjointe de La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent de Roubaix

Commissariat scientifique : Jean-Christophe Stuccilli, Attaché de conservation au musée des Beaux-Arts de Lyon, chargé de relations avec l’enseignement supérieur

Lien de l’exposition ici

Consulter l’ouvrage en ligne ici


APPEL À COMMUNICATIONS : Bibliographies de critiques d’art francophones


Une nouvelle histoire de la critique d’art à la lumière des humanités numériques ? (du milieu du XIXe siècle à l’Entre-deux-guerres)

Colloque organisé par Anne-Sophie Aguilar (Paris 1, HiCSA), Eléonore Challine (ENS Cachan), Christophe Gauthier (Ecole nationale des Chartes), Marie Gispert (Paris 1, HiCSA), Gérald Kembellec (CNAM), Lucie Lachenal (Paris 1, HiCSA), Eléonore Marantz (Paris 1, HiCSA), Catherine Méneux (Paris 1, HiCSA).

Paris, 18 et 19 mai 2017



Compris dans un premier temps comme un simple outil d’une  histoire de la réception des œuvres, les écrits relevant de la critique d’art ont souvent été cités sans tenir compte du contexte de leur énonciation et surtout de l’identité de leurs auteurs. Si les études monographiques de qualité se sont récemment multipliées, on observe que la médiation des connaissances sur la critique d’art continue de passer par des corpus fragmentés et des anthologies. Aujourd’hui, les outils numériques permettent d’aller plus loin, et de proposer des modèles d’organisation et de diffusion du savoir qui envisagent différemment la critique d’art, loin de son statut de simple marginalia de l’œuvre commentée. Partant de ce constat, le programme de recherche Bibliographies de critiques d’art francophones (Labex CAP, HeSam université, Université Paris 1) lancera à la fin de l’année 2016 un site proposant non seulement la bibliographie complète d’auteurs ayant exercé la critique d’art mais donnant également la possibilité de faire des recherches par champ (date, revue, auteur, etc.).

Plus qu’un simple outil documentaire, ce futur site permet de revoir en profondeur la manière d’aborder la critique d’art et les critiques d’art. Non discriminant, puisqu’il ne prévoit pas de typologie ou de classement autre que le support de diffusion du texte (article, ouvrage ou chapitre d’ouvrage), interdisciplinaire, ce site ne vise pas à l’appréciation de la valeur critique du texte – éminemment subjective – au profit d’une vision d’ensemble de la production littéraire des auteurs concernés, quel que soit le champ artistique sur lequel leur regard s’est porté (photographie, cinéma, beaux-arts, architecture, etc.). Il permet ainsi une approche renouvelée à la fois de la production critique de chaque auteur – aucun texte ne prenant le pas sur un autre – et sur la critique d’art en général dont le champ se voit élargi à une grande diversité à la fois d’objets et de supports. Ce sont ces renouvellements, qui sont également des questionnements théoriques, que le colloque se propose d’aborder selon quatre axes.

  1. Faire carrière

Privilégiant les critiques d’art à la critique d’art, le site affirme tout d’abord une approche monographique qui pose un certain nombre de questions. Prendre en compte l’ensemble des écrits d’un auteur ayant exercé la critique en envisageant le temps long permet ainsi de s’interroger sur son positionnement dans un champ, littéraire, artistique, voire commercial pour les arts qui sont aussi des produits de consommation, et sur l’évolution de ce positionnement. Peut-on, à proprement parler, utiliser le terme de « carrière » pour un critique et comment en déterminer les étapes à la fois professionnelles et intellectuelles ? Comment cette « carrière » peut-elle se construire face à la nécessité de rendre compte d’une actualité artistique toujours plus dense ? Peut-on, pour des domaines plus neufs ou plus techniques comme ceux de l’architecture, du cinéma ou de la photographie, véritablement parler de critique d’art professionnel ?

  1. Masse critique

Proposer des bibliographies à finalité exhaustive suppose de prendre en compte l’ensemble des écrits d’un critique dans une approche qui ne soit plus qualitative mais quantitative. La « masse critique » ainsi dégagée suppose une réévaluation des corpus. Dans quelle mesure permet-elle une réflexion sur la place de certains textes, non plus donnés isolés mais réinscrits dans une histoire et dans un corpus, dans une sorte de génétique de la critique qui permettrait de déconstruire certains mythes fondateurs. Comment ces textes ont-il pu faire l’objet de refonte et de réédition et avec quelles conséquences ? Mais cette masse critique peut engager également à une approche statistique ou plus sociologique, posant la question de la constitution d’une expertise et de l’existence d’une « critique moyenne ».

  1. Nouveaux corpus

Au sein de cette « masse critique », certains types de textes ou de supports souvent minorés retrouvent leur place dans la production d’un critique. La confrontation de bibliographies exhaustives permet ainsi de mettre en lumière une nouvelle manière de faire de la critique d’art à cette période et pose la question des supports et formes de publication. Quelles sont les nouvelles formes que prend cette critique d’art, enquêtes ou interviews d’artistes ou de collectionneurs par exemple ? Quel est le rôle joué par les préfaces de plus en plus nombreuses écrites par les critiques d’art dans les catalogues de revues et comment leur étude peut-elle permettre de réfléchir par des cas concrets au fameux système « marchand critique » ? Du côté des supports, on peut s’interroger sur la place prise par les quotidiens dans le champ critique mais aussi sur la manière dont s’articulent, pour l’architecture, le cinéma ou la photographie, écrits dans les revues techniques et écrits dans les revues artistiques.


