Publication: Manu Van der Aa, « Bedelen bij Picasso : Paul Méral, genie & charlatan », Uitgeverij Vrijdag, 2020, 190 pages.

Présentation de l’éditeur:

« De Belg Paul Méral was aan het einde van de Eerste Wereldoorlog tijdelijk wereldberoemd in Parijs. Befaamde kunstenaars als André Gide, Max Jacob, Arthur Honegger en Pablo Picasso behoorden tot zijn vriendenkring. Dat had allemaal te maken met de ophefmakende opvoeringen van zijn toneelstuk Le dit des jeux du monde, dat le tout-Paris gezien wilde hebben. Paul Méral was het pseudoniem van de Gentenaar Herman de Guchtenaere (1895-1946), zoon van een katholieke volksvertegenwoordiger en jeugdvriend van de latere Verdinaso-leider Joris van Severen. Na zijn moment de gloire probeerde Méral – die door vrijwel iedereen die hem kende als een genie werd beschouwd – zijn (literaire) carrière voort te zetten. Al zijn goede voornemens leidden door zijn eigen schuld – drank- en gokverslaving, mythomanie en oplichterij – naar de definitieve ondergang en de artistieke vergetelheid, zijn omgang met bekende schrijvers en kunstenaars als E. du Perron, Jan Greshoff, Sasha Stone en Franz Hellens, ten spijt. »

Traduction rapide par nos soins:

« A la fin de la Première guerre mondiale, le [poète] belge Paul Méral était très connu à Paris. Des artistes célèbres, tels qu’André Gide, Max Jacob, Arthur Honegger et Pablo Picasso, faisaient partie de son cercle d’amis. Il devait cette notoriété au succès de sa pièce de théâtre, Le dit des jeux du monde, connue du tout-Paris. Paul Méral était le pseudonyme d’Herman de Guchtenaere (1895-1946), Gantois, fils d’un député catholique à la chambre et ami d’enfance du futur leader du [parti national socialiste] Verdinaso, Joris van Severen. Après ce moment de gloire, Méral – qui était considéré par tous ceux qui le connaissaient comme un génie – tenta de poursuivre sa carrière littéraire. Toutes ses bonnes intentions furent sabordées par son propre comportement, dépendances à l’alcool et au jeu, mythomanie et escroquerie, et le conduirent définitivement vers l’oubli.  Cela ne l’empêcha pas, néanmoins, de fréquenter des écrivains et des artistes comme E. du Perron, Jan Greshoff, Sasha Stone et Franz Hellens. »

 

Plus d’informations sur le site de l’éditeur: https://www.uitgeverijvrijdag.be/product/2208742/bedelen-bij-picasso

Séminaire en ligne (direct) ce mardi 3 novembre à 18h – « La Commune des Lumières. Portugal 1917-18, une utopie libertaire » – avec Jean Lemaitre, Bruxelles, ULB, CHSG

En raison de l’aggravation de la situation sanitaire, le séminaire du 3 novembre sur « La Commune des Lumières. Portugal 1917-18, une utopie libertaire » avec Jean Lemaitre, aura lieu EN LIGNE, il sera diffusé EN DIRECT sur Facebook (pour le rejoindre, il suffit de cliquer sur la case « Rejoindre l’événement » ci-dessus ou copier dans la barre de recherche de votre navigateur l’adresse suivante : https://www.facebook.com/143293272817126/posts/983077805505331/« ) et sur Youtube (https://www.youtube.com/watch?v=ijkFYOBo8bg).Vous pourrez poster vos questions à notre invité dans les commentaires.Ce séminaire en ligne est l’occasion d’une collaboration avec Radio Campus (émission « Histoire de savoir ») . Invité : Jean Lemaitre – Animation : Francine Bolle (CHSG, ULB), Déborah Fabré (Radio Campus) et Nicolas Verschueren (CHSG, ULB).

 

Le mardi 3 novembre 2020, de 18h à 20h, en ligne (voir ci-dessus), nous accueillerons Jean Lemaître (enseignant retraité, journaliste et écrivain, administrateur au CArCoB) qui viendra nous parler de son dernier ouvrage paru en janvier 2020 (éditions Otium/envie De Lire) « La commune des Lumières » : La Commune des lumières au Portugal fut, en 1917, une expérience de réalisation d’un projet de vie communautaire se réclamant de l’anarcho-communisme. Malgré sa brièveté et le peu de traces écrites qu’elle a léguées, elle a durablement marqué les populations de l’Alentejo. La figure de celui qui en fut le principal instigateur, António Gonçalves Correia, pionner du naturisme et des pédagogies nouvelles, sa vie et ses combats demeurent une référence pour l’ensemble des composantes du mouvement révolutionnaire au Portugal, et ce bien au-delà de celles se réclamant de la tradition libertaire. Jean Lemaître explore cet héritage, entre reportage et fiction, sans négliger les rares archives disponibles. : une expérience de vie communautaire se réclamant de l’anarcho-communisme menée dans la région de l’Alentejo au Portugal, à partir de 1918, et à son instigateur A.G. Correia, pionnier du naturisme et des pédagogies nouvelles.

Lien vers le direct sur Youtube (https://www.youtube.com/watch?v=ijkFYOBo8bg). Pas de compte requis pour regarder, mais pour poster des questions dans les commentaires il faut se connecter (donc avoir/créer un compte gmail)

Lien vers l’événement Facebook : https://www.facebook.com/events/275625873512202/?acontext=%7B%22event_action_history%22%3A[%7B%22mechanism%22%3A%22surface%22%2C%22surface%22%3A%22create_dialog%22%7D]%2C%22source%22%3A5%7D

AC/CFP: « Domestic Politics: Women’s Private Lives and Public Writing in the Mid-Century », edited by Melissa Dinsman, Megan Faragher, and Ravenel Richardson. Deadline: November 1, 2020

The mid-twentieth century saw seismic shifts for British women, including those living under British rule in the colonies, in the public and private spheres. These years are often imagined as a wave of expansion and constriction, with the swelling of economic and political freedoms for women in the 1930s, the cresting of women in the public sphere during the Second World War, and the resulting break as employment and political opportunities for women dwindled in the 1950s when men returned home from the Front. But this narrative needs reexamining. This book aims to revivify studies of the female writers living or working in Britain, or under British rule, during the mid-century while also complicating extant narratives about the divisions between domesticity and politics.

