Catégorie : Expositions

25 JUIN > 9 OCTOBRE 2016

Fils d’ouvriers, le Lyonnais Jean Martin (1911-1996) développe en autodidacte une pratique assidue du dessin et de la peinture, jusqu’à sa rencontre déterminante, dans les années 1920, avec le peintre Lucien Féchant et le sculpteur Georges Salendre.

Présent pour la première fois au Salon d’Automne en 1933, au Salon du Sud-Est à partir de 1934, puis au Salon des indépendants à Paris à partir de 1935, il expose en 1938 à la galerie Billiet-Vorms à Paris, aux côtés de Georges Rohner ou de Jean Lasne, avec le groupe Nouvelle Génération, ultime manifestation des « Forces Nouvelles », créées autour du critique d’art Henri Héraut en 1935. Durant l’Occupation, Jean Martin expose régulièrement à la galerie Folklore de son ami Marcel Michaud à Lyon ainsi qu’à la galerie Jouvène à Marseille, puis, de 1945 à 1947, à la galerie de Katia Granoff à Paris. Il participe en outre, en 1940, avec Marc Barbezat, à la naissance de la revue d’avant-garde L’Arbalète, dont il dessine la première de couverture.

En 1946, il s’installe à Paris et travaille pour le théâtre et la télévision. Au début des années cinquante, il s’oriente définitivement vers la tradition médiévale, travaille à la tempera et crée des images empreintes d’idéal roman et byzantin, proches d’une inspiration surréaliste ou symboliste. Il ouvre rue Saint-Sulpice, la galerie A.T.C. (Art et Tradition Chrétienne), où il promeut peintres, sculpteurs, potiers, dinandiers et tisserands et joue un rôle important dans le renouveau de l’art sacré en France à l’heure de la Reconstruction.

Avec cette exposition organisée à l’initiative de l’association « Mémoire du peintre Jean Martin », les donations consenties à La Piscine par la famille en 2011 et 2013 seront mises en exergue et replacées au sein du parcours artistique d’un peintre original, attaché à la question de l’objet et du décor.

En 2011, furent données trois grandes toiles emblématiques du style réaliste et expressionniste de Martin durant l’entre-deux-guerres, marqué par le XVIe siècle allemand, mais aussi par l’expressionisme contemporain belge. Dans les œuvres de cette période, traversées par une évidente inquiétude et une grande sensibilité aux difficultés et aux drames de la vie, les silhouettes des personnages, très étirées, et souvent comme dégingandées ou démantibulées à la manière de mannequins, évoquent pour Katia Granoff certaines figures du Greco ou de Picasso. Parmi elles, L’Exilé qui, dans une composition dont l’ambition politique touche à l’évidence au sacré, représente un jeune déserteur allemand persécuté par le régime nazi et recueilli à Lyon par Martin.

Deux ans plus tard c’est un ensemble significatif de dessins préparatoires, maquettes, photographies et documents qui a intégré les collections roubaisiennes et permet d’évoquer la contribution du peintre dans le domaine du décor et du costume. Auteur de 1947 à 1954 de nombreux décors, masques et postiches, costumes et statues pour le théâtre, notamment pour les compagnies de Pierre Blanchar, Raymond Hermantier, Jean-Marie Serreau et Louis Jouvet (pour lequel il collabore avec Christian Bérard), Jean Martin est nommé en 1949 directeur artistique, avec Raymond Hermantier et François Chatelard, du VIe Centenaire du rattachement du Dauphiné à la France et dessine masques, costumes et géants pour le défilé organisé à Valence. Il conçoit enfin en 1970 et 1971, pour « La Chronique des Siècles » de France 2, décors et costumes.

Commissariat général : Alice Massé, Conservatrice adjointe de La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent de Roubaix

Commissariat scientifique : Jean-Christophe Stuccilli, Attaché de conservation au musée des Beaux-Arts de Lyon, chargé de relations avec l’enseignement supérieur