  1. Au-delà de la critique d’art

Interdisciplinaire, la base/le site met également en lumière la polygraphie essentielle des auteurs ayant pratiqué la critique. Souvent touche-à-tout, ils s’intéressent à des domaines très différents, fréquemment dictés par l’actualité, ce que permet de montrer une bibliographie exhaustive. Cependant, une fois ce constat posé, la confrontation entre les textes continue de poser un certain nombre de questions. Existe-t-il encore des champs spécifiques, par exemple pour les arts décoratifs ? Le fait d’écrire sur plusieurs media suppose-t-il une certaine analogie dans la structuration de nouveaux champs ? Comment évolue l’idéal d’unité des arts à la lumière de ces écrits sur l’art et de leurs supports ? Y a-t-il une approche spécifique d’ensembles nouveaux, de pratiques nouvelles, qu’elles soient considérées ou non comme artistiques, par exemple dans le champ politique ?

Les propositions de communication, d’une page maximum, et indiquant les principales sources utilisées, sont à adresser avec un CV avant le 2 novembre 2016 à :

Anne-Sophie Aguilar (éonore Challine (, Christophe Gauthier (, Marie Gispert (, Lucie Lachenal (, Eléonore Marantz ( et Catherine Méneux (

Les réponses seront communiquées au plus tard le 9 janvier 2017.

Journée d’étude à Rome les 9 et 10 juin 2016 – Images of the Body: First World War and its Aftermath

Images of the Body: First World War and its Aftermath

Deutsches Historisches Institut in Rom, Via Aurelia Antica, 391, I-00165 Roma, June 9 – 10, 2016

This workshop aims at examining the centrality of the body in the narration, representation, experience and understanding of the First World War.

It will take into account individual bodies in war, as they were compelled in the trenches, wounded, dispersed, exhausted, mutilated, or killed. As well, it will consider how those bodies came to symbolize the national community as a whole. Therefore, the workshop approaches the topic by paying attention to both the war and the home front, to both wartime and post-war societies.

The main idea is to involve historians, art historians and visual culture historians to reflect upon specific key-questions concerning the representation of bodies during and a er the First World War.


Thursday, 9 June

10:30 Martin Baumeister (Director, DHI Rome)

10:40 Martina Salvante (Rome)

I – The Male Body Revisited
Chair: Annette Becker (Paris)

11:00 Sarah Kinzel (Berlin)
Expulsion from Paradise. Representations of the human body in early 20th
century painting

11:30 Monica Cioli (Rome)
From Man at War to Machine Man. The Evolution of the Body in the 1920s

12:15 coffee break

12:30 Flavia Marcello (Melbourne)
Art, Architecture and the Body of the Soldier in Marcello Piacentini’s
Casa Madre dei Mutilati in Rome

13:15 lunch break

II – Memorializing the Body
Chair: Martina Salvante (Rome)

14:30 Martin Baumeister (Rome)
Filling the big void: mourning fallen soldiers and the thirst of

15:00 Paolo Nicoloso (Trieste)
Memory Strategies: Ossuaries on the Eastern Italian Border

18:00 Keynote Lecture
Michael Diers (Berlin)
Fragments. Politics and Aesthetics of the Body in Pieces

19.00 Reception

Friday, 10 June

III – Wounded and Dead Bodies
Chair: Martin Baumeister (Rome)





Workshop au Centre allemand d’histoire de l’art, Paris, 10 octobre 2016. Avec le soutien de l’Agence Nationale de la Recherche au titre du programme d’investissements d’avenir du laboratoire d’excellence  Labex Arts-H2H (ANR-10-LABX-80-01). Conception: Julia Drost, Fabrice Flahutez et Martin Schieder

Quand, en mai 1936, la galerie Charles Ratton présente l’ »Exposition surréaliste d’objets », cette exposition cherche à démontrer la capacité du surréalisme de transfigurer le réel, sans pour autant le métamorphoser. Les objets exposés – objets mathématiques, objets trouvés et interprétés, objets d’Amérique ou d’Océanie – sont tous des objets qui n’ont reçu aucune modification, aucune transformation et sont, quand même, élevés au rang du merveilleux surréaliste. Comme le dira André Breton dans le « Dictionnaire abrégé du Surréalisme » en 1938 : ce sont les poètes qui en font un « objet usuel promu à la dignité d’objet d’art par le simple choix de l’artiste ». De nombreuses études et la récente exposition « Le surréalisme et l’objet » du Musée national d’art moderne, Centre Pompidou en 2013, ont depuis souligné le paradoxe inhérent entre le domaine du rêve et de l’imaginaire d’un côté et la réalité matérielle de l’autre.