We are looking for essays that explore how women represented the transformation of the quotidian, including the home, employment, family life, religious participation, etc. Specifically, we seek contributions that examine how women writers addressed political and wartime upheaval in the 1930s and 1940s along with the substantial shifts that occurred as war-torn countries attempted to adjust to a fraught peacetime in the 1950s, which also saw domesticity reconceptualized as a form of public duty.

We seek contributions to this volume that engage with a variety of fields including (but not limited to) journalism, photojournalism, fiction, archival discoveries, life writing, poetry, and film. We welcome abstracts that focus on single author or comparative, transnational approaches on the following topics:

  • How politics shaped, limited, and/or expanded women’s domestic experiences in the mid-century
  • The interactions between women and the public sphere, including industry, medicine, education, and politics
  • Transnational writing: travel writing, journalism, ex-patriate accounts
  • The intersectional politics of race, class, and gender in the domestic and public spheres
  • Reconceptualizing the public/private divide in the mid-century
  • Colonial and Commonwealth perspectives

If interested, please send a short bio and an abstract of 300 words to Melissa Dinsman (mdinsman@york.cuny.edu), Megan Faragher (megan.faragher@wright.edu), and Ravenel
Richardson (mrr82@case.edu) by November 1, 2020.

Final chapters of 6000-7500 words will be requested by August 15, 2021.

JE (online): « Perspectives et horizons de l’histoire des sciences humaines et sociales entre 1920 et 1940 », Bruxelles, ULB, mardi 15 septembre, 10h30-12h30

PROGRAMME
10h30
Connexion et accueil des participants

10h45
Marine DHERMY-MAIRAL (Université de Genève)
Construire la connaissance dans un monde incertain (1920-1950)

11h15
Frédéric AUDREN (Sciences Po Paris – ULB)
Les sciences sociales du droit dans l’entre-deux-guerres : des savoirs sans histoire ?

11h45
Ludovic TOURNES (Université de Genève)
Rockefeller fellows as heralds of globalization. The circulation of elites, knowledge and practices of modernization (1920s-1970s)

12h15
Discussion

INFORMATIONS PRATIQUES
QUAND ? mardi 15 septembre 2020, de 10h30 à 12h30
OU ? Sur JITSI (via un lien de connexion et un mot de passe communiqués par mail la veille)
COMMENT ? Inscription par mail
CONTACT
Marie LINOS
mlinos@ulb.ac.be
Doctorante ULB – Mondes modernes et contemporains
FNRS

AC/CFP: “Les arts russes en France aux XXe et XXIe siècles : exporter l’image de soi”, Besançon, Université de Franche-Comté, 11-12 juin 2020. Date limite de soumission: 17 février 2020

Ce colloque international est organisé par le pôle « Arts et littérature » du laboratoire ELLIADD (EA4661), programme 1: Archives littéraires, artistiques et culturelles. Il propose d’étudier la présence des arts russes et soviétiques en France au XXe et XXIe siècles : musique, cinéma, théâtre, ballet, opéra, arts plastiques, photographie et architecture. Y seront évoqués le rôle de l’État dans les mécanismes de diffusion de l’art à l’étranger, les motivations idéologiques, les critères de sélection, la notion d’art d’exportation, les retombées médiatiques, les acteurs de l’action culturelle russe et soviétique.

Les échanges artistiques russes et soviétiques orientés vers la France ont connu au XXe siècle des phases de ruptures ou de ralentissement du fait de relations politiques souvent antagonistes et, bien entendu, de la guerre froide. Ils ont néanmoins été conséquents, et les arts russes présents en France sur scène, dans les lieux d’expositions, au cinéma comme dans une multitude de contextes artistiques.

Malgré l’absence de transparence caractéristique du système institutionnel soviétique, il est possible de dégager une série de mécanismes et de synergies à l’œuvre dans l’action culturelle russe en direction de l’étranger au XXe siècle. Ainsi, une sorte de chaîne (inter)actionnelle se dessine a posteriori : détermination des objectifs par les institutions – organisation concrète des événements – sélection des œuvres – appropriation de la réception française.

Les motivations idéologiques des autorités culturelles soviétiques fluctueront, on le sait, en lien avec le contexte et les enjeux politiques en présence. Elles se trouvent également tout au long de la période soviétique fortement contrecarrées par des éléments d’ordre interne. Ainsi, alors que les rapports entre les différentes institutions chargées des échanges culturels avec l’étranger (rapports de hiérarchie, de collaboration ou de rivalité) s’avèrent complexes, des difficultés de fonctionnement (manque d’argent, manque d’effectifs, etc.) empêchent parfois d’organiser les événements à l’échelle escomptée. Les projets inaboutis restent noyés dans l’opacité du système d’organisation, et la question se pose de savoir dans quelle mesure l’absence de transparence et la « culture du secret » n’étaient pas en partie recherchées pour « couvrir » ce qui avait été mal fait, tout comme pour masquer les défaillances dans la gestion du domaine artistique.

Les critères de sélection des œuvres en direction de l’étranger, et de la France en particulier, dépendent quant à eux du type d’événement visé, de son envergure, de la qualité esthétique des œuvres, du niveau de reconnaissance des artistes et de leur capital symbolique à l’intérieur comme à l’extérieur du pays. Un critère important et omniprésent dans la sélection tient à la notion d’excellence (A. Gide, 1936) requise dans les œuvres montrées à l’étranger, dans le but d’informer à la fois du niveau de maîtrise artistique soviétique, et, par ricochet, de l’excellence de la vie socialiste. La notion d’ « art d’exportation » (“na èksport”) montre enfin une volonté de s’adapter au goût étranger, alors même que les œuvres en question ne sont pas au premier plan à l’intérieur du pays. Il s’agira de déterminer si cette idée de processus de création « pour l’étranger » est attestée par les faits – dans quelles disciplines observe-t-on par exemple des commandes spécifiques, et pour quelles raisons ?