Lien de l’exposition ici

Consulter l’ouvrage en ligne ici

Présentation par le musée : Peintre, dessinateur, illustrateur et surtout « maître graveur », le Belge Frans Masereel (1889-1972) est sans conteste l’un des artistes ayant le plus admirablement usé de son art pour défendre la paix et la liberté. L’exposition, organisée dans le cadre de la célébration du centenaire de la Première Guerre mondiale, se focalisera sur une période qui marque le plein épanouissement artistique de Masereel. Les oeuvres présentées permettront de découvrir deux facettes contrastantes du travail de cet artiste. D’une part, les gravures réalisées pendant la Grande Guerre qui, de par leur aspect sombre et agressif, traduisent l’obscurité de ces années. D’autre part, les peintures et aquarelles datant de l’après-guerre, où la palette de couleurs, légère et lumineuse, reflète la gaieté retrouvée pendant les Années folles. Retraçant ainsi quinze années de carrière de Frans Masereel, l’exposition permettra surtout de découvrir cette période marquante de notre Histoire à travers le regard de l’un des plus remarquables artistes belges du XXe siècle.

Plus d’infos : http://wittockiana.org

Présentation par le musée:

“The Stedelijk Museum Amsterdam presents Kazimir Malevich and the Russian Avant-Garde, with selections from the Khardzhiev and Costakis collections, the largest survey in twenty years devoted to the work of the Russian avant-garde pioneer Kazimir Malevich (1879–1935).

The Stedelijk Museum Amsterdam holds the largest collection of Malevich’s work outside of Russia, which was the subject of a large-scale exhibition at the museum in 1989. Kazimir Malevich and the Russian Avant-Garde is a tribute to the artist and his contemporaries, as well as the culmination of 2013 as the year celebrating Dutch–Russian relations in the Netherlands.

The exhibition is co-produced with Tate Modern, London, and the Art and Exhibition Hall of the Federal Republic of Germany (Bundeskunsthalle), Bonn, where it will travel in 2014. Each venue explores Malevich’s rich career from distinctive vantage points, focusing on different aspects of the artist’s remarkable career, including the context in which he formed his unique language, the radicality of his artistic trajectory, and his later return to landscapes and figures. Seen in their totality, these exhibitions thus provide the unprecedented opportunity to reassess one of the defining figures of twentieth-century modernism.

Organized by Stedelijk Museum curators Geurt Imanse and Bart Rutten, the Stedelijk’s presentation of more than 500 works places Malevich within the context of his contemporaries.

Not only an artist, he was an influential teacher and a passionate advocate of the “new” art. The show is a tribute to the Russian avant- garde of the early 20th century, with Malevich as its focal point. Although best known for his purely abstract work, he was inspired by diverse art movements of his day, including Impressionism, Symbolism, Fauvism, and Cubism; his own visual language was also influenced by Russian icon painting and folk art. Through oil paintings, gouaches, drawings, and sculptures, the exhibition traces the rich variety of his oeuvre. All the phases in Malevich’s career will be on view, from his Impressionist period to his iconic Suprematist phase—his Black Square was its most radical consequence—to the lesser-known figurative works that followed.”

 

Plus d’infos: www.stedelijk.nl

Présentation par le musée:

“Formes géométriques, pures et dynamiques : le style Art Déco (1919-1940) se caractérise par son attractivité et sa vivacité.

Né de l’impulsion des créateurs français tels que les architectes Henri Sauvage, Robert Mallet-Stevens, Pierre Patout, les décorateurs André Véra, Louis Süe, André Mare et Jacques-Émile Ruhlmann, le couturier Paul Poiret ou encore le sculpteur François Pompon, il est le fruit d’une vision d’ensemble émanant de champs artistiques variés.

L’exposition “Art Déco” est la première depuis 1975 à rendre hommage à cette esthétique qui a su unir des créateurs du monde entier. Cette rétrospective de référence aborde avec détails l’Exposition internationale de 1925 et la diffusion mondiale de ce style à la popularité pérenne. Dans un premier temps, elle revient de manière didactique sur la distinction entre Art Nouveau et Art Déco.”

Plus d’infos: www.citechaillot.fr

Présentation par le musée:

“Édouard Léon Théodore Mesens (1903-1971) est l’un des principaux acteurs internationaux de la scène artistique de la première moitié du 20e siècle. À la fois musicien, poète, éditeur, photographe, commissaire d’exposition, marchand et collectionneur d’art, il est un artiste talentueux et flamboyant. À travers des collages, des écrits et des publications d’exception, l’exposition retrace l’histoire fascinante du dadaïsme et du surréalisme

E.L.T. Mesens fait partie des principaux fondateurs du mouvement surréaliste, auquel il adhère dès le début. Par ailleurs, il joue un rôle actif dans le monde artistique européen et, à partir des années vingt, il compte parmi ses amis le poète roumain Tristan Tzara, l’artiste néerlandais Théo van Doesburg et le compositeur français Erik Satie.