Dans le cadre d’un workshop, nous nous proposons de nous intéresser tout particulièrement à l’objet « sauvage ». Celui-ci, qu’il vienne d’Océanie, d’Afrique ou d’Amérique du Nord, prend une place importante non seulement dans le surréalisme, mais aussi dans les collections des poètes et des artistes. Au-delà de leur magie, ces objets possèdent une valeur d’échange concrète. Roland Tual, le premier gérant de la galerie Surréaliste qui ouvre ses portes en 1926, est en contact avec les marchands berlinois des arts premiers Hildebrand Gurlitt et Karl et Josef Nierendorf pour le commerce des objets océaniens et africains.
Paul Eluard est toujours à la recherche d’objets qu’il peut revendre à des marchands parisiens tel Charles Ratton. La correspondance avec Gala témoigne du fait que le collectionneur vise la revente des objets dès son premier achat. André Breton, considère également ces objets, en dehors de toute qualité esthétique, comme éléments d’une activité de courtage, dont il vit.
Notre workshop propose d’étudier ces aspects moins connus de la fascination pour les arts premiers. Les surréalistes contribuent à transformer les régimes de valeur de ces objets entre leurs qualités imaginaires surréalistes et leur réception occidentale. L’analyse des collections des poètes et artistes surréalistes, nous aidera à mieux comprendre comment la vie et l’art sont, de cette façon, étroitement liés. Par exemple, quelle est la place d’un marchand comme Julius Carlebach dans l’économie autant complexe que subtile de la vente d’œuvres de surréalistes et d’objets extra-occidentaux ? Comment la discipline de l’ethnologie évolue-t-elle au regard du surréalisme? La disposition muséale des collections ethnologiques représente-t-elle des sources d’inspiration pour les collections des surréalistes ? Quels types de rapport entretien le surréalisme avec les arts d’ailleurs ?
La journée d’études s’adresse notamment aux jeunes chercheurs. Elle s’inscrit dans le cadre d’un programme de recherché intitulé « Le surréalisme au regard des galeries, des collectionneurs et des médiateurs, 1924-1959 » et fait suite aux journées d’études intitulées « Le monde au temps des surréalistes » (7 et 8 novembre 2014) et « Le Surréalisme dans l’Europe de l’entre-deux-guerres » (11 et 12 mars 2016) qui se sont déroulées au Centre allemand d’histoire de l’art à Paris.

Un appel à candidature est lancé jusqu’au 15 juin 2016. Les intéressés devront envoyer une courte présentation de leur projet (maximum une page) en langue anglaise, allemande ou française, ainsi qu’un bref cv.

Julia Drost, Centre allemand d’histoire de l’art, Paris
Fabrice Flahutez, Université Paris Ouest Nanterre La Défense
Martin Schieder, Universität Leipzig (

APPEL À CONTRIBUTION / CALL FOR PAPERS : Avant et après ? Continuité ou rupture ? L’art belge au temps de la Grande Guerre


Bruxelles, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

24 et 25 novembre 2016

Date limite : 16 janvier 2016

Les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique organisent un colloque scientifique international consacré à la place de l’art moderne belge dans le contexte européen. Dans le souci d’une confrontation des générations, nous viserons autant l’avant-garde que les positions plus traditionnelles ou singulières.

Dans l’historiographie artistique européenne, la Première Guerre Mondiale est traditionnellement décrite comme un moment de rupture ayant stimulé l’essor de l’avant-garde. Le colloque se propose de confronter cette assertion devenue classique à la situation culturelle spécifique de l’art belge à l’aube du vingtième siècle. Une simple dichotomie AVANT/ APRÈS permettra de structurer systématiquement le domaine d’étude et d’aborder la question du PENDANT. L’année 1916 paraît une année charnière à plusieurs égards et servira comme point de repère. L’essentiel de l’étude est consacré aux artistes relativement jeunes qui ont démarré leur carrière artistique vers 1910 et qui ont développé une œuvre personnelle vers 1920.

L’expérience de la Première Guerre Mondiale, notamment de l’exil (ou plus largement d’une migration artistique) et de l’isolement redistribuait d’une certaine façon les cartes dans le milieu artistique, mais s’inscrivait aussi dans une évolution à long terme qu’il convient de garder à l’esprit. Cependant l’isolement n’était qu’un côté de l’exil et de l’occupation qui de l’autre est une période particulièrement riche en transferts culturels. On pourra notamment évoquer le sujet d’une interculturalité forcée. Des axes d’étude intéressants sont notamment la circulation des œuvres d’art et la diffusion des idées artistiques novatrices. L’étude du rôle historique des salons, des jurys, des galeries, des associations, des revues d’une part et la signification de l’administration et des mesures de guerre spécifiques d’autre part devraient permettre de brosser un tableau nuancé du contexte dans lequel les activités artistiques se sont déroulées. La position des artistes en exil (Pays-Bas, Grande-Bretagne, Suisse, Italie, …) et le rôle du gouvernement (occupant) méritent une attention toute particulière.