L’analyse précise comme l’examen critique des retombées médiatiques des évènements organisés en France génèrent des effets-retours ou « effets-boomerang » (M. David-Fox ; J.-F. Fayet) sur les futurs choix d’action culturelle – ils structurent l’organisation de ces événements.

Concernant les acteurs de l’action culturelle soviétique, les liens personnels viennent régulièrement compenser la distanciation des liens artistiques officiels entre la France et l’URSS. Des acteurs non institutionnels prennent ponctuellement des rôles très importants dans le processus d’organisation des échanges vers la France. Certains d’entre eux deviennent de véritables « médiateurs » (S. Cœuré, R. Mazuy) dans les affaires artistiques. Nous tenterons d’analyser la nature des liens de ces acteurs privés avec les autorités des deux pays.

En France, l’enseignement des théories artistiques offre une part belle à de nombreux aspects de la culture russe et soviétique (théories de l’acteur, théories du montage, école de ballet, etc.). Quels éléments issus de la création esthétique soviétique elle-même (œuvres, courants, tendances…) ont exercé une influence sur les pratiques artistiques françaises ? Si l’idée d’une influence des arts soviétiques ne paraît pas flagrante, on ne peut ignorer néanmoins l’existence de courants directement inspirés des expériences soviétiques musicales ou théâtrales dans les milieux populaires et pro-communistes français, ou encore, plus largement, l’impact esthétique du constructivisme et des techniques spécifiques de l’art graphique soviétique.

La période suivant 1991 correspondra à celle d’une soudaine facilité de circulation à l’origine de transformations dans les mécanismes d’échanges. Elle pourrait constituer une entrée à part du colloque : comment se décident et s’organisent les événements culturels russes en France depuis 30 ans, quel est le poids relatif des contacts privés dans les initiatives d’échanges ? Peut-on, par ailleurs, parler d’un héritage, par glissements, même partiels, de certains usages soviétiques ? Quel rôle l’État a-t-il conservé dans les mécanismes de diffusion de l’art à l’étranger, avec quel degré d’interventionnisme ? Quels types d’aides sont allouées : fédérales, régionales, privées ? La notion d’excellence se retrouve-t-elle encore dans les critères de sélection ? Enfin, qu’est devenue la notion d’art d’exportation et perçoit-on encore la présence de messages dans les œuvres aujourd’hui sélectionnées ?

Chercheurs et chercheuses issus de toutes les disciplines des sciences humaines et sociales sont invités à nous adresser leurs propositions dans ces thématiques. La littérature a été, à regret et compte tenu de l’ampleur des questions abordées, écartée des disciplines intégrées à notre réflexion, tout comme la production esthétique des artistes de l’émigration. Les communications retenues concerneront : musique, cinéma, théâtre, ballet, opéra, arts plastiques, photographie et architecture, pour les périodes soviétique et post-soviétique.

Modalités de participation

Les propositions de communication, d’un volume maximal de deux pages, peuvent être soumises jusqu’au 17 février 2020,aux adresses suivantes :

  • tatiana.trankvillitskaia@univ-fcomte.fr
  • jasmine.jacq@univ-fcomte.fr

Comité scientifique

  • Marie-Christine Autant-Mathieu (Eur’ORBEM, CNRS Sorbonne Université)
  • Régis Gayraud (CELIS, Université Clermont Auvergne)
  • Jasmine Jacq (ELLIADD, Université de Franche-Comté)
  • Emilia Koustova (GEO, Université de Strasbourg)
  • Pascal Lecroart (ELLIADD, Université de Franche-Comté)
  • Pascale Mélani (CLARE, Université Bordeaux Montaigne)
  • François Robichon (IRHiS, Université de Lille)
  • Serge Rolet (Eur’ORBEM, Université de Lille)
  • Dany Savelli (LLA CREATIS, Université Toulouse – Jean Jaurès)
  • Irina Tcherneva (CERCEC-CNRS)
  • Tatiana Trankvillitskaïa (ELLIADD, Université de Franche-Comté)
  • Dany Savelli (LLA CREATIS, Université Toulouse – Jean Jaurès)

Comité d’organisation

  • Lilia Androsenko, 
  • Jasmine Jacq,
  • Tatiana Trankvillitskaïa

Les articles seront demandés à l’issue du colloque en vue de leur publication.

Lieu du colloque : Auditorium de la MSHE Claude-Nicolas Ledoux, 1 Rue Charles Nodier, 25000 Besançon.

Frais d’inscription à prévoir par participant : 30 euros. Cette contribution pourra être revue à la baisse en fonction des aides institutionnelles obtenues.

 

Colloque : « Le réalisme socialiste du pays des Soviets à celui d’Aragon »

Mercredi 17 avril 14h-19h30

Le réalisme socialiste du pays des Soviets à celui d’Aragon
Centre Pompidou, Petite salle (Forum, niveau -1)


Inventé en URSS, le réalisme socialiste a connu auprès des artistes étrangers une réception particulière : ceux-ci l’ont interprété de façon singulière, s’écartant du modèle soviétique. Articulées à la perspective historique française, qui s’achève avec l’« afaire » du portrait de Staline par Pablo Picasso (1953), diverses contributions proposent une relecture de cette histoire au filtre de différents contextes internationaux – France, Italie, Grande-Bretagne et Europe de l’Est.