C’est grâce à lui que René Magritte acquiert une notoriété internationale et que l’Angleterre découvre le surréalisme ! Il se lie d’amitié avec de nombreux artistes, tels que Roland Penrose, Lee Miller, Max Ernst, Kurt Schwitters, André Breton et Man Ray. Entre 1938 et 1950, il dirige la London Gallery où des artistes comme René Magritte, Paul Delvaux, Giorgio de Chirico et Pablo Picasso exposent leurs œuvres. Sa vie est entièrement placée sous le signe de la fantaisie et de la poésie. Dans les années cinquante, il revient au collage et organise de grandes expositions au casino de Knokke.

Découvrez Dada et le surréalisme à Bruxelles, Paris et Londres. L’exposition L’alphabet d’étoiles d’E.L.T. Mesens présente d’innombrables œuvres d’art, écrits et photographies de René Magritte, Man Ray, Lee Miller, Paul Klee, Max Ernst, Pablo Picasso, Salvador Dali, Paul Delvaux, Yves Tanguy, Amadeo Modigliani, Desmond Morris, Kurt Schwitters, et bien d’autres encore !”

Catalogue

L’alphabet d’étoiles d’E.L.T. Mesens. Dada et surréalisme à Bruxelles, Paris et Londres.

65 €

EN / FR version est disponible à partir de 6/7 – couverture rigide.

La version FR est disponible à partir de Septembre – couverture soft.

Auteurs: Phillip Van den Bossche, Christiane Geurts-Krauss, Virginie Devillez, Xavier Canonne, Michel Remy, Nele Bernheim, Simon Delobel, Erich Weiss, Peter J.H. Pauwels.

Plus d’infos: www.muzee.be

Présentation de l’exposition par le musée:

“Artiste français, Paul Jacoulet (1896-1960) arrive au Japon en 1899, où il séjournera la plus grande partie de sa vie. Il voyage en Corée, en Chine et en Micronésie où il se rend à de nombreuses reprises pour faire des portraits des habitants. À travers ses estampes et dessins, il représente les hommes et les femmes qu’il a rencontrés avec un regard à la fois intime, esthétique et ethnographique.

Plusieurs grandes thématiques permettent de voyager dans son oeuvre abondante et singulière : la vision d’artiste-ethnographe d’un ailleurs devenu quotidien et intime, la représentation des tatouages et des parures mais aussi de certains rituels ou encore la composante érotique qui caractérise certains portraits.

L’exposition réunit plus de 160 dessins, croquis et estampes exceptionnels issus de la donation faite au musée du quai Branly en 2011 par Madame Thérèse Jacoulet-Inagaki, fille adoptive de Paul Jacoulet, ainsi que les trois autres héritiers-donateurs – Messieurs Chisei Ra, Louis Young Whan Rah et Shozo Tomita. Un ensemble de bois utilisés pour la préparation des estampes, des objets du musée du quai Branly et du Museum national d’Histoire naturelle de Paris, ainsi que des programmes audiovisuels complètent cette présentation.

Pour retrouver en ligne l’ensemble des œuvres de la donation Jacoulet, suivez ce lien et effectuez une recherche sur le terme “Jacoulet”.”

Plus d’infos: www.quaibranly.fr

Présentation de l’exposition par le musée:

“Voici la première grande rétrospective, depuis plus de vingt ans, consacrée au modernisme belge vers 1920. L’avant-garde belge historique est illustrée à travers les beaux-arts, l’architecture, l’art décoratif, la typographie, la photographie, le cinéma, la musique, la littérature et le théâtre. Des protagonistes belges tels que Marthe Donas, Jozef Peeters, Jules Schmalzigaug, Victor Servranckx et Georges Vantongerloo côtoient des contemporains étrangers comme László Moholy-Nagy, Vassily Kandinsky, Fernand Léger, Kurt Schwitters et Theo Van Doesburg. Plusieurs grands musées étrangers prêtent des œuvres majeures pour cette exposition.”

A noter: une très belle section de (trop rares) photographies.