Du point de vue artistique, nous nous intéresserons à la recherche d’un monde et d’un homme nouveau et à la confrontation de l’art belge aux mouvements novateurs comme le cubisme, futurisme, dadaïsme, expressionnisme, constructivisme… Les questions que nous souhaitons notamment poser sont: quelles étaient les conditions de la création artistique en temps de guerre, d’exil et d’occupation ? quel était l’impact de l’environnement (à l’étranger, sous l’occupation) sur la création artistique ? quel était l’impact des évènements historiques sur cette création ? comment ces influences sont-elles visibles dans les œuvres d’art ? peut-on détecter une évolution dans la facture des artistes et laquelle ? de quelle manière les idiomes picturaux changent-ils ? et de quelle manière les évènements et échanges influencent-ils le discours théorique ? quels effets avaient les différentes migrations pendant la guerre sur la scène artistique belge de l’après-guerre ?

D’éventuelles questions intéressantes susceptibles d’être évoquées au colloque s’articuleront donc autour de quatre axes principaux – les trajectoires individuelles, les réseaux, les institutions, les politiques/ stratégies artistiques et culturelles – et sont d’un côté, sur le plan historique, par exemple :

– la circulation des œuvres d’art en Belgique et à l’étranger,
– les artistes belges en exil,
– les ‘carrières brisées’,
– les artistes et historiens d’art allemands ‘occupants’,
– les expositions et artistes en Belgique,
– le rôle des musées en Belgique,
– le marché de l’art en temps de guerre,
– la politique artistique de l’occupant,
– la politique artistique du gouvernement belge en exil,
– la contribution des activistes,
– l’engagement sociétal des artistes,
– les interactions de la communauté artistique belge avec la vie culturelle et artistique britannique, néerlandaise ou allemande ;
d’autre part, sur le plan artistique, p.ex.
– la diffusion des idées artistiques novatrices et des nouveaux courants,
– l’identité culturelle des artistes,
– le conflit des générations,
– l’impact matériel de l’exil et de l’occupation sur la création artistique,
– le rôle des groupes et fédérations d’artistes belges,
– le rôle des revues et journaux d’avant-garde,
– les discours théoriques,
– les mouvements artistiques
– …

Les propositions de communications d’une longueur maximale de 500 mots, sont à faire parvenir au plus tard pour le 20 janvier 2016, accompagnées d’une brève notice biobibliographique, à symposium14-18@[at] Les communications et les résumés sont acceptés en français, néerlandais ou anglais.

Organisé par les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles dans le cadre du Centenaire de la Grande Guerre et avec le soutien de VisitBrussels et le Gouvernement de la Région Bruxelles-Capitale.

Organisation : Inga Rossi-Schrimpf (MRBAB/ KMSKB)
Comité scientifique : Véronique Cardon (MRBAB/ KMSKB); Christina Kott (Université Panthéon-Assas Paris 2/Institut d’histoire du temps présent IHTP); Hubert Roland (Université Catholique de Louvain/ FNRS) ; Inga Rossi-Schrimpf (MRBAB/ KMSKB); Lara Schrijver (Universiteit Antwerpen); Axel Tixhon (Facultés Universitaires de Namur); Rudi Van Doorslaer (CEGESOMA/ Universiteit Gent); Michèle Van Kalck (MRBAB/ KMSKB) ; Francisca Vandepitte (MRBAB/ KMSKB); Caterina Verdickt (Universiteit Antwerpen).



Bard Graduate Center – Bard Graduate Center Research Fellowship

University of Hamburg – W2 Universitatsprofessur fur Kunstgeschichte des Mittelalters / W2 Professorship in Medieval Art History

University of British Columbia – Assistant Professor in the History of Chinese Art and Visual Culture

Amherst College – Assistant Professor in Contemporary Art


Lafayette College – Assistant Professor of Film and Media Studies


New York University Abu Dhabi – Research Fellowships in the Humanities

Bourse de recherche doctorale de l’université d’Huddersfield /PhD Scholarships, University of Huddersfield

University of Huddersfield/ Henry Moore Institute Leeds/ The  Hepworth Wakefield

Application deadline: Oct 30, 2015

The School of Art, Design and Architecture at the University of Huddersfield invites applications for doctoral studentship projects with the Henry Moore Institute Leeds and The Hepworth Wakefield.

These scholarships will support successful candidates to develop their research, whilst also providing opportunities to gain career-enhancing teaching experience and teaching-related skills. The School’s mission is to foster the next generation of creative researchers and boasts a  dynamic and interactive learning community that allows staff and students to nurture, develop and exploit their talents.

Funding information

The PhD Scholarships will cover full tuition fees (at UK/EU rate*), provide an annual stipend of £13,863 and the opportunity to apply for funding to support attendance at research-related conferences, training, workshops and public engagement events. Scholarships will be awarded through an open competition to applicants wishing to commence full-time PhD studies in January 2016 and will be renewable annually for up to 3 years, subject to satisfactory research progress and good citizenship. Successful researchers will be expected to contribute an  average of 6 hours per week to teaching and teaching-related activities.

You will have full access to state-of-the-art technical resources and will be guided through your research by our researchers that are experts in your field of study.