Les langues de travail du colloque seront le français et l’anglais

Programme :

14h00-14h10

Introduction
Nicolas Liucci-Goutnikov, Conservateur au Centre Pompidou, Musée national d’art moderne

14h10-16h40
Le réalisme socialiste à la française
Modératrice, Sarah Wilson, Professeure en histoire de l’art, Courtauld Institute, Londres

Aragon, Coller au réalisme
Daniel Bougnoux, Professeur émérite, Université Stendhal de Grenoble

Heures chaudes et matins tièdes. Les peintres de la Maison de la culture, 1932-1939
Samuel Dégardin, Docteur en histoire de l’art, Université de Lille

1952 : Miailhe et Taslitzky, deux peintres communistes en Algérie française
Isabelle Rollin-Royer, Directrice de Univers MENTOR, Paris

La correspondance entre André Fougeron et Ewa Garztecka
Mathilde Arnoux, Directrice de recherche au Centre allemand d’histoire de l’art, Paris

Exhibition of Contemporary French Art in Warsaw (1952) and Its Reconstructions
Karolina Zychowicz, Chercheuse à la Galerie d’art nationale Zachęta, Varsovie

16h40-17h00 Pause

17h00-19h00

Perspectives internationales du réalisme socialiste
Modératrice Marija Podzorova, Ingénieure de recherche, EUR ArTeC

Artists Against Fascism and War, Exhibition in London, 1935
Maria Mileeva, Co-directrice de Cambridge Courtauld Russian Art Centre, Londres

The Battle of Dustjackets: Eastern Europe as Socialist Europe
Katarzyna Murawska-Muthesius, Associate Lecturer at Birkbeck College, University of London

Beyond Guernica: Italian Artists in the Communist Party, 1944-1953
Juan José Gómez Gutiérrez, Associate Lecturer at University of the Basque Country

Aspects of Two Cultures. Clements Greenberg Reads Vladimir Kemenow
Sergey Fofanov, Chercheur à la Galerie Tretiakov, Moscou

19h00-19h30
Allocution finale prononcée par Sophie Coeuré, Professeure d’histoire, Université Paris Diderot – Paris 7.

Journée d’études « Art Prolétarien, Art Introuvable ? »

 

La journée d’études placée sous la direction d’Erika Dupont (IRHiS, UdL), François Robichon (IRHiS, UdL) et Paul Aron (Centre Philixte, UlB) se déroulera au laboratoire IRHiS de l’université de Lille (Site du Pont-de-Bois) le mercredi 20 juin 2018 à partir de 9h30.

 

Téléchargez l’affiche et le dépliant du programme (design de Samuel Dégardin, doctorant IRHiS, UdL) :

 

CALL FOR PAPERS : ART PROLÉTARIEN, ART INTROUVABLE ?

 

L’université de Lille (laboratoires CECILLE et IRHIS) et l’Université Libre de Bruxelles se proposent d’organiser une journée d’études consacrée à l’art prolétarien de la période 1919-1939.

A la suite du colloque sur l’Art social en France de la Révolution à la Grande Guerre, organisée en juin 2011 par l’INHA, une première rencontre consacrée à l’art prolétarien avait été organisée en 2012 par le Groupe de contact « Relire l’entre-deux-guerres » au Musée des Années 30 de Boulogne-Billancourt.

Alors que les travaux sur l’art de l’entre-deux-guerres se multiplient avec des approches originales sur l’art naïf (exposition Uhde au LAM en 2017), sur les arts coloniaux (colloque prévu en 2018 par l’INHA), l’art prolétarien reste absent tant dans la littérature artistique sur l’entre-deux-guerres que dans les expositions temporaires et collections permanentes.

Une soixantaine d’artistes français peuvent être catalogués comme prolétariens, exposant régulièrement dans des salons et galeries, mais aussi sur des lieux de travail, à l’image des réalisations ouvrières dans les usines pendant le Front populaire.

C’est au cours des années 1930 que se construit en France un « art prolétarien » qui fait suite au développement d’une littérature prolétarienne dont la définition reste indécise. Si les présupposés idéologiques de la notion de « prolétarien » vont être « soviétisés » à la suite de la conférence de Kharkov en 1930, le monde artistique français issu des milieux populaires va pourtant rester distant aussi bien du « réalisme socialiste » que du « populisme » et inventer de nouvelles pratiques artistiques sur le mode collectif.

En élargissant aux pays voisins de la France, comparables par leur situation politique (Angleterre, Belgique, Pays-Bas et Allemagne avant 1933), cette journée d’études confrontera l’avancée des recherches dans les différents pays représentés et l’état de conservation du patrimoine prolétarien (peinture, gravure, sculpture). Elle s’intéressera dans une approche transdisciplinaire aux questions théoriques et idéologiques constitutives d’un « art prolétarien », qu’il soit littéraire ou plastique.

Propositions de communication à transmettre à Erika Dupont à l’adresse dupont.erika@gmail.com avant le 16 février 2018.

La journée se déroulera au laboratoire IRHiS de l’université de Lille – SHS le 20 juin 2018.

Organisateurs de la journée :

Laboratoire IRHiS, Université de Lille – SHS : François Robichon et Erika Dupont

Centre Philixte, Faculté LTC de l’Université libre de Bruxelles : Paul Aron

Avec la contribution du laboratoire CECILLE, Université de Lille – SHS

 

CFP: European Museums in the Interwar Years (Torino, 7-10 Feb 18)

Museums in Europe in the Interwar Years. The Madrid Conference of 1934:
An International Debate

International Conference

 

The International Conference « Muséographie, architecture et aménagement de musées d’art, » organised in Madrid in October 1934, was a turning point in the reflection on museum arrangement and display practices in Europe and the United States, a debate that was already central to the work of the newly founded Office International des Musées which promoted it. As the pages of Mouseion journal, the institution bulletin whose publication had started in 1927, the conference proceedings constituted a repertoire of the topics under examination in the most recent museum studies and a handbook for state-of-the-art arrangements also overseas. For the first time, museums and displays pertaining to different fields of knowledge could be compared, from art history, to archaeology, to anthropology. The subjects systematically addressed ranged from artificial lighting, to the survey of the visitors’ reactions and duration of their visit. Moreover, the creation of scientific and restoration laboratories, along with libraries, within museum spaces was highly recommended. A few years after the first world conference of library science (Rome 1929), the close relations between libraries and museum institutions was indeed one of the themes the new museology was focusing on.

Although recently already considered in some international studies, the matters dealt with in the Conference, as well as their reception, can be further delved into with a premium on disciplinary circularity. The anastatic edition we are working on and which will be available by the date of the symposium, improved with annotated indices that help its consultation, is intended as a tool for documentation and study of the debate on museums.

At almost a century from the Conference, this symposium proposes a series of considerations on a broad spectrum that relate different disciplinary paths to the critical debate on the identity and purposes of museums, also offering new perspectives on the contemporary world.