Plus d’infos: www.mskgent.be

Présentation par le musée:

“During the time of the Weimar Republic Berlin was the political nerve centre and a pulsating metropolis with more than four million inhabitants. The appointment of Adolf Hitler as Chancellor of the Reich on 30 January 1933 marked the beginning of the ultimate destruction of the democracy. Essential basic rights and the legal order were invalidated, trade unions disbanded, political parties and social organisations banned or forced to shut down. The “seizure of power” by the National Socialists was accomplished with unparalleled swiftness and was marked by a wave of terror against political opponents, the Jewish population and other groups in German society.

The exhibition “Diversity Destroyed. Berlin 1933 – 1938” is the contribution of the German Historical Museum to the eponymous Theme Year of the city of Berlin. It recalls in particular the takeover of power in 1933 and the November pogrom in 1938. The exhibition brings together more than forty projects of museums and memorials, private associations and initiatives that deal with the history of Berlin under National Socialism in exhibitions, temporary art projects, theatre performances, readings, film projects or audio guides. Together they document the disastrous consequences of the Nazi dictatorship for life in the capital city.”

Curator: Dr. Simone Erpel

Plus d’infos: www.dhm.de

Artiste franco-belge né à Mouscron (Belgique) en 1901, René De Graeve a été scolarisé en France et fut l’élève de l’école des beaux-arts de Lille, ville où il a toujours résidé et exposé.

En dépit de cette forte imprégnation de culture française, l’artiste est demeuré viscéralement attaché à ses racines flamandes. Cet atavisme, qui a fortement marqué sa peinture, a souvent été incompris en France, où il a exposé régulièrement, de 1933 à 1956.

Son style, parfois influencé par la colonie flamande de Laethem-Saint- Martin, dite aussi école de La Lys, recourt à un symbolisme auquel les critiques de l’époque sont tous demeurés réfractaires.

Pour René De Graeve, le quotidien le plus prosaïque et l’environnement le plus vulgaire peuvent receler des trésors de poésie dissimulés au creux des choses et sous la réalité des apparences.

C’est ainsi que sa peinture nous donne à voir une image qui est aussi le support d’une véritable réflexion ou méditation. Des oeuvres comme L’Enfant au cerf-volant (1934), Le Communiant (1939), L’Occupation (1942), Le Mur (1948)… correspondent bien à cette double analyse proposée par le peintre, qui nous invite surtout à comprendre. Il est évident que cette peinture intellectualisée s’apprécie mieux lorsqu’on en possède les clefs de décryptage.

Cette exposition rétrospective, totalement exceptionnelle par sa qualité et son ampleur (dessins et peintures) nous convie à la redécouverte d’un artiste attachant, totalement tombé dans l’oubli, alors même qu’à son époque, il était très réputé et apprécié pour ses portraits.”

A consulter sur: http://www.latribunedelart.com/lyon-et-l-art-moderne-de-bonnard-a-signac-1920-1942-article004185.html

Bonne lecture et meilleurs vœux pour cette nouvelle année qui commence !

Présentation de l’exposition par le musée:

“À l’automne 2011, grâce au mécénat de la Marque Yves Rocher, le Centre Pompidou faisait l’acquisition de la collection photographique de Christian Bouqueret qui constituait le dernier grand ensemble en mains privées sur la photographie française de l’entre-deux-guerres. Une acquisition rare, majeure, à laquelle se consacre aujourd’hui l’exposition « Voici Paris – Modernités photographiques, 1920-1950 », à travers la sélection de quelque trois cents images, où figurent quelques-unes des grandes icônes de l’histoire de la photographie de la première moitié du 20e siècle.

Initiée dès la fin des années 1970, la collection rassemblée par Christian Bouqueret comprend près de sept mille images, pour la plupart des tirages originaux, œuvres de plus de cent vingt photographes actifs à Paris entre les années vingt et quarante. Représentative de la richesse de la scène parisienne, cette collection mêle les œuvres de figures magistrales de la photographie (Man Ray, Kertész, Krull, Dora Maar, Brassaï), aux images de photographes moins célébrés (Moral, Steiner, Zuber). Avec l’acquisition de la collection Bouqueret, qualifiée d’« œuvre d’intérêt patrimonial majeur », le fonds de photographies du Centre Pompidou – l’une des rares collections au monde apte à présenter une histoire complète de la photographie moderne et contemporaine dans sa diversité – devient la collection de référence pour l’étude de la photographie moderne en France dans les années 1930. Présentant un choix d’images inédit, « Voici Paris » dresse le portrait de la création photographique en France dans l’entredeux- guerres. À cette époque, Paris, ville d’accueil de nombre d’artistes et photographes étrangers, aimante les forces vives de la scène internationale : Man Ray (États-Unis), Germaine Krull, Erwin Blumenfeld (Allemagne), André Kertész, Brassaï (Hongrie) et bien d’autres encore, s’y installent et y travaillent. Aux côtés des photographes français (Henri Cartier- Bresson, Claude Cahun, Jean Moral, Daniel Masclet, Pierre Boucher, etc.), ils participent à l’une des périodes les plus flamboyantes de l’histoire de la photographie, celle où les artistes s’emparent du médium pour inventer la vision moderne.