UK/EU tuition fees are £3,795 and International tuition fees are £12,000. International students will be required to use the stipend to meet the shortfall in tuition fees.

Students who are unable to complete their studies are required to refund the scholarship awarded.


The School will consider applications from promising candidates of  any nationality. Candidates should already hold a 1st Class Honours
Bachelor’s and Master’s degree (UK or UK equivalent).

For those whose first language is not English and/or if from a country where English is not the first language (as recognised by the UKBA), a language proficiency score of at least IELTS 6.0 (in all elements of the test) is required, unless the degree was taught in English and obtained in a majority English speaking country, e.g. UK, USA, Australia, New Zealand etc. as recognised by the UKBA.

Administrative contact and how to apply

The ideal applicant would normally be expected to pursue an academic career and be willing to disseminate research outcomes in high quality international academic journals and conferences, and to engage with policy through external grants applications. They will be positioned within one of the School’s Research Centres, to work amongst research active staff, in a supportive and collegiate environment.

Candidates are required to complete an online application form. Required information includes a brief application letter, research proposal, two academic reference letters, copies of degree certificates and transcripts and proof of English language proficiency (if English  is not your first language).

Submitted research proposals must demonstrate a strong understanding of the extant literature and clearly substantiate the potential for making a significant contribution in the field. Applicants may consider a wide variety of quantitative and/or qualitative methods making a strong case  of the appropriateness for the method(s) suggested in the proposal.  Particular attention will be paid to clarity of expression and also the  structure, coherence and flow of argument. The proposal is expected to be around 1000 words and to include a bibliography. Please note: we will not be able to consider your application if a research proposal is not submitted.

For more detailed information about research at our School, please

Further information can be obtained from Professor Angela Lee, Director of Research & Graduate Studies <>.

Please follow the link for further details:

Enquiries – Dr Alison Rowley –
Tel: +44(0)1484 473130

Deadline: End of October 2015, for a January 2016 start.

Bourses de recherche ARP/ARP-Fellowships

Stiftung Arp e.V., Berlin
Application deadline: Nov 30, 2015


Hans Arp (1886-1966) and Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) are among the most remarkable artists of the twentieth century. They galvanized the movements of Dada and Surrealism, and influenced the development of concrete art and organic abstraction. Since 1977 the Stiftung Arp e.V. has overseen the greater part of both artists’ estates. It holds one of the most comprehensive collections of their work and manages most of their written and photographic archives. The Foundation also has an  extensive research library, which holds primary literature and catalogues of the work of Sophie Taeuber-Arp and Hans Arp as well as  many publications of their  broader artistic and cultural context.

In Fall 2015, the Stiftung Arp e.V. is awarding up to four research-
and archive-fellowships to both junior scholars as well as to established researchers and curators whose work addresses the work of Hans Arp and Sophie Taeuber Arp.

a) The archive and library fellowships are intended for junior  scholars as well as established researchers and curators whose research project or exhibition addresses the work of Hans Arp and Sophie Taeuber and who wish to research the collection, the archive and the library in person. Depending on the scope of the research project, fellowships will be awarded for the duration of 1 to 6 months. The monthly stipend ranges from 900 to 1,200 Euros and the amount is determined by the researcher’s qualifications.  Residency is required.

b) The research fellowships are intended for junior scholars (pre- and postdoctoral), whose research engages with the work of Hans Arp and/or Sophie Taeuber-Arp. The period of support is one year, with a monthly  stipend between 900 and 1,200 Euros, depending on the applicant’s qualifications. Residency is not required. However, the fellow is expected to consult the foundation’s collection and archive during the  fellowship period. As a prerequisite to the application, the research  project in question must be tied to a university or a research institution.

For the application for a research or archive fellowship please  submit  the following materials:
– CV
– Publication List
– Research Description and Plan: (3-5 pages)
– Summary of the project (max. 500 words)

Fellows will be selected by a committee of experts.

Please submit applications electronically to:

For further information and questions, please contact
Dr. Maike Steinkamp, Stiftung Arp e.V.
Tel.:  +49 (0) 3060967426

ARP Forschungsstipendien

Die Künstler Hans Arp (1886-1966) und Sophie Taeuber-Arp  (1889-1943) sind zwei der eindruckvollsten   Künstlerpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts. Sie haben Strömungen wie Dada und Surrealismus geprägt, die Entwicklung der abstrakt-konkreten Kunst und der organischen Plastik  maßgeblich vorangetrieben. Die Stiftung Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp e.V. besitzt eine der umfangreichsten Sammlungen von Werken dieser beiden Künstler und verwaltet einen großen Teil des
schriftlichen und fotografischen Nachlasses. Sie ist in Besitz einer umfangreichen Forschungsbibliothek, die nicht nur viele Primärschriften und Kataloge zum Werk und Wirken von Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp  enthält sondern zudem zahlreiche  Publikationen zu ihrem künstlerischen Umfeld und ihnen nahestehenden künstlerischen Strömungen umfasst.