The proposals, which could revolve around both single permanent and temporary exhibitions, and diachronic analyses, may concern the following areas:

– Time and museums: contextual museums and new museums between tradition and modern innovation.
– Museums and nations: policies, delegations and stakeholders. The critical debate.
– Museums and the disciplines of knowledge: new narratives, types and forms.
– Museums and spaces: display practices and museum technology.
– The Museum and its visitors: exhibitions, dissemination and reception.
– Behind the scenes: documentation and communication. Archives, libraries, photographic archives, restoration.

Interested applicants are kindly invited to submit an abstract of maximum 2000 characters including spaces, either in Italian or in English, by 20th October 2017 to the following address: convegnomuseographie@gmail.com

After the Scientific Committee’s selection, the accepted applicants will be notified via email by 30th November 2017.

Conference organised by:
Elena Dellapiana (Politecnico di Torino)
Maria Beatrice Failla (Università degli Studi di Torino)
Franca Varallo (Università degli Studi di Torino)

Scientific committee:
Giampiero Bosoni, Maria Ida Catalano, Silvia Cecchini, Paola D’Alconzo, Michela di Macco, Patrizia Dragoni, Anna Maria Ducci, Antonella Gioli, Valeria Meirano, Susanne Meyer, José Luis De la Nuez Santana, Almudena Perez de Tudela, Cecilia Pennacini, Chiara Piva, Dominique Poulot, Federica Rovati, Maurizio Vivarelli, Francesca Zanella, Stefania Zuliani.

Research group:
Silvia Cammarata, Jennifer Cooke, Costanza Giai, Alessandra Giovannini Luca, Beatrice Zanelli

Call for papers: Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism

Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism (Plymouth,
22-23 Mar 18)

Plymouth College of Art, March 22 – 23, 2018
Deadline: May 31, 2017

Seeking the Marvellous: Ithell Colquhoun, British Women and Surrealism

22-23 March 2018, Plymouth

Call for papers – deadline 31 May, 2017

Seeking the Marvellous is a two-day interdisciplinary symposium that will examine the work of Ithell Colquhoun (1906 – 1988) and other women connected both with Surrealism and with Britain. It is organised by Plymouth College of Art in partnership with the Black Mirror research network and will be held in Plymouth on 22 and 23 March 2018.

During her lifetime, Colquhoun was widely respected, both as an artist and an occultist but since her death her oeuvre has been largely lost from public view. Her intellectual and artistic contributions to Surrealism and to British modernism and occultism have seen some scholarly attention, but hardly any extensive investigation.

This symposium seeks to re-examine Colquhoun and her place in art history and in the history of occultism from a variety of perspectives.
We are also interested in papers on other female artists connected with Surrealism in Britain; these might include Eileen Agar, Valentin
Penrose and Leonora Carrington to name but a few. ‘British’ might also include those who lived or worked in Britain as well as those with British nationality. In all cases, consideration should be paid to the polyvalent dialogues enacted between women artists and Surrealism in the British and/or other national contexts.

Our time frame is 1900 – 1980 and we welcome contributions on the visual and performative arts including painting, drawing, sculpture, photography, film, design, fashion, theatre, dance and music. We are especially interested in work which examines the connections between artists and the magical or the occult, and/or in women who were prominent figures during their lifetimes but whose work and reputations have become obscured or occulted since their deaths. We welcome papers from all disciplinary and theoretical backgrounds, including gender and queer theory and postcolonial approaches.

The symposium will be held in Plymouth, close to Cornwall where
Colquhoun lived and worked for much of her life. We hope to include new local documentary material about Colquhoun.

Keynote speakers will include renowned international experts Susan
Aberth and Victoria Ferentinou.

Please send abstracts of not more than 400 words by 31 May 2017 to Judith Noble at jnoble@pca.ac.uk.

Include the following details: name and surname, affiliation, contact
email address, and a short biography, including details of most recent publications.

Conference Organising Committee:https://re2g.hypotheses.org/wp-admin/post-new.php
Associate Professor Judith Noble (Plymouth College of Art)
Dr. Tessel M. Bauduin (University of Amsterdam)
Assistant Professor Victoria Ferentinou (University of Ioannina)
Dr. Kristoffer Noheden (Stockholm University)
Associate Professor Dominic Shepherd (Arts University Bournemouth)
Professor Susan Aberth (Bard College)
Tilly Craig, Conference Assistant

CONFERENCE: Max Beckmann. Welttheater (Potsdam, 29 Mar 17)

 Max Beckmann. Welttheater (Potsdam, 29 Mar 17)

Museum Barberini, Potsdam, 29.03.2017
Registration deadline: Mar 29, 2017

Symposium zur Ausstellung

« Max Beckmann. Welttheater »

Max Beckmann, Apachentanz, 1938, Öl auf Leinwand, 171,50 x 151 cm, Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen / Foto: Lars Lohrisch, © VG Bild-Kunst, Bonn 2017

29. März 2017, 10–18 Uhr
Museum Barberini, Alter Markt, Humboldtstr. 5–6, 14467 Potsdam

Viele Gemälde Max Beckmanns (1884–1950) zeigen die Welt des Theaters,
Zirkus und Varietés. Im Rollenspiel sah er ein Modell menschlicher
Grunderfahrungen. Er nahm die Position des Zuschauers ein und
inszenierte das Bild als Bühne. Das Zurschaustellen trieb ihn an.

Das Symposium findet statt in Kooperation mit der Kunsthalle Bremen. Es
bereitet die Ausstellung vor, die vom 30. September 2017 bis zum 4.
Februar 2018 in der Kunsthalle Bremen und vom 24. Februar bis zum 10.
Juni 2018 im Museum Barberini in Potsdam zu sehen ist.