Continuer la lecture de Exposition: “Voici Paris. Modernités photographiques, 1920-1950 – La collection Christian Bouqueret” du 17 octobre 2012 au 14 janvier 2013 au Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, à Paris

Présentation de l’exposition par le musée:

“Le BAL – Musée des Beaux-Arts de Liège présente une exposition consacrée aux travaux de Sonia Delaunay réalisés à Paris, à l’Atelier Simultané, entre 1923 et 1934.

Delaunay transpose aux arts appliqués la loi des contrastes simultanés qu’elle développe en peinture. En décloisonnant les catégories des arts académiques, elle révolutionne le monde du textile. Tissus imprimés, dessins rehaussés, gouaches sur papier mettent en évidence le caractère innovant de cette artiste majeure du XXe siècle considérée comme une pionnière de l’abstraction.

La confrontation des différents supports met l’accent sur le processus de mise en œuvre des créations, l’évolution des motifs géométriques puis organiques et la variété des tissus utilisés pour l’impression.

Les œuvres présentées, plus de 200 au total, proviennent du Musée des Tissus de Lyon et de la Fondation Marconi de Milan.”

Avec la collaboration de la Fédération Wallonie-Bruxelles, l’asbl Les Musées de Liège et l’Ecole supérieure des Arts de Liège.

Plus d’infos: http://beauxartsliege.be

Présentation de l’exposition par le musée:

“Présentée dans le cadre de Fanstatic 2012, la nouvelle édition de lille3000, l’exposition La Ville magique propose une plongée dans différents mythes urbains de l’entre-deux-guerres, au moment où la ville semble concentrer tous les phantasmes et toutes les craintes du monde occidental. Elle réunit environ 200 peintures, dessins, collages, photographies et films.

Dès la fin du XIXe siècle, la ville, perçue comme lieu de tous les possibles, tous les plaisirs, et toutes les innovations, devient chez certains artistes le personnage principal de quelque conte fantastique.

Après la première Guerre mondiale, le phénomène se généralise et la ville moderne génère plusieurs mythes successifs, de New York à Paris, en passant par Berlin. Pendant quatre décennies, des artistes de tous horizons proposent leur vision de la métropole, tour à tour fascinante, étrange ou menaçante. Une inquiétante étrangeté hante les oeuvres de Giorgio De Chirico, René Magritte, Paul Delvaux, Edward Hopper, Georgia O’Keeffe, Victor Brauner, George Grosz, Anton Räderscheit, Carel Willink, Pyke Koch… et de la fine fleur de l’avant-garde photographique et cinématographique internationale (Brassaï, Ilse Bing, Louis Faurer, Heins Hajek-Halke, Raoul Hausmann, Lucien Hervé, André Kertész, Umbo… ainsi que René Clair, Howard Hawks, Fritz Lang, Walther Ruttmann, Charles Sheeler et Paul Strand, Dziga Vertov…).

L’exposition se structure autour de quatre mythes urbains particulièrement révélateurs de la façon dont la ville est perçue, ressentie et investie par ces artistes : New York, et en particulier Manhattan, perçue comme l’incarnation du sublime ; Metropolis, qui révèle la grande ville comme une nouvelle Babel envoûtante et mécanique ; la ville surréaliste, de plus en plus détachée de la réalité, vue comme le miroir de l’inconscient et le théâtre de la mémoire ; enfin, la ville énigmatique du roman et du film noir, où le détective et le criminel se substituent au flâneur baudelairien.”

Plus d’infos: www.musee-lam.fr

Télécharger le programme des nombreuses activités proposées autour de l’exposition: Autour-de-La-Ville-magique