Die Stiftung Hans Arp und Sophie Taeuber Arp e.V. schreibt 2015 zum zweiten Mal bis zu vier Forschungs- und Archivstipendien aus. Die Stipendien richten sich sowohl an Nachwuchswissenschaftler, als auch an etablierte Wissenschaftler und Kuratoren die sich mit dem künstlerischen Werk von Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp und ihrem gesellschaftlich-künstlerischen Umfeld beschäftigen.

a.) Die Archiv- und Bibliotheksstipendien richten sich sowohl an
Nachwuchswissenschaftler als auch an etablierte Wissenschaftler und Kuratoren, die sich in einem Forschungs- oder  Ausstellungsprojekt mit dem Werk von Hans Arp und Sophie Taeuber beschäftigen und für ihre Recherchen die Sammlung, das Archiv und die Bibliothek vor Ort nutzen  wollen. Die Stipendien werden je nach Rechercheaufwand für einen  Zeitraum zwischen 1 und 6 Monaten mit einer monatlichen Unterstützung  zwischen 900,- und 1.200 Euro (je nach Qualifikation) vergeben. Es besteht Residenzpflicht.

b.) Die Forschungsstipendien richten sich an Nachwuchswissenschaftler/innen (Pre- und Postdoc), die sich in ihrer wissenschaftlichen Arbeit mit dem Werk von Hans Arp und/oder Sophie Taeuber-Arp beschäftigen. Die Förderung beläuft sich auf ein Jahr mit  einer monatlichen Unterstützung zwischen 900,-und 1.200 Euro (je nach Qualifikation). Es besteht keine Residenzpflicht. Es wird jedoch erwartet, dass der Stipendiat sich mit der Sammlung und dem Archiv des Vereins beschäftigt. Voraussetzung für die Bewerbung ist die Anbindung des Projekts an einer Universität oder einem Forschungsinstitut.

Für die Bewerbung um ein Forschungs- oder Archivstipendium reichen Sie bitte folgende Unterlagen ein:
– Lebenslauf
– Publikationsliste
– Projektskizze des geplanten Forschungsvorhabens (3-5 Seiten)
– Zusammenfassung des Projekts (500 Zeichen)
Die Auswahl der Stipendiaten wird von einer Fachkommission vorgenommen.

Ihre Bewerbung richten Sie bitte digital an:

Für weitere Auskünfte und Fragen wenden Sie sich bitte an:
Dr. Maike Steinkamp, Stiftung Arp e.V.
T.: +49 (0) 30 – 60967426

Appel à contribution/Call for papers : Negotiating Art: Dealers and Museums

London, The National Gallery, April 1 – 02, 2016
Deadline: Sep 18, 2015

Call for papers
Negotiating Art: Dealers and Museums

IMMINENT DEADLINE for submissions: 18 September 2015!
Financial assistance with travel may be available!

This two-day conference on the relations between art dealers and museums, organised by the National Gallery in collaboration with the University of Manchester and the University of Liverpool, will be held  at the National Gallery, London.

This joint conference, which has its origins in the acquisition of the Thos. Agnew & Sons archive by the National Gallery, aims to explore the relationship between art dealers and museums, in the UK and worldwide, and across a wide chronological period. Although there will be a focus on the London and British art market in the late 19th century, we wish to include papers that span the period 1855-2015 and across a range of geographical areas, in order to establish connections and assess contrasts between places and periods.

Many fundamental topics are implicated by the subject of this conference. For example, the relationship between consumption and culture; the creation, separation and ethical remits of professional specialisms; the nature and role of art institutions; and the multifaceted – and conflicting – roles of art collecting. We have singled out four key themes, which we envisage will comprise discrete conference sessions, and we invite paper proposals that engage with some aspect of them:

– Mechanics of the relationship: How did the relationships between dealers and art museums work? Were these business relationships, advisory roles, or both? Which sources can we use to establish such relationships? Can quantitative evidence like pricing be used to illuminate these relationships further? Can any shifts in these dynamics be identified or measured over a geographical or chronological range?

– Biographies: Who were/are the main dealers associated with art museums? Can the personal and institutional biographies of specific dealers, agents, curators and other associated players assist in the reconstruction of the dealer-museum relationship, either in the historical or contemporary domains?

– Collaboration and conflict: How close was/is the relationship between various dealers and art museums? To what extent can these relationships be construed as successful or otherwise? Are there examples of conflict, such as failed deals, arguments over pricing or the breakdown of relationships? How were successful cases, such as acquisitions mediated by dealers, negotiated? What happens when dealers are in competition with each other? And what happens when museums are in competition with each other?

– Works: How can case studies of single artworks or groups of pieces help us to understand better the model of dealer-museum interaction? How do the previous histories of works, their provenance, and the manner of their acquisition (e.g. private treaty or auction sale) affect their afterlife in the museum?

How to submit

Papers should be a maximum of 20 minutes in length, and preference will be given to proposals which stimulate dialogue and engage with broader topics. Please send enquiries and proposals of no more than 300 words, indicating which session your paper relates to, by 18 September 2015, to (marked for the attention of Alan Crookham).

Papers will be selected by 18 October 2015. Some financial assistance with travel expenses for speakers may be available.