Programm:

10.00 Uhr Begrüßung
Ortrud Westheider, Museum Barberini
Christoph Grunenberg, Kunsthalle Bremen

10.15 Uhr Vom Theatrum mundi zur Schaubude. Beckmanns Idee des
Welttheaters
Eva Fischer-Hausdorf, Kunsthalle Bremen

11.15 Uhr Max Beckmanns Malerei als Zurschaustellung
Ortrud Westheider, Museum Barberini

12.15 Uhr Mittagspause

14.00 Uhr Clowns, Tiere und Artisten. Beckmanns Passion für den Zirkus
im Spiegel seiner Skizzenbücher
Christiane Zeiller, Max Beckmann Archiv, München

15.00 Uhr Max Beckmanns Triptychen als Bühnen-Bilder
Lynette Roth, Busch- Reisinger Museum, Harvard Art Museums, Cambridge
(USA)

16.00 Uhr Kaffeepause

16.30 Uhr Zwischen Katastrophenerfahrung und Weltanschauung. Zum
Welttheater in der Literatur
Irene Pieper, Universität Hildesheim

17.30 Uhr Parodie, Experiment und Selbstbehauptung. Die Dramen Max

Beckmanns
Sebastian Karnatz, Bayerische Verwaltung der staatlichen Schlösser,
Gärten und Seen, München

18.30 Uhr Empfang

Unkostenbeitrag € 10,– / Freier Eintritt für Studierende
Online-Tickets sind unter www.museum-barberini.com buchbar. Tickets sind zudem am Tag des Symposiums an der Museumskasse erhältlich.

JEAN MARTIN (1911–1996). De l’atelier à la scène

25 JUIN > 9 OCTOBRE 2016

Martin-Piscine-affiche

Fils d’ouvriers, le Lyonnais Jean Martin (1911-1996) développe en autodidacte une pratique assidue du dessin et de la peinture, jusqu’à sa rencontre déterminante, dans les années 1920, avec le peintre Lucien Féchant et le sculpteur Georges Salendre.

Présent pour la première fois au Salon d’Automne en 1933, au Salon du Sud-Est à partir de 1934, puis au Salon des indépendants à Paris à partir de 1935, il expose en 1938 à la galerie Billiet-Vorms à Paris, aux côtés de Georges Rohner ou de Jean Lasne, avec le groupe Nouvelle Génération, ultime manifestation des « Forces Nouvelles », créées autour du critique d’art Henri Héraut en 1935. Durant l’Occupation, Jean Martin expose régulièrement à la galerie Folklore de son ami Marcel Michaud à Lyon ainsi qu’à la galerie Jouvène à Marseille, puis, de 1945 à 1947, à la galerie de Katia Granoff à Paris. Il participe en outre, en 1940, avec Marc Barbezat, à la naissance de la revue d’avant-garde L’Arbalète, dont il dessine la première de couverture.

En 1946, il s’installe à Paris et travaille pour le théâtre et la télévision. Au début des années cinquante, il s’oriente définitivement vers la tradition médiévale, travaille à la tempera et crée des images empreintes d’idéal roman et byzantin, proches d’une inspiration surréaliste ou symboliste. Il ouvre rue Saint-Sulpice, la galerie A.T.C. (Art et Tradition Chrétienne), où il promeut peintres, sculpteurs, potiers, dinandiers et tisserands et joue un rôle important dans le renouveau de l’art sacré en France à l’heure de la Reconstruction.

Avec cette exposition organisée à l’initiative de l’association « Mémoire du peintre Jean Martin », les donations consenties à La Piscine par la famille en 2011 et 2013 seront mises en exergue et replacées au sein du parcours artistique d’un peintre original, attaché à la question de l’objet et du décor.

En 2011, furent données trois grandes toiles emblématiques du style réaliste et expressionniste de Martin durant l’entre-deux-guerres, marqué par le XVIe siècle allemand, mais aussi par l’expressionisme contemporain belge. Dans les œuvres de cette période, traversées par une évidente inquiétude et une grande sensibilité aux difficultés et aux drames de la vie, les silhouettes des personnages, très étirées, et souvent comme dégingandées ou démantibulées à la manière de mannequins, évoquent pour Katia Granoff certaines figures du Greco ou de Picasso. Parmi elles, L’Exilé qui, dans une composition dont l’ambition politique touche à l’évidence au sacré, représente un jeune déserteur allemand persécuté par le régime nazi et recueilli à Lyon par Martin.

Deux ans plus tard c’est un ensemble significatif de dessins préparatoires, maquettes, photographies et documents qui a intégré les collections roubaisiennes et permet d’évoquer la contribution du peintre dans le domaine du décor et du costume. Auteur de 1947 à 1954 de nombreux décors, masques et postiches, costumes et statues pour le théâtre, notamment pour les compagnies de Pierre Blanchar, Raymond Hermantier, Jean-Marie Serreau et Louis Jouvet (pour lequel il collabore avec Christian Bérard), Jean Martin est nommé en 1949 directeur artistique, avec Raymond Hermantier et François Chatelard, du VIe Centenaire du rattachement du Dauphiné à la France et dessine masques, costumes et géants pour le défilé organisé à Valence. Il conçoit enfin en 1970 et 1971, pour « La Chronique des Siècles » de France 2, décors et costumes.

Commissariat général : Alice Massé, Conservatrice adjointe de La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent de Roubaix

Commissariat scientifique : Jean-Christophe Stuccilli, Attaché de conservation au musée des Beaux-Arts de Lyon, chargé de relations avec l’enseignement supérieur

Lien de l’exposition ici

Consulter l’ouvrage en ligne ici

 

APPEL À COMMUNICATIONS : Bibliographies de critiques d’art francophones

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Une nouvelle histoire de la critique d’art à la lumière des humanités numériques ? (du milieu du XIXe siècle à l’Entre-deux-guerres)

Colloque organisé par Anne-Sophie Aguilar (Paris 1, HiCSA), Eléonore Challine (ENS Cachan), Christophe Gauthier (Ecole nationale des Chartes), Marie Gispert (Paris 1, HiCSA), Gérald Kembellec (CNAM), Lucie Lachenal (Paris 1, HiCSA), Eléonore Marantz (Paris 1, HiCSA), Catherine Méneux (Paris 1, HiCSA).

Paris, 18 et 19 mai 2017

APPEL À COMMUNICATIONS

 

Compris dans un premier temps comme un simple outil d’une  histoire de la réception des œuvres, les écrits relevant de la critique d’art ont souvent été cités sans tenir compte du contexte de leur énonciation et surtout de l’identité de leurs auteurs. Si les études monographiques de qualité se sont récemment multipliées, on observe que la médiation des connaissances sur la critique d’art continue de passer par des corpus fragmentés et des anthologies. Aujourd’hui, les outils numériques permettent d’aller plus loin, et de proposer des modèles d’organisation et de diffusion du savoir qui envisagent différemment la critique d’art, loin de son statut de simple marginalia de l’œuvre commentée. Partant de ce constat, le programme de recherche Bibliographies de critiques d’art francophones (Labex CAP, HeSam université, Université Paris 1) lancera à la fin de l’année 2016 un site proposant non seulement la bibliographie complète d’auteurs ayant exercé la critique d’art mais donnant également la possibilité de faire des recherches par champ (date, revue, auteur, etc.).

Plus qu’un simple outil documentaire, ce futur site permet de revoir en profondeur la manière d’aborder la critique d’art et les critiques d’art. Non discriminant, puisqu’il ne prévoit pas de typologie ou de classement autre que le support de diffusion du texte (article, ouvrage ou chapitre d’ouvrage), interdisciplinaire, ce site ne vise pas à l’appréciation de la valeur critique du texte – éminemment subjective – au profit d’une vision d’ensemble de la production littéraire des auteurs concernés, quel que soit le champ artistique sur lequel leur regard s’est porté (photographie, cinéma, beaux-arts, architecture, etc.). Il permet ainsi une approche renouvelée à la fois de la production critique de chaque auteur – aucun texte ne prenant le pas sur un autre – et sur la critique d’art en général dont le champ se voit élargi à une grande diversité à la fois d’objets et de supports. Ce sont ces renouvellements, qui sont également des questionnements théoriques, que le colloque se propose d’aborder selon quatre axes.

  1. Faire carrière

Privilégiant les critiques d’art à la critique d’art, le site affirme tout d’abord une approche monographique qui pose un certain nombre de questions. Prendre en compte l’ensemble des écrits d’un auteur ayant exercé la critique en envisageant le temps long permet ainsi de s’interroger sur son positionnement dans un champ, littéraire, artistique, voire commercial pour les arts qui sont aussi des produits de consommation, et sur l’évolution de ce positionnement. Peut-on, à proprement parler, utiliser le terme de « carrière » pour un critique et comment en déterminer les étapes à la fois professionnelles et intellectuelles ? Comment cette « carrière » peut-elle se construire face à la nécessité de rendre compte d’une actualité artistique toujours plus dense ? Peut-on, pour des domaines plus neufs ou plus techniques comme ceux de l’architecture, du cinéma ou de la photographie, véritablement parler de critique d’art professionnel ?

  1. Masse critique

Proposer des bibliographies à finalité exhaustive suppose de prendre en compte l’ensemble des écrits d’un critique dans une approche qui ne soit plus qualitative mais quantitative. La « masse critique » ainsi dégagée suppose une réévaluation des corpus. Dans quelle mesure permet-elle une réflexion sur la place de certains textes, non plus donnés isolés mais réinscrits dans une histoire et dans un corpus, dans une sorte de génétique de la critique qui permettrait de déconstruire certains mythes fondateurs. Comment ces textes ont-il pu faire l’objet de refonte et de réédition et avec quelles conséquences ? Mais cette masse critique peut engager également à une approche statistique ou plus sociologique, posant la question de la constitution d’une expertise et de l’existence d’une « critique moyenne ».

  1. Nouveaux corpus

Au sein de cette « masse critique », certains types de textes ou de supports souvent minorés retrouvent leur place dans la production d’un critique. La confrontation de bibliographies exhaustives permet ainsi de mettre en lumière une nouvelle manière de faire de la critique d’art à cette période et pose la question des supports et formes de publication. Quelles sont les nouvelles formes que prend cette critique d’art, enquêtes ou interviews d’artistes ou de collectionneurs par exemple ? Quel est le rôle joué par les préfaces de plus en plus nombreuses écrites par les critiques d’art dans les catalogues de revues et comment leur étude peut-elle permettre de réfléchir par des cas concrets au fameux système « marchand critique » ? Du côté des supports, on peut s’interroger sur la place prise par les quotidiens dans le champ critique mais aussi sur la manière dont s’articulent, pour l’architecture, le cinéma ou la photographie, écrits dans les revues techniques et écrits dans les revues artistiques.

 

  1. Au-delà de la critique d’art

Interdisciplinaire, la base/le site met également en lumière la polygraphie essentielle des auteurs ayant pratiqué la critique. Souvent touche-à-tout, ils s’intéressent à des domaines très différents, fréquemment dictés par l’actualité, ce que permet de montrer une bibliographie exhaustive. Cependant, une fois ce constat posé, la confrontation entre les textes continue de poser un certain nombre de questions. Existe-t-il encore des champs spécifiques, par exemple pour les arts décoratifs ? Le fait d’écrire sur plusieurs media suppose-t-il une certaine analogie dans la structuration de nouveaux champs ? Comment évolue l’idéal d’unité des arts à la lumière de ces écrits sur l’art et de leurs supports ? Y a-t-il une approche spécifique d’ensembles nouveaux, de pratiques nouvelles, qu’elles soient considérées ou non comme artistiques, par exemple dans le champ politique ?

Les propositions de communication, d’une page maximum, et indiquant les principales sources utilisées, sont à adresser avec un CV avant le 2 novembre 2016 à :

Anne-Sophie Aguilar (anso.ag@free.fr)Eléonore Challine (eleonore.challine@ens-cachan.fr), Christophe Gauthier (christophe.gauthier@enc-sorbonne.fr), Marie Gispert (marie.gispert@wanadoo.fr), Lucie Lachenal (lucielachenal@free.fr), Eléonore Marantz (eleonore.marantz-jaen@univ-paris1.fr) et Catherine Méneux (catherine.meneux@orange.fr).

Les réponses seront communiquées au plus tard le 9 janvier 2017.

Journée d’étude à Rome les 9 et 10 juin 2016 – Images of the Body: First World War and its Aftermath

Images of the Body: First World War and its Aftermath

Deutsches Historisches Institut in Rom, Via Aurelia Antica, 391, I-00165 Roma, June 9 – 10, 2016

This workshop aims at examining the centrality of the body in the narration, representation, experience and understanding of the First World War.