Appel à contribution : Museum global? Multiple Perspectives on Art, 1904–1950

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, January 21 – 22, 2016
Deadline: Sep 27, 2015

Museum global? Multiple Perspectives on Art, 1904–1950

[Deutsche Fassung unten]

Currently, profound societal upheavals require a repositioning of the concept of « Modern Art. » As a museum, the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen is responding to the effects of globalization and digitalization by devoting itself to the pressing theme of « globalism » and the challenges associated with it.

With the project « museum global? » (2015–2017), the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen interrogates the grand narratives of Western modernism and its underlying canon. Through a research project conferences followed by exhibitions, and with a point of departure in our own collection, strongly grounded in the epoch of classical modernism, and hence in the art of Europe and North America, « museum global? » focuses on the period between 1904 and 1950. The oldest works in the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen date from the early 20th century. A historical prelude is supplied by Henri Matisse’s small format painting Le goûter (Le golfe de Saint-Tropez) (1904). The collection’s core is formed by an ensemble of works by Paul Klee, an artist who was defamed as « degenerate » by the National Socialists and dismissed in 1933 from his teaching position at the Düsseldorf Art Academy. In 1961, the acquisition of the Klee collection by the federal state of North Rhine-Westphalia, a move intended as a kind of political atonement, led to the museum’s foundation as a public institution.

The aim of the research project « museum global? » is from a contemporary perspective a critical interrogation of our own collection and the re-illumination of its history with reference to the period from 1904 to 1950. In search of diverse voices and for other narratives of modernity exemplary artworks from non-European regions become evident and will be analyzed, along with their contexts of production, with the intention of contributing to a revision of earlier perspectives.
Special attention is devoted to the continuous transformation and
development of the use of language and of terms such as « international, » « global, » « universal, » « cosmopolitan, » and « worldwide, » and of « classical modernism,” “rural modernism, » « local modernism, » or “Tropical modernism” and their changing meanings. The project will culminate in autumn of 2017 in a concluding exhibition that will simultaneously present the collection from a newly-won perspective while showcasing exemplary positions and phenomena from the focus period of 1904–1950.

A preparatory, academic conference will be held on January 21–22, 2016 at the Kunstsammlung (in German and English with simultaneous translation). This event is designed to bring together scholars who concentrate on regional phenomena and artistic and intellectual tendencies that are situated beyond, parallel, or in opposition to the so-called « modern » art scene in central Europe and North America. The introductory panel will be devoted to a revision of the modernist canon and its historiography. The main emphasis of the conference will be selected case studies that exemplify international exchanges via artists and artworks during the above-named time period.

We are hereby issuing an invitation to potential participants to give
30 minute talks based on research related to the following aspects:

– Questioning the narrative of modernist art history, in particular of
Paris as a center of artistic activity during the first half of the  20th century;
– attempts to open up perspectives onto contemporanean artistic   phenomena worldwide;
– examinations of hitherto little-discussed artistic practices and local
art historiography worldwide;
– considerations of local artists and artist’s groups situated beyond
the art scenes of Europe and North America;
– transcontinental artistic networks and collaborations;
– influential intellectual tendencies, ideas, discoveries, concepts,
and   fashions that interconnect different regions;
– art world protagonists and intermediators that have shaped dialogue and networks worldwide, thereby mediating between cultures and  regions;
– current theoretical positions that, aware of the results of  postcolonial studies, reflect critically on concepts such as  « exoticism, » « primitivism, » or « Orientalism »;
– considerations of the relevant political, societal, and historical   conditions, including specific historical examples, i.e. concerning   mobility and travel of artists during the period as well as of trade   routes and the circumstances of exile;
– interdisciplinary examinations of intersections between the visual
and applied arts, literature/poetry, music, theater, dance, photography,  and film.

Please submit abstracts of your contribution (300–500 words, in German or English) and a brief biography by September 27, 2015 to Travel costs for lecturers will be
covered by the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Honoraria will be offered as well.

Given the large number of thematic foci for the period, for which research efforts have barely begun in the global context, this conference attempts explicitly to stimulate exchanges between scholars. For this purpose, and on our initiative, the research interest « global modern art museum » has been set up at, and will hopefully serve as a common platform.

Please signal your interest in conference participation at Starting in October of 2015, you will receive information concerning the conference program.

This research project of the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen – in whose framework the conference is being organized – is sponsored by the Kulturstiftung des Bundes/German Federal Cultural Foundation.

museum global? Multiple Perspektiven auf Kunst, 1904–1950

Starke Umbrüche verlangen eine Neupositionierung des Konzepts „Kunst der Moderne“. Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen reagiert als Museum auf die Auswirkungen von Globalisierung und Digitalisierung und widmet sich dem aktuellen Thema des „Globalen“ und den damit verbundenen Herausforderungen.