It will take into account individual bodies in war, as they were compelled in the trenches, wounded, dispersed, exhausted, mutilated, or killed. As well, it will consider how those bodies came to symbolize the national community as a whole. Therefore, the workshop approaches the topic by paying attention to both the war and the home front, to both wartime and post-war societies.

The main idea is to involve historians, art historians and visual culture historians to reflect upon specific key-questions concerning the representation of bodies during and a er the First World War.

PROGRAMME

Thursday, 9 June

10:30 Martin Baumeister (Director, DHI Rome)
Welcome

10:40 Martina Salvante (Rome)
Introduction

I – The Male Body Revisited
Chair: Annette Becker (Paris)

11:00 Sarah Kinzel (Berlin)
Expulsion from Paradise. Representations of the human body in early 20th
century painting

11:30 Monica Cioli (Rome)
From Man at War to Machine Man. The Evolution of the Body in the 1920s

12:15 coffee break

12:30 Flavia Marcello (Melbourne)
Art, Architecture and the Body of the Soldier in Marcello Piacentini’s
Casa Madre dei Mutilati in Rome

13:15 lunch break

II – Memorializing the Body
Chair: Martina Salvante (Rome)

14:30 Martin Baumeister (Rome)
Filling the big void: mourning fallen soldiers and the thirst of
representation

15:00 Paolo Nicoloso (Trieste)
Memory Strategies: Ossuaries on the Eastern Italian Border

18:00 Keynote Lecture
Michael Diers (Berlin)
Fragments. Politics and Aesthetics of the Body in Pieces

19.00 Reception

Friday, 10 June

III – Wounded and Dead Bodies
Chair: Martin Baumeister (Rome)

APPEL À COMMUNICATION : SURRÉALISME ET ARTS PREMIERS

SURRÉALISME ET ARTS PREMIERS

 

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Workshop au Centre allemand d’histoire de l’art, Paris, 10 octobre 2016. Avec le soutien de l’Agence Nationale de la Recherche au titre du programme d’investissements d’avenir du laboratoire d’excellence  Labex Arts-H2H (ANR-10-LABX-80-01). Conception: Julia Drost, Fabrice Flahutez et Martin Schieder

Quand, en mai 1936, la galerie Charles Ratton présente l’ »Exposition surréaliste d’objets », cette exposition cherche à démontrer la capacité du surréalisme de transfigurer le réel, sans pour autant le métamorphoser. Les objets exposés – objets mathématiques, objets trouvés et interprétés, objets d’Amérique ou d’Océanie – sont tous des objets qui n’ont reçu aucune modification, aucune transformation et sont, quand même, élevés au rang du merveilleux surréaliste. Comme le dira André Breton dans le « Dictionnaire abrégé du Surréalisme » en 1938 : ce sont les poètes qui en font un « objet usuel promu à la dignité d’objet d’art par le simple choix de l’artiste ». De nombreuses études et la récente exposition « Le surréalisme et l’objet » du Musée national d’art moderne, Centre Pompidou en 2013, ont depuis souligné le paradoxe inhérent entre le domaine du rêve et de l’imaginaire d’un côté et la réalité matérielle de l’autre.

Dans le cadre d’un workshop, nous nous proposons de nous intéresser tout particulièrement à l’objet « sauvage ». Celui-ci, qu’il vienne d’Océanie, d’Afrique ou d’Amérique du Nord, prend une place importante non seulement dans le surréalisme, mais aussi dans les collections des poètes et des artistes. Au-delà de leur magie, ces objets possèdent une valeur d’échange concrète. Roland Tual, le premier gérant de la galerie Surréaliste qui ouvre ses portes en 1926, est en contact avec les marchands berlinois des arts premiers Hildebrand Gurlitt et Karl et Josef Nierendorf pour le commerce des objets océaniens et africains.
Paul Eluard est toujours à la recherche d’objets qu’il peut revendre à des marchands parisiens tel Charles Ratton. La correspondance avec Gala témoigne du fait que le collectionneur vise la revente des objets dès son premier achat. André Breton, considère également ces objets, en dehors de toute qualité esthétique, comme éléments d’une activité de courtage, dont il vit.
Notre workshop propose d’étudier ces aspects moins connus de la fascination pour les arts premiers. Les surréalistes contribuent à transformer les régimes de valeur de ces objets entre leurs qualités imaginaires surréalistes et leur réception occidentale. L’analyse des collections des poètes et artistes surréalistes, nous aidera à mieux comprendre comment la vie et l’art sont, de cette façon, étroitement liés. Par exemple, quelle est la place d’un marchand comme Julius Carlebach dans l’économie autant complexe que subtile de la vente d’œuvres de surréalistes et d’objets extra-occidentaux ? Comment la discipline de l’ethnologie évolue-t-elle au regard du surréalisme? La disposition muséale des collections ethnologiques représente-t-elle des sources d’inspiration pour les collections des surréalistes ? Quels types de rapport entretien le surréalisme avec les arts d’ailleurs ?
La journée d’études s’adresse notamment aux jeunes chercheurs. Elle s’inscrit dans le cadre d’un programme de recherché intitulé « Le surréalisme au regard des galeries, des collectionneurs et des médiateurs, 1924-1959 » et fait suite aux journées d’études intitulées « Le monde au temps des surréalistes » (7 et 8 novembre 2014) et « Le Surréalisme dans l’Europe de l’entre-deux-guerres » (11 et 12 mars 2016) qui se sont déroulées au Centre allemand d’histoire de l’art à Paris.

Un appel à candidature est lancé jusqu’au 15 juin 2016. Les intéressés devront envoyer une courte présentation de leur projet (maximum une page) en langue anglaise, allemande ou française, ainsi qu’un bref cv.

Julia Drost, Centre allemand d’histoire de l’art, Paris
(jdrost@dfk-paris.org)
Fabrice Flahutez, Université Paris Ouest Nanterre La Défense
(fflahutez@u-paris10.fr)
Martin Schieder, Universität Leipzig (schieder@uni-leipzig.de)