Mit dem Projekt „museum global?“ (2015–2017) hinterfragt die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen die großen Erzählungen der westlichen Moderne und den zugrundeliegenden Kanon. Ausgehend von der eigenen Sammlung, die in besonders starkem Maße auf der Epoche der Klassischen Moderne und somit auf der Kunst Europas und Nordamerikas basiert, wird sich „museum global?“ in Forschungen, Ausstellungen und Konferenzen auf den Zeitraum 1904 bis 1950 konzentrieren. Aus dem frühen 20.
Jahrhundert stammen die ältesten Werke in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Den historischen Auftakt macht das kleinformatige Gemälde Le goûter (Le golfe de Saint-Tropez) (1904) von Henri Matisse.
Den Grundstock der Sammlung bildet ein Konvolut von Werken des von den Nationalsozialisten als entartet diffamierten und 1933 aus der Düsseldorfer Kunstakademie entlassenen Künstlers Paul Klee. Der Erwerb der Klee-Sammlung durch das Land Nordrhein-Westfalen, durchaus als politische Wiedergutmachung intendiert, führte 1961 zur Gründung des Museums als öffentliche Institution.

Das Forschungsprojekt „museum global?“ zielt darauf ab, die eigene Sammlung und ihre Geschichte aus heutiger Perspektive kritisch zu hinterfragen und im Hinblick auf den Zeitraum 1904–1950 neu zu beleuchten. Auf der Suche nach Vielstimmigkeit und anderen Erzählungen der Moderne treten Beispiele für die Kunst außereuropäischer Regionen und deren Kontexte in den Fokus, um dazu beizutragen, die bisherige Sicht zu korrigieren. Besondere Aufmerksamkeit wird hierbei auf die kontinuierliche Veränderung und Entwicklung von Sprache und Begriffen, wie „international“, „global“, „universal“, „kosmopolitisch“ oder „weltweit“, „klassische Moderne“, „rurale Moderne“, „lokale Moderne“ oder „Tropical modernism” sowie auf deren Bedeutung gelegt. Das Projekt mündet im Herbst 2017 in eine abschließende Ausstellung, die sowohl die Sammlung aus einer neu gewonnenen Perspektive als auch charakteristische Positionen und Phänomene aus dem genannten Zeitraum 1904–1950 präsentieren wird.

Eine vorbereitende, wissenschaftliche Konferenz wird am 21./22. Januar 2016 in den Räumen der Kunstsammlung stattfinden (in deutscher und englischer Sprache, mit Simultanübersetzung). Sie soll dazu dienen, Wissenschaftler zusammenzubringen, die sich weltweit auf regional verortete Phänomene und auf Künstler oder Geistesströmungen jenseits, parallel oder in Gegenreaktion zu den sogenannten „modernen“ Kunstszenen in Mitteleuropa und Nordamerika konzentrieren. Das einführende Panel ist der Revision des Moderne-Kanons und der Kunstgeschichtsschreibung gewidmet. Im Fokus der Konferenz steht durch ausgewählte Fallbeispiele der Austausch über internationale Künstler und Kunstwerke aus dem genannten Zeitraum.

Deshalb laden wir zu 30-minütigen Beiträgen ein, die auf Forschungsergebnissen zu folgenden Aspekten basieren:
– Hinterfragen der Erzählung der modernen Kunstgeschichte, insbesondere von Paris als Zentrum des Kunstgeschehens in der ersten Hälfte des 20.  Jahrhunderts
– Öffnen des Blickes für weltweit zeitgleich stattfindende künstlerische  Erscheinungen
– Bislang wenig diskutierte künstlerische Praktiken und weltweit lokale  Kunstgeschichtsschreibungen
– Lokale Künstler oder Künstlergruppierungen, jenseits der Kunstszenen  in Europa und Nordamerika
– Kontinent übergreifende Künstlervernetzungen und -kooperationen
– Prägende, Regionen übergreifende Geistesströmungen, Ideen und  Erfindungen, Konzepte oder Modeerscheinungen
– Akteure der Kunstwelt und Intermediatoren, die weltweite Dialoge und  Netzwerke bildeten und so zwischen den Kulturen und Regionen  vermittelten
– Aktuelle theoretische Positionen, die sich den Ergebnissen der  Postkolonialen Studien bewusst aus heutiger Perspektive widmen und  kritisch über Begriffe wie „Exotismus », „Primitivismus » und  „Orientalismus » reflektieren
– Berücksichtigung der jeweiligen politischen, gesellschaftlichen und
historischen Umstände, konkrete historische Beispiele z.B. über die
damalige Mobilität der Künstler und Umstände der Reisen,   Handelsrouten, Exil
– Interdisziplinäre Schnittstellen zwischen bildender und angewandter Kunst, Literatur/Poesie, Musik, Theater, Tanz, Fotografie und Film.

Bitte reichen Sie eine Kurzfassung Ihres Beitrag (300–500 Wörter in deutscher oder englischer Sprache) und eine kurze Biografie bis zum 27. September 2015 über ein. Die Reisekosten der Vortragenden können durch die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen übernommen werden. Ein Honorar wird ebenfalls gezahlt.

Das Forschungsprojekt der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, in dessen Rahmen die Konferenz veranstaltet wird, wird von der Kulturstiftung des Bundes gefördert.

Grabbeplatz 5 – D-40213 Düsseldorf
Tel. (+49) (0)211-8381-142 – Fax (+49) (0)211-8381-201

Histoire des arts de 1919 à 1939